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APO-Summicron-SL 75 y 90 mm f/2 ASPH, dos nuevas ópticas Leica diseñadas para sus cámaras sin espejo full frame del sistema SL

Xatakafoto - Hace 7 horas 34 mins

La mítica firma germana ha anunciado el lanzamiento de dos nuevos objetivos Leica para cámaras mirrorless del sistema SL con sensor de formato completo (aunque también se podrán usar con otras Leica). Se trata de las ópticas APO-Summicron-SL 75 mm f/2 ASPH y APO-Summicron-SL 90 mm f/2 ASPH, dos productos que inauguran, según la nota de prensa, una “nueva línea de alto rendimiento para el sistema Leica SL" y han sido "diseñadas y construidas para una larga vida útil en el uso profesional".

Los nuevos objetivos cuentan con distancias focales muy similares y de uso general (aunque están especialmente indicadas para fotografía de retrato) y tienen un diseño muy similar (mismas medidas y un peso muy parecido). Internamente también son casi iguales, con un diseño apocromático para reducir la aberración cromática y once elementos ópticos, uno de los cuales es esférico.

Todo para, como no podía ser de otro modo, garantizar “un excelente rendimiento de imagen” que se ha logrado gracias al desarrollo de “nuevos métodos de fabricación extremadamente precisos y tecnologías de medición especiales”. Además, ambas cuentan con un nuevo sistema de enfoque automático más rápido, denominado DSD (Dual Synchro Drive), y que aseguran es capaz de recorrer todo el rango focal en solo 250 milisegundos. Su distancia mínima de enfoque es de 50 y 60 centímetros (respectivamente) y ambas estás selladas contra el polvo y la humedad.

Precio y disponibilidad

Los nuevos objetivos APO-Summicron-SL 75 mm f/2 ASPH y APO-Summicron-SL 90 mm f/2 ASPH estarán disponibles a final de este mes de enero y a comienzos de febrero (respectivamente) y, según DPReview, tendrán un precio de 4.750 y 5.150 dólares.

Más información | Leica

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Categorías: Fotografía

‘The Experimental Self Edvard Munch's Photography’ nos descubre la relación con la fotografía del famoso pintor de “El Grito”

Xatakafoto - Hace 10 horas 13 mins

Que la relación de los pintores con la fotografía viene de muy atrás es algo de lo que ya hemos hablado en otras ocasiones, pero poder ver las fotografías que realizaron algunos de los artistas más universales ya es otro cantar. Y eso es justo lo que ofrece ‘The Experimental Self Edvard Munch's Photography’, una exposición abierta hasta el cinco de marzo (en Nueva York, eso sí), en el que se expone la sorprendente obra fotográfica de Munch (1863-1944), el artista noruego universalmente conocido por su obra “El Grito”.

Autoretrato de Edvard Munch ‘à la Marat,’ junto a una bañera en la clínica del Dr. Jacobson (1908-09). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch

Sin duda una obra icónica que todos conoceréis y que se aleja mucho del realismo fotográfico. Por eso, como era de esperar, el pintor llevó la fotografía a su terreno utilizándola como medio de experimentación. En las imágenes y los escasos vídeos realizados por el propio Munch se puede observar como utilizó la cámara como un medio expresivo más, explotando sus posibilidades y jugando con prácticas “defectuosas”, como la distorsión, la trepidación, los ángulos de cámara más excéntricos y otros “errores” fotográficos. También es curioso observar como él mismo fue protagonista de muchas de sus fotos, así como su entorno más cercano al que retrató de una forma que ahora se nos antoja poética.

Autoretrato junto al ama de llaves (Warnemünde, 1907). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch

Todo ello se puede ver en las aproximadamente 50 copias impresas y algunas películas (más algunos grabados seleccionados) que recoge esta exposición inédita en América, que se puede visitar en la Scandinavian House (el centro nórdico sito en la gran manzana). La exposición coincide con otra muestra dedicada al pintor en el Metropolitan de Nueva York y ha sido organizada por la American-Scandinavian Foundation en asociación con el Museo Munch de Oslo (Noruega) que es quien ha prestado los fondos que se muestran.

Retrato de ‘Fips’, el perro de Munch (1930). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch Pinturas en su estudio invernal en Ekely (1931-32). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch Edvard Munch con Rosa Meissner en Warnemünde (1907). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch Autoretrato de Munch en un interior en Åsgårdstrand (1904). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch

‘The Experimental Self Edvard Munch's Photography’

Hasta el cinco de marzo

Entrada libre

Scandinavia house

58 Park Avenue

Manhattan, Nueva York (EE.UU)

www.scandinaviahouse.org

En Xataka Foto | ‘Instant Stories: Wim Wenders’ Polaroids’, una oportunidad para conocer la faceta fotográfica más íntima del cineasta

Foto de portada | Autoretrato de Munch con gafas y sentado ante dos acuarelas en Ekely (1930). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch

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Categorías: Fotografía

Frances y Mary Allen

Fotógrafos en la red - Hace 13 horas 14 mins
Frances y Mary Allen fueron dos fotógrafas estadounidenses (nacidas en 1854 y 1858, y fallecidas ambas en 1941) que crearon fotografías idealizadas de escenas campestres, estudios de figuras y niños y paisajes de Nueva Inglaterra, Quebec, California y Gran Bretaña.  
Constance, 1897. Frances & Mary Allen BiografíaFrances Stebbins Allen y su hermana menor Mary Electa perdieron gradualmente su audición en la década de 1880 y se vieron obligadas a abandonar sus trabajos como maestras y encontrar un nuevo medio de vida. Encontraron ese sustento a través de la fotografía, a la que, probablemente, fueron introducidas por su hermano Edmund hacia 1884, y a finales de la década ya aceptaban encargos y publicaban obras, convirtiendo sus visiones artísticas de los escenarios locales en una larga carrera que les trajo reconocimiento internacional y la reputación de ser dos de las mejores fotógrafas de su época. Trabajando dentro de las reformas sociales y estéticas del movimiento Arts and Crafts, descubrieron que las casas y el mobiliario de Deerfield del siglo XVIII ofrecían un entorno ideal para sus recreaciones coloniales. Aunque estas visiones románticas del pasado (pictorialistas) comprenden su obra más conocida, las Allen también dominaron imágenes menos descriptivas. Ambas trabajaron como equipo siempre, aunque Mary hacía más retratos y Frances más paisajes, realizando ellas mismas todo el proceso: revelado, copias, retoque y montaje. Sus imágenes se incluyeron en importantes exposiciones y publicaciones de fotografía artística, como el Washington Salon and Art Photographic Exhibition (1896), 3er Congreso Internacional de Fotografía en París (1900), 3er Salón Fotográfico de Filadelfia (1900), Exposición Pictórica Canadiense (1907) y en el Instituto de Arte de Chicago (1908). Aunque sus obras están asociadas de manera principal con el valle del río Connecticut, viajaron ocasionalmente, fotografiando en lugares tan lejanos como Maine y Quebec y llevando su cámara a viajes por Inglaterra, Escocia y Gales en 1908, y a California en 1916.  Después de 1918, la mala salud y la peor visión de Frances comenzaron a pasar factura, haciendo ésta ya poca fotografía después de la Primera Guerra Mundial, aunque continuó asistiendo en el cuarto oscuro y con el negocio, y la productividad de Mary disminuyó también. Continuaron vendiendo grabados hasta 1935. Las hermanas, solteras y viviendo siempre juntas, cuidándose una a la otra, murieron en febrero de 1941 con 4 días de diferencia.  Referencias Libros
  • Flynt, Suzanne L. The Allen Sisters: Pictorial Photographer, 1885-1920, 2002.
  • Frances and Mary Allen: A biography, 1969
Categorías: Fotografía

Conoce los Modos de Medición de tu Cámara Réflex

DZoom - Hace 14 horas 44 mins

¿Te has preguntado alguna vez qué son o para qué sirven los modos de medición de tu cámara? Se trata de esos pequeños iconos que normalmente aparecen en la pantalla LCD o la pantalla superior de tu cámara réflex representados por un cuadrado con figuras dentro.

En este artículo te explicaremos qué son estos modos, cómo funcionan y en qué situaciones te conviene más utilizarlos. Si has dejado atrás el modo automático o tienes pensado hacerlo, te darás cuenta de lo útiles que son los modos de medición según cada momento.


¿Qué Son los Modos de Medición y Para qué Sirven?

La exposición es, junto con la composición, uno de los pilares esenciales que necesitamos para conseguir una buena fotografía. Como sabes, una buena exposición se consigue eligiendo bien los parámetros de apertura de diafragma, sensibilidad ISO y velocidad de obturación.

Sin embargo, da igual si disparas en modo manual o semiautomático, no habrá diferencia en lo que se refiere a cómo tu cámara va a medir la luz de la escena. A menos que cambies el modo de medición.

La medición de la luz o el brillo de una escena es un punto importante para determinar bien la exposición de una escena, sobre todo cuando el contraste es elevado. Para medir la luz utilizamos fotómetros.

El fotómetro que viene integrado dentro de nuestra cámara mide la luz reflejada sobre el objeto o sujeto fotografiado, pudiendo ocasionar capturas sobreexpuestas y subexpuestas. Por eso muchas veces es más recomendable utilizar un fotómetro externo o de mano. Estos últimos miden directamente la luz que indice sobre el motivo y son mucho más precisos.

Sin embargo, aunque nuestra cámara no sea capaz de medir la luz de forma exacta, podemos echarle una mano para que lo haga de forma más precisa.

Utilizando los modos de medición, obligaremos a la cámara a priorizar una medición concreta dentro del encuadre. Es decir, le vamos a indicar qué parte de la imagen va a tomar como referencia para medir la luz y conseguir una exposición adecuada.

Los tres modos de medición más comunes son: el Modo Matricial o Evaluativo, el Modo Ponderado al Centro y el Modo Puntual. En Canon también encontramos un cuarto modo, el Parcial. Estos son los iconos que los representan.

Ahora vamos a conocer cada modo por separado para saber en qué casos nos conviene más utilizar uno u otro. Debes saber que, si disparas en modo automático lo normal es que tengas el modo matricial o evaluativo seleccionado por defecto y no podrás cambiarlo. Para poder usar los modos de medición deberás seleccionar el modo manual o los semiautomáticos.

El botón o dial para cambiar los modos de medición varía según la cámara. Aunque en la mayoría puedes acceder también a través del menú general de opciones. Si no sabes cómo cambiarlo, deberás recurrir al manual de instrucciones tu cámara para saber dónde está. En caso de no disponer de él o no encontrar la versión en papel recuerda que la mayoría de manuales los puedes encontrar online.

Modo de Medición Matricial o Evaluativa

Seleccionando este método la cámara divide la escena en una rejilla, analiza cada segmento de la imagen completa y recoge distintos valores de luz. Una vez recoge todos los datos, calcula una media con la que define la exposición más adecuada para la escena. Como es el modo que viene por defecto cuando disparas en modo automático, suele ser el más utilizado en la mayoría de los casos.

Debes tener en cuenta que cada cámara realiza una medición con un distinto número de áreas dentro del marco y usan diferentes fórmulas para calcular el valor medio de la exposición. Por eso, es importante que hagas pruebas y veas cómo se comporta tu cámara en diferentes situaciones. El modo de medición matricial o evaluativo será adecuado, por ejemplo, en escenas donde la iluminación sea muy homogénea o para fotografiar paisajes donde haya un contraste medio o bajo.

Modo de Medición Ponderada al Centro

Este modo mide la luz priorizando la parte central de la escena (un 75% de la imagen más o menos), es decir, dejando fuera las esquinas de la imagen. Algunas cámaras te permitirán definir el tamaño del diámetro central, aunque la mayoría vendrá delimitado por defecto.

El modo de medición ponderado al centro es uno de los más utilizados por los fotógrafos, sobre todo los que tienden a componer colocando el peso visual en una posición centrada. Es ideal para realizar retratos, porque ofrece un nivel de precisión razonable a la hora de medir la luz del rostro del sujeto fotografiado y calcular una buena exposición.

Modo de Medición Puntual

El modo de medición puntual, como su proprio nombre indica, mide un punto concreto de la escena. Esa pequeña porción de la imagen, que normalmente suele ser el centro, equivaldría a un 5% de la superficie del marco. En algunas cámaras sí que encontrarás la opción de desplazar ese punto hasta la zona que más te interese para medir la luz. Si tienes la opción, prueba a medirla justo encima o cerca del centro de interés, para ver qué exposición te convence más.

La medición puntual es el modo más preciso de todos, ya que proporciona lecturas más rigurosas de pequeñas áreas concretas. Es especialmente eficaz en fotografías donde el contraste es alto, muy alto o extremo. Por ejemplo, para fotografiar un cantante en un concierto, este es el modo que más nos conviene. Conseguiremos sacar bien expuesto al sujeto que es lo que nos interesa, aunque el fondo salga completamente oscuro.

Modo de Medición Parcial (Exclusivo de Canon)

El modo de medición parcial, es un modo que poseen la mayoría de cámaras Canon. Es muy similar al puntual, solo que en lugar de medir la luz abarcando un 5% del marco de la imagen, lo hace hasta entre un 6 y un 9%. Es ideal para fotografías donde el sujeto u objeto fotografiado se encuentra situado delante de fondos muy iluminados.

Un buen momento para usar este modo sería cuando realicemos un retrato a contraluz. Es decir, fotografiar a una persona en una habitación mirando por una ventana por donde entra la luz del día. Para poder exponer bien al sujeto sin que la luz queme el resto de la escena, el modo parcial es una buena opción.


Elige el Modo de Medición que Mejor se Adapte a Cada Situación

Como ya te hemos comentado, cada cámara tiene unos algoritmos de medición y los porcentajes de área seleccionada para evaluar la escena varían. Por eso es mejor que tú mismo hagas las pruebas pertinentes y veas hasta dónde es capaz de llegar tu cámara. Recuerda que el la compensación de la exposición también puede ser un buen aliado para conseguir imágenes más o menos expuestas.

Finalmente, para acabar de comprender cómo funcionan los modos de medición de tu cámara y practicar con ellos, te proponemos un experimento. Se trata de una prueba muy sencilla y a la vez muy esclarecedora que consiste en fotografiar una vela.

Apaga todas las luces y coloca el trípode frente a una vela encendida. Ahora solo tienes que realizar la misma fotografía cambiando uno a uno los modos de medición. Como puedes en la imagen comparativa de arriba, cambia mucho la exposición de una imagen a otra.

¿Has obtenido el mismo resultado realizando la prueba de la vela? ¿Cuál es el modo de medición que más utilizas? ¡Cuéntanoslo!

Categorías: Fotografía

Primeros pasos con Capture One, un editor de fotografía profesional (IV)

Xatakafoto - Mar, 16/01/2018 - 21:08

Continuamos con el curso dedicado a Capture One. Estamos ya en el cuarto capítulo. Y es el momento de enseñar cómo descargamos las fotografías para trabajar con ellas en el programa. Pero lo más interesante que vamos a ver hoy es saber cómo podemos organizar nuestros archivos con Capture One.

Estamos acostumbrados a trabajar directamente con nuestros archivos en la carpeta en la que se han descargado o, si somos de Adobe, con las previsualizaciones de un catálogo, que no son más que copias de los originales que, en teoría, nos permiten trabajar más rápido pero solo en el entorno que estamos.

Capture One nos introduce en el mundo de las sesiones. También trabaja con algo parecido al catálogo de Adobe. Y por supuesto podemos trabajar libremente. Pero como buen programa profesional que es, nos da esas dos opciones, Sesiones y Catálogo, para tener un control absoluto de nuestros trabajos. Pero antes de contar cómo funcionan, vamos a descargar nuestras fotografías.

La descarga de fotografías

Este programa puede funcionar como Adobe Bridge o como Adobe Lightroom. La descarga de una tarjeta es sumamente sencilla. Lo primero es meter la tarjeta en el ordenador. Si tenemos activa la casilla Abrir importador cuando se detecte una tarjeta de una cámara digital en Editar>Preferencias>Importando accederá a ella automáticamente. Si no tendremos que hacer clic en el icono Importar imágenes (Ctrl+Mayús+I). Y lo podemos hacer desde una sesión o un catálogo.

La ventana de descarga

Así abrimos la ventana Importar imágenes. Y el camino a seguir es el habitual:

  1. Importar desde: Aquí elegimos la ubicación de la tarjeta o el disco duro que queramos importar.
  2. Importar a: El lugar donde queremos colocar las nuevas fotografías. Desde una carpeta de sesión hasta la clásica carpeta de toda la vida. Siempre recomiendo guardar de una forma que no dependa de ningún programa. Aprovecharemos los extras que nos de. Pero si dejamos de trabajar con el programa seguiremos teniendo nuestra organización.
  3. Backup a: La clásica copia de seguridad en otra ubicación.
  4. Denominación: Pestaña en la que podemos dar un nombre a nuestros archivos.
  5. Metadatos: Nuestro copyright, una descripción con palabras clave...
  6. Información de archivo: Los metadatos generados por la cámara, como la fecha o el tamaño.
  7. Ajustes: Los clásicos ajustes preestablecidos para ver nuestras fotografías con un revelado determinado. Por ejemplo, directamente en blanco y negro.

Una vez hemos elegido todos los ajustes solo nos queda dar al botón Importar x imágenes. Podemos pedir que luego nos borre las fotografías en la tarjeta o que expulse la tarjeta automáticamente. Como veis, muy parecido a cualquiera de los programas que existen en el mercado. Por manías personales siempre lo hago con el sistema operativo, pero hay que reconocer que en este caso funciona muy bien.

¿Sesiones o Catálogo?

Y llegamos al gran dilema para muchos. A la gran duda de los usuarios del programa. ¿Hago un sesión o trabajo con un catálogo? Lo mejor es que tenemos una tercera opción, que no es otra que trabajar con los originales directamente, como si estuviéramos con Adobe Bridge y Photoshop (comparo siempre con la competencia porque es el programa de referencia).

Vamos a intentar explicar de una vez por todas las virtudes y defectos de una y otra forma de trabajar con Capture One. Creo que antes de lanzarse con este programa hay que tener muy claro cuál será nuestra rutina con él. Depende de muchas cosas: nuestra profesión, volumen de fotografías, si tenemos o no otros programas... Y saber que podemos combinar ambas formas de trabajar, si así lo queremos.

Sesiones

Las sesiones es una forma perfecta de separar cada trabajo que realizamos de una menara lógica y ordenada. Todo está separado y organizado por carpetas. Es una carpeta con cuatro subcarpetas en su interior: Capturas, Seleccionadas, Salida y Papelera.

¿Y como funciona? Lo primero que tenemos que hacer es ir a Archivo>Nueva sesión. Aquí es el lugar en el que vamos a crear las cuatro subcarpetas dentro de la sesión que tenemos entre manos. Una vez les hemos dado un nombre (que recomiendo que sean siempre los mismos) ya podemos empezar a trabajar con la sesión.

Iniciar una sesión

En este caso he creado una con el nombre Prueba. Si me voy al explorador de archivos de mi ordenador encontraré, en la ruta seleccionada, una carpeta con dicho nombre en cuyo interior veremos las cuatro subcarpetas que he señalado antes. También veremos un archivo con extensión .cosessiondb.

En la parte superior de la interfaz de Capture One veremos el nombre de la sesión. Y desde este momento podemos empezara importar las fotos que formen parte de un trabajo en concreto. La copia de los originales irá directamente a Capturas.

En este momento, desde la carpeta Capturas, puedo mover físicamente los archivos a Seleccionadas y a Papelera. También podría trabajar con los Álbumes de sesión, que sería lo más parecido a las Colecciones inteligentes de Lightroom. En este caso no se moverían los archivos sino que se marcarían dentro de esas carpetas virtuales.

Y si terminamos de revelar la foto y queremos que vaya a Salida, en el formato que queramos, solo tenemos que acudir a la pestaña Salida y por defecto las fotografías terminadas irán a esta carpeta.

Trabajar con sesiones es interesante si tenemos varios proyectos abiertos. Pero personalmente creo que no es una forma de trabajar útil para un fotógrafo aficionado... Podemos tener demasiadas sesiones y no podemos olvidar que si tenemos muchas fotos en nuestro archivo lo que estamos haciendo es duplicar la información en nuestros discos duros. Como siempre, todo es cuestión de organizarse.

Catálogo

Apareció en la versión 7. Surgió con la idea de organizar las miles de sesiones que podía tener un fotógrafo. En cierta manera, un catálogo puede ser un conjunto de sesiones. Trabajar con un catálogo permite hacer búsquedas rápidas sin tener que abrir cientos de carpetas... exactamente igual que nos pasa en Adobe Lightroom.

El catálogo de Capture One de una forma muy parecida al de Lightroom. Es perfecto, por lo tanto, para organizar los grandes archivos que podemos tener. Si tienes un volumen importante de imágenes, es la opción ideal siempre y cuando no trabajes con el programa de la competencia. Es la mejor solución para hacer búsquedas rápidas incluso con fotografías cuyos originales no estén en ese momento en los discos duros que tengamos conectados.

El comienzo de un catálogo

Para crear un catálogo en Capture One tenemos que ir a Archivo>Nuevo Catálogo y darle un nombre. Como siempre, es mejor tener uno, o como mucho dos, para evitar que las búsquedas futuras que hagamos no sean productivas. Algo realmente interesante es que podemos pasar el catálogo de Lightroom a Capture One sin demasiados problemas para aprovechar todo el trabajo que hemos realizado. Es tan fácil como ir a Archivo>Importar catálogo>Catálogo de Lightroom. Pero si queremos empezar de cero, lo mejor es acudir a la ruta Archivo>Importar imágenes o Importar sesión.

Podemos organizarlo como bien explican en la página de Phase One:

Un catálogo puede almacenar archivos de imagen individuales, proyectos, álbumes, álbumes inteligentes y grupos.

Grupos: Un grupo es un elemento de organización de estilo libre. Puede contener otros grupos, proyectos, álbumes, etc. Es un medio sencillo de agrupar elementos. Un álbum inteligente ubicado dentro de un grupo buscará archivos ubicados fuera del grupo. (En cambio, un proyecto limita el alcance de las búsquedas de, por ejemplo, álbumes inteligentes, a ese proyecto, y no puede contener otros proyectos).

Álbumes: Incluya una imagen en varios álbumes sin crear copias ni consumir más espacio en el disco duro. De esta forma ahorrará espacio en el disco duro y la organización del trabajo le resultará más sencilla. Por supuesto, si edita una imagen en un álbum, los cambios que realice se reflejarán en los demás álbumes que contengan la misma imagen.

Proyectos: Los álbumes se pueden agrupar en proyectos, que permiten buscar y filtrar imágenes dentro de un proyecto. Un proyecto limita el alcance de las búsquedas de, por ejemplo, álbumes inteligentes, a ese proyecto (es decir, al contrario de lo que ocurre con los grupos, un álbum inteligente solo buscará archivos dentro de un proyecto). Un proyecto no puede contener otros proyectos.

Organice sus imágenes en álbumes, los álbumes en proyectos y los proyectos en grupos. Arrastre y coloque imágenes fácilmente entre colecciones de distintos proyectos. > >

Personalmente no creo que me olvide de Adobe, así que no le veo mucho sentido a tener en marcha dos catálogos. Además creo que su organización es demasiado compleja y menos intuitiva que la de su directo competidor. Quizás tenga que ver que llevo años tratando mis fotografías con Lightroom. Pero lo interesante es que ahora podemos elegir cuál nos gusta más.

En el próximo capítulo de Primeros pasos con Capture One, un editor de fotografía profesional, empezaremos a revelar nuestras fotografías, independientemente de cómo las tengamos organizadas.

En Xataka Foto| Cómo empezar con Capture One (I): Sesiones, catálogos e importación

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Categorías: Fotografía

Hasselblad H6D-400c MS, nueva cámara de formato medio que, vía multidisparo, promete fotos con una resolución de 400 megapíxeles

Xatakafoto - Mar, 16/01/2018 - 18:00

La conocida firma sueca ha presentado un nuevo modelo de cámara de formato medio, la Hasselblad H6D-400c MS, con la que pretender subir el listón en el mercado de cámaras especializadas en multidisparo (multishot). Y lo hace con un modelo que, según la compañía, “combina la innegable facilidad de manejo de la H6D con un nuevo nivel de calidad y detalle en la imagen […] ofreciendo una resolución efectiva de 400MP”.

Lo cierto es que realizar una fotografía de mayor resolución (a la realmente efectiva de acuerdo al sensor) en base a dos o más capturas, es algo que últimamente hemos visto en varias cámaras (en muchas con el nombre de Pixel Shift Resolution). Una tecnología que no es para nada nueva en ámbitos bastante específicos como las relacionadas con tareas de documentación o conservación y reproducción de obras de arte (pinturas, esculturas, edificios…). Pues bien, siempre según Hasselblad, el único sistema profesional de medio formato que ofrece la tecnología multi-shot es el fabricado por esta prestigiosa firma que “al cabo de los años continúa siendo la primera opción de las instituciones, organizaciones y museos alrededor de todo el mundo responsables de inmortalizar los tesoros históricos con la mayor calidad de imagen posible”.

Y para mantener este status la casa lanza este último modelo que se basa en la H6D con las mejoras lógicas y “la resolución y la fidelidad de colores que solo es capaz de ofrecer la fotografía Multi-Shot”. Su resolución efectiva es de 400 megapíxeles que se consiguen combinando seis disparos, mientras que con cuatro disparos o uno simple la resolución es de 100 Megapíxeles.

Ejemplo del nivel de detalle que se puede lograr gracias al multidisparo.

En el modo Multi-shot 400MP, con el que se logran las fotos de 400 MP, la cámara tiene que estar conectada a un ordenador y, mediante su sistema piezo eléctrico, el sensor se desplaza (con una precisión de 1 + 1/2 píxel) para tomar las seis imágenes que luego se fusionarán. Las primeras cuatro capturas se realizan desplazando el sensor un píxel con el fin de captar la información real de color; para las otras dos el sensor se desplaza solo medio pixel en horizontal y vertical. El resultado final es una imagen de formato TIFF de 16 bits y con unas dimensiones de 23.200 x 17.400 píxeles.

Precio y disponibilidad

La cámara, como ya os podéis imaginar, no va a salir barata: 39.999 euros. Si estás interesado debes saber que ya se pueden realizar reservas y que las primeras unidades de la Hasselblad H6D-400 MS se entregarán el próximo mes de marzo. De todos modos, si se te escapa de precio, también se podrá alguilar a un precio aproximado de 399 euros al día para periodos cortos, con un descuento del 50% para periodos de alquiler prolongados.

Más información | Hasselblad / Robisa

En Xataka Foto | ¿Qué nos ofrecen las nuevas formato medio sin espejo respecto a los modelos tradicionales?

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Categorías: Fotografía

Ahí fuera está helando: Consejos para proteger nuestro equipo fotográfico de la nieve y el frío intenso

Xatakafoto - Mar, 16/01/2018 - 16:47

La nieve y el frío se han convertido en protagonistas involuntarios de lo que llevamos de 2018 y también puede serlo de vuestras fotos, aprovechando que en buena parte de España ha caído nieve como hacía mucho tiempo que no se veía. Por eso, es posible que muchos de vosotros os hayáis planteado salir a hacer fotos y estéis pensando si deberíais tomar algún tipo de precauciones previas. La respuesta es que sí, y las medidas a tomar os las contamos a continuación.

De cómo proteger nuestro equipo es algo de lo que hemos hablado largo y tendido, generalmente ofreciendo consejos sobre la forma de cuidar el material en distintas condiciones adversas y qué no debe faltar en la mochila. Por supuesto también os hemos ofrecido consejos de tipo más creativo sobre cómo aprovechar una climatología desfavorable o cómo sacar partido de la climatología invernal para obtener buenas fotos de nieve y/o frío (como éstas o estas otras).

Foto de Mariia Kamenska

Pero en esta ocasión nos vamos a centrar en la protección de la cámara y demás equipo en condiciones de nieve y frío intenso, que son las que muchos de vosotros os podéis encontrar ahora mismo ahí fuera y donde, cómo no, podéis lograr estupendas fotos si seguís estas recomendaciones.

Lo primero, nosotros mismos

Esto es como las mascarillas de oxígeno de los aviones y los niños, antes de colocarle la suya al pequeño tenemos que ponernos la nuestra. Pues eso, antes de pensar en proteger nuestra cámara deberíamos pensar en protegernos nosotros mismos para que el entusiasmo por hacer fotos no se traduzca en un enfriamiento de nuestro organismo que nos haga enfermar. Además, piensa que aunque sólo tengas previsto dar un breve paseo, las condiciones adversas podrían provocar (por diversas y variadas circunstancias) que tuvieras que permanecer afuera más tiempo de lo pensado.

Foto de Saksham Gangwar

Como puedes imaginar, el primer consejo es abrigarse bien (la estrategia de la cebolla ―osea, por capas― es muy recomendable), teniendo especial cuidado con las partes más vulnerables como el pecho y la cabeza (por la que se evapora buena parte del calor del cuerpo). Y por lo que toca a lo más estrictamente fotográfico, hay que tener especial cuidado con las manos, que por aquello de manejar la cámara puede que llevemos al descubierto haciendo que sufran los efectos de las bajas temperaturas.

Por eso es recomendable hacerse con guantes específicos para fotógrafos. Hace tiempo la conocida Lowepro incluía en su catálogo unos específicos pero desparecieron, seguramente al mismo tiempo que se hacían populares los guantes con capacidad táctil pensados para poder usar los smatphones. Así, hoy día no es difícil encontrar unos guantes de este tipo con precios para todos los bolsillos que permiten usar las pantallas táctiles y, por tanto, vienen bien para manejar mejor la cámara.

Foto de Adrian Infernus

Gracias a ellos mantendremos calientes nuestras manos lo que ayudará a aguantar mejor la sesión y también evitará un eventual temblor de los dedos que, cómo no, puede perjudicar nuestras tomas. Por supuesto, por muy buenos que sean los guantes, el manejo no será como si no los lleváramos, así que habrá que acostumbrarse (para lo cual no vendrá mal algo de práctica previa antes de salir).

Y luego el equipo

Una vez tienes cubierta tu propia protección, es hora de cuidar de la cámara y demás equipo fotografíco. Piensa que en estas condiciones tendrá que enfrentarse a dos problemas fundamentales: las bajas temperaturas y la humedad provocada por la nieve y/o la niebla. Ante esta eventualidad lo primero a tener en cuenta es si tenemos una cámara que esté sellada contra los elementos, algo que ya ofrecen muchos modelos.

Foto de Jeffrey Blum

Si es el caso ya llevaremos bastante ganado, aunque tendremos que cerciorarnos de las especificaciones que declara la cámara, porque no todas aguantan cualquier temperatura de funcionamiento ni conviene descuidarse aunque la cámara declare estar sellada. Por otro lado, es muy importante pensar que la cámara no va a actuar sola (hablamos de réflex y similares) sino, cuanto menos, con un objetivo. Y si éste no está igualmente sellado de poco servirá que la cámara sí lo esté.

Para estos casos y para las cámaras que no estén selladas (e incluso para las que sí lo están), la mejor recomendación es hacerse con una funda protectora inpermeable (hace poco os enseñábamos ésta) o en su defecto fabricarse una de forma casera.

Foto de Nathan Wolfe

La idea, cómo no, es tratar de mantener nuestra cámara a salvo de la humedad lo máximo posible. Piensa que, aunque no lo parezca, la nieve al final acaba convirtiéndose en agua de un modo u otro con lo que la humedad está más que garantizada. En cuanto al frío, el mejor consejo es mantener la cámara en la bolsa el máximo tiempo posible o protegerla con nuestra propia ropa, aunque el peligro de la condensación estará ahí presente.

La condensación, un enemigo

Incluso aunque nuestra cámara resista al frío y el agua, la brusca diferencia de temperatura puede provocar condensación. Y esto puede derivar, potencialmente, en humedad en el interior de la cámara o el objetivo que cause todo tipo de problemas. Para evitarlo, es muy útil recurrir a esas bolsitas de sílice que suelen venir en las cajas de cámaras, objetivos y otros aparatos electrónicos y que se encargan de absorber la humedad. Nunca deberían faltar en nuestra mochila, menos si vamos a hacer fotos en ambientes como los que estamos relatando.

Foto de Aaron Burden

De todos modos, antes de guardar la cámara es conveniente secarla bien con nuestra ropa o, mejor, con un paño seco y limpio. Si se ha mojado de forma evidente la dejaremos envuelta en un paño seco o la meteremos en una bolsa de plástico con cierre hermético junto a alguna bolsita de sílice o, en su defecto, con arroz (que también absorbe la humedad).

Por otro lado, una vez que hemos acabado la sesión y estamos a cubierto y calentitos no debemos descuidarnos. Si sacamos la cámara demasiado rápidamente puede que se produzca condensación producida por el calor del lugar, así que si no tienes prisa mejor deja el equipo que se aclimate a la nueva temperatura durante un buen rato antes de sacarla de la funda.

Ojo con las baterías

Por último, hay otro elemento del equipo que puede sufir especialmente las inclemencias invernales si no tenemos precacución. Y es este elemento pequeño pero crucial, ya que sin él no podremos hacer fotos. Hablamos, efectivamente de las baterías, un accesorio que suele funcionar mucho peor en temperaturas extremas, condiciones que hacen que su autonomía se acorte o, directamente, que se descarguen.

Foto de Pixabay

Por este motivo, además de contar con alguna unidad de repuesto, es recomendable guardar todas las que llevemos en algún lugar de la mochila o, mejor, en un bolsillo interior de la chaqueta donde permanezcan “calentitas”, y sólo sacarlas en el momento que haya que utilizarlas. De este modo lograremos que no se descarguen y permanezcan operativas el mayor tiempo posible.

Con esto hemos acabado esperando que nuestros consejos sean suficientes para animarte a afrontar las duras condiciones que imponen el frío y la nieve. Y, por supuesto que no sufras ningún percance como la congelación de tu equipo, para lo cual deberías llevar a cabo un cuidadoso proceso de descongelación que esperamos no tengas que hacer. En cualquier caso, te animamos a salir a hacer fotos invernales sin miedo. Y si eres de los que (como un servidor) lleva mal lo del frío, piensa que al menos te servirá para hacer buenas fotos.

Foto de Pixabay

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Categorías: Fotografía

Michael Penn

Fotógrafos en la red - Mar, 16/01/2018 - 08:00

Michael Penn es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1969, vive en el Art Gallery District de Old City Philadelphia,  Pennsylvania) que realiza impresionantes imágenes monocromáticas capturadas en la verdadera esencia de la fotografía callejera tras un trabajo de fotografía urbana, principalmente de la ciudad de Filadelfia.

© Michael Penn

Biografía

Michael Alvin Penn es hijo del fallecido artista y fotógrafo industrial Alvin Penn. Ha vivido en la Ciudad Vieja de Filadelfia, durante más de veinte años. Después de trabajar en un bar durante casi 15 años, quiso hacer algo más creativo con su vida. Siempre había tenido interés en la fotografía, pero no tenía el tiempo ni los medios.

Después de su primera exposición fotográfica en solitario en la Silicon Gallery de Nueva York, Michael lanzó su nueva carrera capturando arquitectura contemporánea y clásica (puentes y estructuras emblemáticas) en Filadelfia y sus alrededores. Su portafolio del puente Benjamin Franklin obtuvo un gran reconocimiento nacional y mundial.

Desde esa primera exposición individual, ha expuesto en diversas muestras en grupo desde Manhattan hasta Santiago de Chile y su obra forma parte de las colecciones permanentes de The Wharton Business School  y The Philadelphia Eagles Football Organization.

Su creciente interés por la fotografía de W. Eugene Smith, William Klein y Takuma Nakahira alteró ligeramente sus puntos de vista sobre su propio trabajo. Las restricciones de las regulaciones de seguridad posteriores al 11-S resultaron ser para él una bendición disfrazada, junto con la conferencia y encuentro de 2009 con Daido Moriyama que le hizo de catalizador para un cambio en su fotografía.  Pronto se dio cuenta de que la fotografía callejera era su verdadera pasión.

La captura e impresión de unas 1000 fotografías de 10x15" realizadas durante tres años, conocidas como The Philadelphia Project, permitieron una transición fluida de la fotografía de bellas artes a la fotografía de calle y es también su serie con más éxito hasta la fecha. Este proyecto documenta la ciudad durante su gentrificación más reciente y el movimiento de renovación urbana y gran parte de lo que se fotografió ahora ya no existe. Se ha publicado en 40 libritos de 25 fotografías a sangrado completo de 8.5x11" en ediciones de 50, vendidos mensualmente y que finalizó en 2016.

Este éxito, le inspiró a comenzar y completar nuevos proyectos en la ciudad de Nueva York, el barrio chino de Filadelfia y la ciudad vieja de Filadelfia. La serie de fanzines MONTH-DAY-YEAR son fotografías tomadas en el transcurso de una jornada fotográfica de 6 horas en 1 día. De las 250 fotografías que suele sacar, edita y selecciona 25 para la publicación del fanzine. Tiene previsto realizar unas 6 publicaciones al año.

Estos cuerpos de trabajo y publicaciones están actualmente en exhibición en varias colecciones internacionales, como  The Museum of Modern Art en Nueva York, The Art Institute Of Chicago, Avery Architectural and Fine Arts Library en la Columbia University de Nueva York,  The Library of the National Museum of Modern Art en Tokio, The J. Paul Getty Museum en Los Angeles, California, y The Philadelphia Museum Of Art en Filadelfia, Pensilvania.

Referencias
Categorías: Fotografía

'Mis mejores técnicas y consejos', el nuevo libro que resume la forma de trabajar de José María Mellado

Xatakafoto - Lun, 15/01/2018 - 20:00

José María Mellado hizo el primer libro superventas de fotografía técnica digital en español. Desde entonces ha ido publicando nuevas ediciones de aquel Fotografía digital de alta calidad. Para esta temporada su editorial Anaya Photoclub ha presentado 'Fotografía de alta calidad. Mis mejores técnicas y consejos'.

Aquel libro marcó un antes y un después en la historia editorial de este país. Hasta entonces pocos autores de habla hispana conseguían publicar un libro técnico de fotografía. Muy pocas editoriales apostaban por libros originales en español. Preferían comprar los derechos de autores internacionales consagrados y traducirlos, por decirlo de una forma elegante, como si lo hiciera un programa informático sin que nadie lo controlara.

Pero apareció el libro de Mellado y todo cambió. Tanto para los lectores latinos como para las editoriales, que se empezaron a dar cuenta de que no siempre es necesario apostar por autores anglosajones. Ahora mismo todas las editoriales no solo apuestan por Scott Kelby o Martin Evening, figuras absolutamente imprescindibles, sino que están empezando a sonar nombres como Hugo Rodríguez, Manuel Santos, Gabriel Brau, Fran Nieto, Rodrigo Rivas, José Antonio Fernández... El que empezó todo fue Mellado y hay que recordarlo siempre.

Otra cosa es cómo se entendió su libro y los bandos que se formaron. A favor y en contra de forma muy radical. Parecía una lucha entre nikonistas y canonistas, melladistas y antimelladistas. El problema es que muchos se tomaron las cosas al pie de la letra. Y solo era un método personal. No obligaba a nadie a hacer esos cielos barrocos. Solo explicaba una técnica perfecta para los que veníamos del laboratorio. Y luego cada uno lo podía aplicar a su propio estilo.

Desde entonces se ha convertido en un referente. Y cada libro suyo es, para muchos, en el que hay que comprar si quieres aprender la técnica digital. Y este último no podía ser de otra manera. Es un libro de consejos, una especie de enciclopedia personal o libro de recetas que puede ser útil para muchos fotógrafos que quieren conseguir buenos resultados.

Fotografía de alta calidad. Mis mejores técnicas y consejos

No viene a sustituir ninguno de sus trabajos anteriores. A la hora de leerlo, me ha recordado mucho al esquema de mi primer libro de fotografía digital: 'Manipula tus fotografías digitales con Adobe Photoshop' de Scott Kelby y de la misma editorial. Es una serie de consejos y técnicas explicadas de forma directa y sencilla. Sin rodeos.

Me llama la atención que no hayan decidido meter 100 consejos o quedarse en 50. Han llegado hasta el inusual número de 94 consejos divididos en 7 temas distintos: Equipo, Configuración, Revelado, Tratamiento, Blanco y negro, Efectos especiales y Salida. Puede que muchas cosas les suenen a algunos lectores con experiencia, pero para los que empiezan en este mundo se puede convertir en una buena referencia. No es un libro para expertos, eso que quede claro. Si quieres aprender más, hay que acudir a su obra más importante.

El consejo número 34

Tiene afán didáctico. Es una recopilación de datos prácticos para saber solucionar problemas determinados, como Preparar una imagen para enviar al laboratorio o Crear un desenfoque múltiple de lente. A sus detractores igual les parece un mero libro de recetas. Pero el libro destila ganas de enseñar a aquellos fotógrafos que no quieren grandes complicaciones para sus trabajos.

Y como siempre hay un soporte para los lectores, donde se pueden descargar ejemplos y las acciones a las que se refiere en el libro. Como el mismo autor dice:

Está escrito y diseñado como una guía rápida en la que pongo a disposición del lector respuestas claras y concretas a las preguntas más comunes sobre la fotografía.

La opinión de Xataka Foto

'Fotografía de alta calidad. Mis mejores técnicas y consejos' es un libro que inunda las librerías. Y seguro que estas pasadas fiestas ha vendido más que ningún otro libro de técnica. Su autor se ha convertido en una referencia. No sustituye a ninguno de los libros de la serie Fotografía de alta calidad. En cierta manera es un resumen o una aproximación mucho más ligera de todo lo que podemos aprender en el libro principal.

Puede que no sea para los que ya tienen las anteriores ediciones, pero es una buena forma de adentrarse en el mundo de Mellado. Es una solución para tener en nuestra librería un buen resumen de todo lo que podemos aprender de él. Si eres nuevo en este mundo y no tienes nada de él, entonces hay que tenerlo en cuenta. Y seguro que más tarde te compras su última revisión 'Los fundamentos de la fotografía'.

Portada del libro

Hacer un libro es una de las cosas más difíciles para un fotógrafo. Hasta que sale tienes que dar muchos pasos, demasiadas decepciones para dar a luz a tu propio hijo de tinta. Me imagino que en este caso todo habrá sido igual. Siempre queremos lo mejor para él. Pero creo que en un formato más pequeño y manejable sería mucho más atractivo para sus futuros lectores.

'Fotografía de Alta Calidad. Mis mejores técnicas y consejos' José María Mellado
  • Editorial:: Anaya Photoclub
  • Precio:: 49,90 €
  • Páginas:: 312
  • Tamaño:: 19,50 x 25,50 cm
  • Encuadernación:: Rústica con solapas y tapas blandas
  • ISBN:: 978-84-415-3955-6

Escrito y diseñado como una guía rápida de fácil lectura y de consulta más que de estudio, en la que pone a disposición del lector respuestas claras y concretas a las preguntas más comunes sobre la fotografía. Desde cómo usar correctamente la cámara y el trípode hasta convertir el día en noche o conseguir el mejor retoque de piel.

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Categorías: Fotografía

Cómo utilizar correctamente el balance de blancos en fotografía

Xatakafoto - Lun, 15/01/2018 - 17:23

Reproducir de forma exacta el color en fotografía es algo bastante complejo, y si ya hablamos de escenas con fuentes de luz distinta no digamos. Eso sí, hay que tener claro que el primer paso se debe dar en la cámara, con una elección que determinará la forma en que se capte el color de la luz de la escena, y por tanto el resultado final. Por ello, vamos a dar un repaso por este importante tema para cualquier fotógrafo, especialmente para el principiante, que es el equilibrio de blancos, que es el término más adecuado para hablar de lo que habitualmente conocemos como balance de blancos.

Este es uno de esos típicos ajustes que se suelen dejar en automático, muy especialmente si disparamos en RAW, pero tal y como hemos contado en varias ocasiones el balance de blancos también influye en la exposición a pesar de disparar archivos en crudo. Por eso, aunque es cierto que normalmente no es algo que nos vaya a dar grandes problemas, hay que conocerlo para evitarlos.

Foto de chuttersnap

Primero porque hay que ser conscientes de que en determinada situaciones el balance de blancos automático puede fallar. Segundo porque dominar este ámbito es una de las muchas posibilidades creativas de la fotografía, y en concreto esto es una ventana abierta a la creatividad.

¿Qué es el equilibrio de blancos?

Seguro que ya sabes que todas las cámaras, incluso las de los móviles, tienen un ajuste para configurar el equilibrio de blancos o White Balance (de ahí lo de "balance de blancos"), que incluye una opción automática (AWB). Antes de nada, para saber más sobre el tema hay que remitirse a nuestro Curso de Fotografía, donde por supuesto hay un epígrafe completo sobre ello. Sin embargo, vamos a recordar aquí lo más importante.

El equilibrio de blancos no es otra cosa que un ajuste a través del cual le decimos a nuestra cámara cuál es la temperatura de color que predomina en la escena. La temperatura de color, como posiblemente sepáis, hace a alusión al color de la luz. Porque los diferentes tipos de luces tienen una temperatura diferente que hace que predominen unos determinados tonos sobre otros, algo que normalmente no vemos a simple vista.

Foto de Dennis Wong

Y no porque sea un fallo de nuestros ojos, sino todo lo contrario. Nuestro aparato visual es capaz de adaptarse tan rápidamente que interpreta la escena y nos hace ver lo que es blanco de color blanco, aunque esté iluminado por una luz cálida (donde predominan los tonos amarillo-anaranjados). Sin embargo, una cámara lo reflejaría tal y como es, con un tono anaranjado predominante, si no se le aplica ninguna corrección de color.

Si, por el contrario, la escena está iluminada por una luz fría (donde prevalecen los tonos azulados), nuestra cámara haría lo propio reflejando esa dominante de color, algo que nuestro ojo corrige de forma automática y casi infalible. Decimos "casi" porque, para esta interpretación, nuestro cerebro se basa en la experiencia y alguna vez puede confundirse. ¿No os ha pasado alguna vez que habéis comprado una camiseta de un color un tanto especial y, al verla fuera de la tienda (con otro tipo de luz), os parece diferente? Pues esta es una de esas situaciones en las que la vista puede confundirnos al tratarse de algo nuevo, algo que nuestro cerebro no conocía previamente.

Y es que la interpretación de nuestro sistema visual se basa en la experiencia, como decimos, así como en la interpretación de elementos neutros (blanco, negro y gris). Y así es cómo funciona también una cámara, con la salvedad de que a ésta la tenemos que decir cómo comportarse. Por eso, es importante conocer todo esto y saber la diferencia de comportamiento entre nuestra cámara y nuestros ojos.

Foto de Dustin Scarpitti La temperatura de color

Si tenéis algo de experiencia seguro que habéis oído hablar de los grados Kelvin, que es la manera en la que se mide la temperatura de color de la luz. Aunque volvemos a remitiros al curso de fotografía, os recordamos que el espectro lumínico que es visible para nuestros ojos se suele representar por un gráfico como el que tenéis abajo que cubre, aproximadamente, desde los 10.000K, que correspondería a un cielo azul muy intenso de verano (sí, la luz del sol tiene dominante azulada), hasta los 1.000K aprox que tiene la luz de una cerilla.

Entre medias están los valores más comunes, con especial atención para los 6.500K que es lo que se considera luz día y unos 3.500K que es lo que se suele denominar luz incandescente (lo que sería una bombilla de las de antes). Como ya adelantábamos antes, las luces del espectro más cercanas al primer valor (es decir, con una temperatura de color alta) son denominadas luces frías y tienen dominante azul. Por el contrario, las luces con una temperatura de color más baja son las que se denominan luces cálidas, y predominan las tonalidades anaranjadas.

Si hemos hablado de luz día y de luz incandescente es porque estos suelen ser los dos valores más habituales que utilicemos a la hora de hacer fotos, aunque también es muy común usar el ajuste para luz fluorescente (cuya dominante suele ser verdosa y tiene una temperatura aprox de 5.000K), el de día nublado (sobre 7.000K) o el de sombra (alrededor de los 8.000K). Claro que, como decíamos en principio, en una gran mayoría de situaciones dejaremos que la cámara sea quien decida este valor pero ¿y si la cámara se equivoca? ¿Y si hay fuentes de luz distintas?

Corrigiendo las dominantes

Dejando aparte lo que ya apuntábamos (que una exposición correcta también depende de que elijamos el balance de blancos correcto), si disparamos en RAW normalmente podemos utilizar el balance de blancos automático, ya que es algo que podemos corregir en el postprocesado. Pero si la escena tiene distintas fuentes de luz con temperaturas diferentes, entonces la cámara quizá no sepa a qué atenerse.

Foto de Tim Gouw

Es el caso por ejemplo de cuando disparamos desde un interior y en el cuadro aparece una ventana desde la que se ve la calle. O justo al contrario cuando retratamos una escena exterior en la que aparece una ventana a través de la cual se aprecia algo con una luz muy distinta a la del exterior. El resultado de estas tomas puede ser muy interesante (aquí entra en juego la creatividad de cada uno), pero siempre que sepamos manejar bien el color para evitar dominantes que resulten poco estéticas.

Otro caso diferente, pero bastante común, lo tenemos en determinadas situaciones en las que, a pesar de que las cámaras han avanzado mucho, seguimos viendo como se producen muchas equivocaciones. El ejemplo más claro es cuando hay poca luz y la escena está iluminada con bombillas, donde es bastante común ver cómo la cámara no es capaz de ajustarse correctamente y nos ofrece imágenes con una clara dominante anaranjada.

En todos estos casos conviene que el fotógrafo ajuste manualmente el balance de blancos para que la reproducción del color sea lo más fiel posible a la escena. Identificar la temperatura de color de las luces es algo que a un novato le puede parecer complicado, pero os aseguramos que con algo de práctica es relativamente sencillo.

En todo caso, la inmediatez que prestan las cámaras digitales es de gran ayuda en este tema, ya que es muy fácil comprobar rápidamente el resultado final para hacer los ajustes necesarios. Incluso, muchas cámaras permiten hacer correcciones con detalle antes de la toma a través de la pantalla LCD. Así, lo fundamental es que nuestras imágenes de base no tengan grandes dominantes de color, y siempre se puede dejar el ajuste al detalle para la fase posterior, ya en la pantalla del ordenador (correctamente calibrada, claro está).

Foto de The Creative Exchange

Por supuesto hay modos de realizar un ajuste de color prácticamente perfecto, principalmente utilizando una carta de color gris neutro para que la cámara pueda hacer una evaluación correta (en base al color que se usa para calibrar los sistemas tanto del balance de blancos como de la exposición). Pero esto es algo que solo necesitaremos en ocasiones muy concretas, en las que haya que reproducir colores con total exactitud. En la mayoría de ocasiones nos servirá con los consejos que os hemos expuesto para que no pongáis el “piloto automático” y os fijéis un poco más en este ajuste a la hora de hacer fotos.

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Categorías: Fotografía

Roswell Angier

Fotógrafos en la red - Lun, 15/01/2018 - 08:00

Roswell Angier es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1940, vive en Florence, Massachusetts) muy conocido por su trabajo en los clubes de striptease y burlesque de Boston de principios de los 70, incluido su aclamado libro A Kind of Life: Conversations in the Combat Zone.

© Roswell Angier

.. hay mucho que nunca revelan en el escenario, o en sus conversaciones alegres en las sombras oscuras de los clubes; cualidades de gracia, ingenio, resiliencia y soledad de corazón.

Biografía

Roswell Angier es muy conocido por su trabajo en los clubes de striptease y burlesque de Boston de principios de los 70, pasando dos años y medio (de 1973 a 1975) fotografiando la zona de combate, un nombre que los patrulleros de la costa de Washington Street le dieron a dicha zona en la década de los 50, cuando merodeaban los bares de rock y reventaban las cabezas de los marineros.

En los 70, los marineros y bares de rock-and-roll fueron reemplazados por clubes de striptease. Angier estaba interesado en la complejidad de las personas de la comunidad de "entretenimiento para adultos" y conoció a muchas de las strippers y coristas que le permitieron fotografiarlas.

De 1978 a 1982, Angier continuó su trabajo de documentación social, explorando las comunidades nativas de Nuevo México y Arizona. Después de haber conducido por el área en numerosas ocasiones, influenciado por la imagen de Robert Frank de un bar indio en la autopista 66 en Gallup, Angier comenzó a fotografiar las ciudades que rodean la reserva Navajo. Sus imágenes representan a personas que intentan perseverar en medio de una comunidad atenazada por la marginación creciente y un alcoholismo debilitante.

A lo largo de su trayectoria, ha obtenido diversos premios y becas y ha expuesto en numerosas ocasiones de forma colectiva e individual. Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas como el Museum of Fine Arts de Boston, Massachusetts, National Museum of American Art y Smithsonian Museum en Washington, D.C., entre otros.

Se dedica también a la enseñanza y ha publicado, a parte de su monografía "A Kind of Life": Conversations in the Combat Zone, numerosos libros, entre ellos el más reciente Train Your Gaze: A Practical and Theoretical Introduction to Portrait Photography, también publicado en 2008 en castellano como Saber ver. El retrato fotográfico, donde ofrece a los lectores un amplio contexto para la práctica de la fotografía de retrato. Es un texto exhaustivo que combina la teoría con la práctica y la técnica, ilustrado con numerosas fotografías realizadas por algunos de los fotógrafos y artistas más influyentes del mundo.

Referencias Libros
Categorías: Fotografía

Qué Objetivo para Retratos Elegir: Guía de Compra y Recomendados

DZoom - Lun, 15/01/2018 - 06:30

Todos tenemos un amigo o familiar que nos ha pedido alguna vez que le recomendáramos cuál es el mejor objetivo para una temática fotográfica concreta. En este caso, os hablo de objetivos ideales para retratos.

Recomendar un buen objetivo para fotografía de retrato es complicado, pues no todos los presupuestos son iguales ni todos buscamos el mismo estilo fotográfico. No obstante, en este artículo trataré de dar unas pinceladas a la materia y orientarte lo mejor posible si te estás planteando comprar un objetivo para retratos. ¿Quieres saber qué cosas deberías tener en cuenta?


¿Realmente Necesito un Objetivo para Retratos?

Si te has hecho alguna vez la pregunta, probablemente ya tienes la respuesta.

Imagino la situación. Estás profundizando en la fotografía, en algún momento te has comprado una cámara réflex, y tu cámara cuenta con un objetivo de los llamados de kit, uno de esos objetivos que vienen con la cámara.

No es que el objetivo sea malo, si sabes cómo, se le puede sacar mucho provecho. Pero independientemente de que pueda cubrir tus necesidades a nivel de distancia focal, algo que no siempre es así, no es el objetivo más rápido del universo y puede que no te permita utilizar aperturas lo suficientemente grandes como para conseguir el efecto que deseas.


¿Qué Focal es la Más Recomendable para Retratos?

¿Tienes claro lo que es la distancia focal de un objetivo? En este otro artículo te lo explicábamos todo sobre ella. Básicamente la distancia focal es la medida que nos va a indicar cuánto nos vamos a acercar con nuestro objetivo al motivo fotográfico que queremos retratar, dicho de una manera sencilla. Y la focal utilizada a la hora de hacer retratos nos va a influir de dos formas en el resultado obtenido.

Por un lado, cada focal tiene una compresión de la perspectiva diferente. En este sentido, se suele recomendar el uso de focales en el rango que va de los 50 mm hasta los 135 mm, ya que es en este rango focal en el que la compresión de la perspectiva del rostro es más adecuada.

Por otro lado, la focal utilizada va a determinar la distancia a la que nos tenemos que situar de la persona en función del tipo de plano que queramos sacar. En este sentido, la gente se muestra más tensa cuanto más cerca de ella se sitúa uno con su cámara, pese a que trabajes bien la conexión con tu modelo a lo largo de la sesión.

Fíjate en el siguiente ejemplo. En la primera toma se utilizó una focal de 14 mm. La foto está realizada desde bastante cerca, lo cual provoca que tengamos un mayor ángulo de visión y una mayor profundidad de campo, pudiendo adivinar incluso lo que hay en el fondo. En la segunda toma, se empleó una focal de 140 mm, y la toma se realizó desde bastante más lejos. Fíjate cómo se comprime la perspectiva. No apreciamos lo que hay en el fondo, ni por el reducido ángulo de visión que en este caso tiene el teleobjetivo, ni por la escasa profundidad de campo. Comprobamos que al aislar a la modelo del fondo, ésta destaca mucho más.


¿Focal Fija o Variable para Retratos?

Seguro que a más de un fotógrafo purista le has escuchado recomendar para fotografía de retrato el uso de focales fijas sin dudarlo.

Hay un hecho obvio, y es que las focales fijas suelen contar con construcciones más robustas y más simples por la ausencia de ciertos elementos mecánicos que se suelen traducir en fotografías con una calidad estupenda en lo que a parámetros técnicos se refiere. Además, la mayor simplicidad se traduce en un menor coste de fabricación y en una consecuente reducción del precio del producto.

Pese a ello, hay muy buenos objetivos de focal variable cuyos resultados poco o nada tienen que envidiar a los de focal fija a la hora de hacer retratos. Además éstas cuentan con una ventaja fundamental a la hora de trabajar, y es la posibilidad de reencuadrar nuestro retrato sin necesidad de movernos del sitio, mientras que cuando trabajamos con focales fijas nos vemos obligados a movernos para conseguir el encuadre deseado.


¿Algún Requisito de Apertura?

Si has indagado en el maravilloso (y caro) mundo de los objetivos, a estas alturas sabrás ya lo que cuesta un buen objetivo. Y el precio suele estar relacionado con la mayor apertura que alcancen. La apertura máxima de un objetivo en el retrato es fundamental por varios motivos.

Por un lado, las aperturas grandes te van a permitir aislar los detalles del fondo para poder centrarte en el rostro, que al fin y al cabo es el centro de interés de tu fotografía.

Por otro, esas aperturas llevadas al extremo te permitirían centrarte incluso en detalles concretos del rostro (como por ejemplo los ojos) según el tipo de plano que estés utilizando.

Y por último, los objetivos con grandes aperturas se comportan mejor por regla general a la hora de enfocar, lo que te permitirá trabajar con más soltura y precisión en la sesión.


¿Qué Pasa con el Bokeh?

El bokeh es un término cuyo significado es "desenfoque", y se utiliza en fotografía para referirse a la calidad de un objetivo por la estética de las zonas desenfocadas que produce en una foto. Y es que tan importante es la nitidez de las zonas enfocadas en una foto como el aspecto que presentan las zonas desenfocadas de la misma foto.

En retratos en exteriores o cualquier situación en la que el fondo de la fotografía no esté perfectamente controlado, juega un papel muy importante, por lo que debería ser un elemento adicional a tener en cuenta a la hora de elegir.


Entonces, ¿Qué Objetivo para Retratos Me Compro?

Como te decía, se trata de una decisión muy personal en la que influyen diferentes factores, y entre ellos, el precio. A continuación vamos a repasar los objetivos para retratos más extendidos entre la comunidad fotográfica para las diferentes monturas de cámaras réflex.

Canon

Nikon

Pentax

Otras Marcas

Y como las cámaras evil o sin espejo cada vez son más utilizadas, te dejaos también algunas recomendaciones para las principales marcas.

Sony

Panasonic

Olympus

Fujifilm


Y a Tí, ¿Se te Ocurre Algo Más a Tener en Cuenta?

Ya has comprobado que el rango de focales cubierto, la apertura máxima y el bokeh son tres elementos clave a la hora de elegir un objetivo para retratos. Pero sin duda es posible que se te ocurran más elementos que no hayamos valorado a la hora de escribir el artículo. Si es así, nos vendrá muy bien a todos que nos cuentes que más tendrías en cuenta a la hora de elegir un objetivo para retratos.

Categorías: Fotografía

Revistas rusas de fotografía, el cumpleaños de Koudelka y mucho más: Galaxia Xataka Foto

Xatakafoto - Dom, 14/01/2018 - 10:02

Estamos en invierno. Hace frío para salir de casa. Incluso nieva en algunos sitios. Que mejor que quedarse en casa con la familia o los amigos y en un momento sentarnos frente al ordenador o quedarnos tumbados con el móvil para encontrar noticias interesantes de fotografía que nos acompañan este domingo desde Galaxia Xataka Foto.

  • La fotografía de la Unión Soviética es una de las grandes desconocidas para el gran público, pero es una de las más influyentes del siglo XX. Aunque lleva tiempo en las redes, desde Facebook nos han recordado que podemos consultar una de las revistas más míticas de los tiempos pasados, Soviet Photo magazine
  • De nuevo otra lista sobre las películas con mejor fotografía. Esta vez es una lista realizada con los fotos de los lectores y críticos de Filmaffinity. Como todas las listas es bastante cuestionable, pero merecen estar todas las que están. Pero faltan tantos clásicos... ¿ya no se ve cine en blanco y negro?
  • Uno de los fotógrafos más importantes de la historia ha cumplido años esta misma semana. Josef Koudelka celebró su cumpleaños el 10 de enero. Tiene ya 80 años. Y su figura cada vez es más grande e imprescindible como nos recuerdan en la agencia Magnum. Muchas felicidades, caballero fotógrafo.
  • En Solo fotografía nos recuerdan cómo solucionar la trepidación con una muy buena introducción para distinguir este problema del desenfoque. Lo mejor siempre será evitar el problema en el disparo pero hay veces que es imposible.
  • Un interesante análisis sobre las posibilidades que nos da el nuevo revelado automático de Adobe Lightroom y Adobe Camera RAW. Ya lo vimos aquí pero siempre es bueno conocer otros puntos de vista.
  • Y para terminar es bueno descubrir que el próximo 23 de febrero inauguran una exposición de Agustí Centelles, uno de los mejores fotógrafos de guerra que fue capaz de hacer sentir como nadie el horror de la guerra civil española. La cita es en Museu de l'Empordà, Figueres

Y con esta exposición terminamos el repaso de esta semana. Seguro que la que viene aparecerá esa luz que llevamos tiempo sin ver y que nos hará sacar la cámara una y otra vez.

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La noticia Revistas rusas de fotografía, el cumpleaños de Koudelka y mucho más: Galaxia Xataka Foto fue publicada originalmente en Xataka Foto por Fernando Sánchez .

Categorías: Fotografía

Luís Godinho

Fotógrafos en la red - Dom, 14/01/2018 - 08:00
Luís Godinho es un fotógrafo portugués (nacido en Angra do Heroísmo, Azores) con especial enfoque en fotografía de naturaleza, de paisaje y de calle.

© Luís GodinhoBiografíaLuís Godinho nació en una familia humilde, consiguiendo su primera cámara a través de un concurso hecho por una tienda de fotografía, para lo que se tuvo que levantar a las cinco de la mañana pues tenía que ser uno los primeros en revelar un rollo. Posteriormente se formó en Ingeniería y Gestión del Ambiente por la Universidad de las Azores y tiene ya un vasto currículum como fotógrafo, siendo su trabajo internacionalmente reconocido por editores de los principales sitios y revistas de fotografía, como National Geographic, Leica Fotografie International, Lens Culture, 500px y 1x.com, teniendo aún fotos publicadas en la prensa nacional e internacional, como O Mundo da Fotografia, Visão y Vander Love Magazine.Los paisajes de su tierra, las Azores, los rostros y los diarios de oriente y de otros lugares, son sus principales fotos que realiza con una gran implicación emocional con las personas, culturas, ambientes, y así le es más fácil contar la historia.
Siempre que se desplaza a un país diferente intenta vivir como tal, experimentas la comida, conversar con los lugareños, sentir los olores y mirar alrededor con los ojos abiertos.Ha obtenido diversos premios, como Sony Photography Awards de Portugal en 2017, Paisagens de Portugal de la revista O Mundo da Fotografia, en la categoría Gatos del concurso de Leica,finalista en Portraits de Lens Culture en 2015. Una de sus fotografías fue elegida para el Top Excelence de 2016 por Leica, otra fue la portada del libro Visions de 1x.com en 2016. ReferenciasLibros
Categorías: Fotografía

‘Breathe’, un espectacular vídeo timelapse en resolución 8K que muestra la incomparable belleza salvaje de las tormentas

Xatakafoto - Sáb, 13/01/2018 - 11:02

Hace un año que os ensenábamos cómo las tormentas pueden ser igual (o más) de impresionantes utilizando el blanco y negro en vez del color. Pues bien, Mike Olbinski, creador de aquel magnífico corto, vuelve a la carga con ‘Breathe’, un nuevo vídeo esta vez con definición 8K en el que, gracias al timelapse e hyperlapse, juega con el tiempo para mostrarnos la fuerza desatada de la naturaleza como sólo podemos verlo de esta manera.

Como en aquella ocasión la música juega un papel fundamental, aunque el estilo haya cambiado bastante, de un tema muy clásico y con tintes épicos a algo mucho más electrónico. De hecho, el vídeo se llama igual que la canción, obra de Ex Makina, porque Mike confiesa que desde que la escuchó por vez primera se enamoró del tema y supo que iba a formar parte de su próxima película.

Tanto fue así que dejó apartada la continuación de este otro vídeo que estaba haciendo para crear el nuevo, inspirado por la música que, según Mike, “es como si estuviera hecha para una película de tormentas en blanco y negro”.

A mitad de la edición ―continúa―, sabía que el título de la canción también sería el de la película. Era tan perfecto que no podía creerlo. A veces, cuando persigo o veo una tormenta increible me doy cuenta de que no he respirado un tiempo... Pero nunca había pensado en eso hasta que escuché esta canción”. Ciertamente la elección del nombre nos parece acertada, porque como habéis podido ver este vídeo que mezcla timelapse con algunos toques de hyperlapse es de los que te dejan anondado durante el visionado y te cortan la respiración.

Un gran trabajo que, para los más apasionados de los detalles técnicos, fue su primera película grabada en resolución completa 8K, con dos cámaras Canon EOS 5DSR con objetivos Canon 11-24, 35, 50 mm y 135 mm y un Sigma Art 50 mm, y postproducido con Lightroom, LR Timelapse, After Effects y Premiere Pro.

Mike Olbinski | Página web | Vimeo

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Categorías: Fotografía

Miguel Calderón

Fotógrafos en la red - Sáb, 13/01/2018 - 08:00

Miguel Calderón es un artista y escritor mexicano (nacido el 1 de junio de 1971 en Ciudad de México, donde vive y trabaja) cuya obra abarca diversos soportes y ha colaborado en distintos espacios en países como México, Estados Unidos, Polonia, entre otros, y ha sido reconocido con diversos premios nacionales e internacionales. Fue fundador de la galería La Panadería junto con otros artistas.

The beast must die (bestseller), 2008 © Miguel Calderón

Biografía

Miguel Calderón, originario de la Ciudad de México, se trasladó en 1994 a los Estados Unidos para realizar sus estudios de Licenciatura en Artes visuales en el San Francisco Art Institute en California. En su obra explora temas que van desde la cetrería hasta la violencia y corrupción en México, así como las dinámicas familiares y lo sobrenatural. Su trabajo utiliza referencias de la cultura popular y se encuentra unificado por una teatralidad latente, mezclada con un toque macabro y fantástico. Principalmente hace referencias en sus obras a elementos de la cultura popular como videos musicales del momento, partidos de fútbol, telenovelas, entre otras, buscando un punto de vista distinto de lo usual.

Para algunos críticos y artistas de la escena, Calderón es el rebelde de la escena mexicana. Su obra se caracteriza por una estética low-fi que combina la comicidad y el humor negro. Para lograr su obra de ha valido de diversos soportes resultado de la experimentación en diversos espacios. Entre estos soportes se pueden encontrar audiovisuales como el video y la fotografía, y plásticos como la escultura y pintura. Utiliza los recursos disponibles para crear instalaciones de video de bajo presupuesto.

Fue cofundador de La Panadería, un espacio sin fines de lucro que fomentó nuevas tendencias en el arte latinoamericano desde 1994. Obtuvo gran popularidad al aparecer sus pinturas Aggressively Mediocre/Mentally Challenged/Fantasy Island (circle one) en la película The Royal Tenenbaums. Calderón también ha trabajado en colaboración con el artista inglés Nick Waplington produciendo la serie de fotografías Sherwin Williams / The garden of Suburban delights y la novela gráfica Terry Painter, que se exhibió en Nueva York y Londres.

Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo Tamayo en Ciudad de México, la Galería Andrea Rosen en Nueva York, el Museo de Historia Natural en la Ciudad de México, la Galería Diego Rivera del Instituto de Arte de San Francisco, Centro de Arte de Rochester, la Bienal de Sao Paulo, la Trienal de Yokohama, el Centro de Arte Reina Sofía en Madrid y la Colección Fundación Jumex.

Ha obtenido diversos galardones como las becas Bancomer/Rockefeller Fellowship en el año de 1995 por Ensayo sobre contaminación cultural: La Panadería y The MacArthur Fellowship for Film and New Media en 2000. También formó parte del programa Cisneros Fontanals Art Foundation Grant & Commissions en 2013. Consiguió la Beca de Jóvenes Creadores. FONCA Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México, una mención honorífica en la Séptima Bienal de Fotografía de México, y en 1994 el premio Best Film en el San Francisco Art Institute de Estados Unidos.

Referencias Libros

Su obra ha aparecido en:

  • Mexico: expected/unexpected, 2009.
  • Las implicaciones de la imagen, 2008.
  • La era de la discrepancia, 2007.
  • Yokohama 2005 International Triennale of Contemporary Art., 2005.
  • La Colección Gelman: Selecciones. La colección de arte mexicano moderno y contemporáneo de Jacques y Natasha Gelman, 2004.
  • Coartadas/Alibis, 2001.
Categorías: Fotografía

¿Eres mejor fotógrafo cuando trabajas con proyectos?

Xatakafoto - Vie, 12/01/2018 - 20:40

En mis clases lo digo siempre. Todos nos hacemos fotógrafos cuando trabajamos con proyectos, cuando nos olvidamos de hacer fotos bonitas y podemos contar historias con un conjunto de imágenes relacionadas entre sí. Todos, con un poco de esfuerzo podemos lograr una buena fotografía, pero lo difícil es saber editar nuestros disparos para contar a los demás una buena historia.

La mayor ilusión de los fotógrafos, cuando comenzamos a disparar, es conseguir una fotografía bonita. Es nuestro objetivo principal. Conseguir una imagen que levante admiraciones allí donde sea observada. Además los tiempos que corren son muy propicios para esta forma de trabajar. Colgamos una fotografía y conseguimos cientos de likes. Da igual que la anterior o la siguiente no tengan nada que ver. Muchas veces la única relación es que están hechas por nosotros.

Además se premia la inmediatez. Algunas personas valoran más esa primera impresión que publicamos que una imagen que lleve tiempo reposando, como el buen vino, un tiempo en la sombra y tranquilidad de un disco duro. Y sinceramente creo que esta forma de trabajar poco tiene que ver con lo que hemos entendido hasta ahora por la buena fotografía. Es válida, por supuesto, pero tiene el peligro de caer en la incertidumbre de la inmediatez.

¿Cuándo un fotógrafo se hace profesional?

No me vale la respuesta fácil y evidente. Cuando cobras tu primer sueldo por una fotografía. Hoy en día podemos encontrar miles de fotógrafos ante los que no nos queda más remedio que quitarnos el sombrero. Y lo hacen todo por afición, una de las sensaciones más placenteras a la hora de fotografiar y que muchos profesionales deberían copiar.

El paso de amateur o aficionado a profesional se da cuando el autor toma conciencia de sí mismo. Cuando se da cuenta de que no todos los disparos valen ni todas las luces expresan lo que siente. Ese momento es único. El fotógrafo abre el obturador en el instante que decide robar al tiempo. Ni antes ni después. El preciso momento por el que ha estado esperando toda su vida.

La lluvia I

Y explota definitivamente cuando se da cuenta de que ese instante solo puedo ir acompañado de otro. Y que esos dos pierden el sentido si no forman parte de una historia que solo ronda por su cabeza. Cuando entiende que la fotografía es una suma de momentos que él y solo él ha decidido fijar. La fotografía no es más que contar historias con imágenes. De la misma forma que hace un escritor, un cuentista más bien. Un cuento es la forma de expresión más cercana a la fotografía.

El estilo

Porque de lo que estoy hablando no es otra cosa que el estilo. Esa forma de expresarse que permite reconocer el trabajo de uno o de otro. Cuando vemos una composición perfecta reconocemos a Cartier Bresson. Si alguien nos mira y nos traspasa con la mirada estamos ante el trabajo de Avedon. Si es un trabajo en color donde nada parece tener sentido es que estamos viendo a Cristóbal Hara. Si nos traspasa quizás sea Robert Frank...

La lluvia III

Lo más complicado en el mundo de la fotografía es tener un estilo reconocible, una forma única de ver la luz. Incluso puede servir una técnica que dominemos como nadie, pero que comunique, faltaría más. Hoy estamos acostumbrados a ver fotografías increíbles que no dicen nada. Imágenes donde el proceso digital es lo único importante. O peor aún.

Me refiero a esa invasión maldita en la que lo único importante es el concepto, la idea. Y para representarla se olvida el sentimiento puro que debe reflejar la fotografía. Y como carece de él, se esconde detrás de palabras vacías de críticos y curadores. Si la fotografía necesita palabras, mal camino llevamos. Debe tener entidad propia y su único apoyo serán otras fotografías.

El destino ideal de las fotografías

Algunos piensan que es una exposición, otros que una pantalla llena de corazones y likes. Pero el destino perfecto para la fotografía es el libro. Un conjunto de fotografías en unas cuántas páginas. Y tienen que darse sentido entre sí. Deben cumplir una gramática visual que pocos dominan.

La lluvia II

Si trabajamos solo buscando la foto espectacular del fin de semana, de la escapadita rural, será difícil mejorar como fotógrafos. Será un buen trabajo pero vacío de contenido. Es la mejor forma de conseguir postales que bien podrían adornar las tiendas de los turistas. No es mal destino para nuestra forma de ver las cosas. Pero si somos capaces de pensar de otra forma, de entender las relaciones que se pueden establecer entre ellas, lograremos avanzar y mejorar nuestro trabajo.

Y nunca es tarde para hacerlo. Incluso podemos empezar este mismo fin de semana. Solo hay que mirar nuestras fotografías y buscar conexiones entre ellas. Líneas que confluyan, mensajes en las que coincidan... Solo hay que buscar un relato. Ya nos contaréis. Seguro que será lo más difícil a lo que os vais a enfrentar como fotógrafos.

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Categorías: Fotografía

‘Roadside lights’, la curiosa relación de Eiji Ohashi con las ‘jidohanbaiki’ (máquinas expendedoras) de Japón

Xatakafoto - Vie, 12/01/2018 - 13:01

No hace falta haber estado allí (algunos no tenemos esa suerte) para saber que el país del Sol naciente es muy diferente a lo que conocemos en (lo que se suele denominar) Occidente. Y aunque máquinas expendedoras de autoventa hay por todo el mundo, en ningún sitio como Japón se han convertido en una parte más de su “paisaje”, tanto en el entorno urbano como en el lugar más solitario e inhóspito. Justo lo que nos muestra esta serie de fotografías llamadas ‘Roadside lights’ (cuya tradución sería algo así como “Luces en el camino”) de Eiji Ohashi.

Lugares aparentemente abandonados, zonas rurales, cimas de montañas, ciudades fantasmas, carreteras solitarias… En cualquier lugar es posible encontrar una “jidohanbaiki”, término japonés referido a las máquinas expendedoras, aparatos que cumplen un papel curioso dentro de la sociedad japonesa y se han convertido en un símbolo, algo así como una metáfora de su constante búsqueda de comodidad.

El fotógrafo Eiji Ohashi vive al norte de Japón, en Hokaido, la misma prefectura que estas otras fotos invernales que os enseñamos hace poco y que sufre de unos inviernos muy crudos. Por eso, las máquinas de autoventa son una ayuda útil para no tener que desplazarse mucho a la hora de buscar algo de comida o bebida caliente cuando, por ejemplo, hay una tormenta de nieve.

Como una especialmente intensa en la que Eiji se perdió volviendo a casa, y solo pudo encontrar el camino gracias al brillo de las máquinas expendedoras que le marcaron el camino a seguir, con las calles cubiertas de nieve y la fuerte ventisca apenas dejándole ver. Por eso no es de extrañar el cariño que el fotógrafo tiene a las jidohanbaiki, a las que considera casi humanas y a las que ha dedicado mucho tiempo y esfuerzo desde entonces.

Más de nueve años fotografiando todas las que encuentra en cualquier lugar de Japón, por inhóspito que sea, con especial hincapié en las solitarias máquinas que dan luz en medio de una noche nevada. Por cierto que ‘Roadside lights’ se ha publicado en varios libros, el último llamado ‘Being There’, y ha sido expuesto en varias ocasiones. Actualmente se puede disfrutar, hasta febrero, en la Galerie & co119 de París, la que supone su primera exposición individual en Europa.

Eiji Ohashi | Página web

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Fotografías de Eiji Ohashi reproducidas con permiso del autor para este artículo

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Categorías: Fotografía

El mundo de la fotografía HDR: ¿Cómo, cuándo y por qué?

Xatakafoto - Vie, 12/01/2018 - 10:01

Ya hemos hablado en otras ocasiones del mundo HDR. Hoy vamos a explicar los pasos que hay que dar para conseguir los archivos que nos darán una imagen de alto rango dinámico; cuándo hay que hacerlo realmente y sobre todo por qué es necesario en algunas situaciones.

Ahora vuelve a estar de moda el HDR. Es una de las técnicas favoritas del llamado fine art de la fotografía. Exige tiempo y dedicación, siempre queda bien decir que lo hacemos en charlas fotográficas. Más que nada para dar la sensación de que eres un poco de la vieja escuela de revelado químico británica, donde lo más complicado es siempre lo mejor.

Hoy en día, con muchas de las cámaras modernas es innecesario llevar a la práctica esta técnica, gracias a su capacidad de registrar sombras y luces, pero siempre podemos encontrar escenas que lo necesiten. O a lo mejor tenemos tiempo para hacerlo y queremos conseguir ese reconocimiento público. O simplemente tenemos una cámara antigua. Porque, de verdad, no siempre es necesario hacer una fotografía HDR.

¿Por qué hay que hacer una fotografía HDR?

La explicación es muy sencilla. La técnica HDR es necesaria para conseguir una buena representación de las luces y las sombras en situaciones de alto contraste. Nuestras cámaras solo son capaces de registrar con detalle las luces o las sombras. Si aumenta la diferencia de luminosidad entre ambos extremos tendremos que elegir qué es lo que queremos sacar.

En muchos casos (cada vez menos gracias al avance de la tecnología) no queremos elegir. Por ejemplo cuando fotografiamos el interior de una vivienda y sus vistas desde las ventanas. O si disparamos a un monumento a contraluz. O una calle sevillana a las doce del mediodía en el mes más caluroso del verano. Buscamos detalle en ambas zonas. Y salvo que disparemos un flash o tengamos una cámara con un sensor excelente será imposible.

La única solución efectiva es la técnica del alto rango dinámico. El problema es que muchas veces se hace con procedimientos o programas un poco dudosos que devuelven resultados desastrosos. Al final saldrá algo parecido a una pintura o adefesio con los colores hipersaturados. Si queremos lograr un buen resultado, la imagen debe resultar natural. La clave es darse cuenta de que es imposible que todo tenga la misma iluminación.

¿Cuándo hacer una fotografía HDR?

Antes lo he dejado señalado. Tenemos que hacer un HDR cuando la diferencia de luminosidad entre las luces y las sombras sea más alta que el rango dinámico de nuestra cámara. ¿Y cómo lo sabemos si no hemos hecho las pruebas pertinentes a nuestra máquina de fotos? Existe una forma muy sencilla que se ha convertido en mi guía. Es mejor que dejarlo a nuestra intuición (algo que funcionará cuando tengamos experiencia).

Este histograma nos está diciendo algo

La clave está en observar el histograma. Da igual cómo expongamos. Podemos ir libres o ser fieles seguidores de exponer a la derecha. Solo tenemos que saber leer la información que tenemos en nuestras pantallas en el momento después del disparo.

Si expones para las sombras te quedas sin las luces

Cuando expongamos y veamos que las sombras están representadas demasiado a la izquierda, incluso suban de forma alarmante en el nivel 0, será la señal que estamos buscando para plantearse la necesidad de hacer varios disparos con distintas exposiciones. Si la información está repartida a lo ancho de los niveles será totalmente innecesario gastar el tiempo y el obturador en disparos inútiles. Será mejor que busquemos encuadres más atractivos en vez de repetir.

¿Cómo hacer una fotografía HDR?

Llevo bastante tiempo practicando la fotografía HDR. La mayoría de las veces por encargos y últimamente por afición. El motivo ha sido que he encontrado un programa que consigue exactamente lo que quiero. Y no es otro que Adobe Photoshop y la herramienta de Combinar para HDR que podemos encontrar en Adobe Camera RAW (exacta por cierto a la que podemos encontrar en Adobe Lightroom).

Si expones para las luces te quedas sin las sombras.

Pero para conseguir buenos resultados tenemos que darle al programa los mejores archivos posibles. Por este motivo voy a enumerar en una lista cómo tenemos que configurar la cámara y hacer los disparos para tener éxito en nuestro propósito:

  1. Disparar en formato RAW para conseguir la mayor calidad posible.
  2. Montar la cámara en trípode para lograr el mejor solapamiento posible entre las fotografías que formen parte del HDR final.
  3. Enfocar según la hiperfocal o cerrar el diafragma para lograr la profundidad de campo que estamos buscando. Una vez logrado el enfoque correcto pasar el objetivo a manual. No debemos cambiarlo durante todo el proceso.
  4. Hay dos formas de calcular la exposición. La primera es exponer a la derecha, ver que es correcto después de consultar el histograma y realizar tres disparos (más en innecesario en la mayoría de los casos). Si que podemos variar los pasos entre un disparo y otro, pero con un paso de diferencia entre ellos es más que suficiente. Por ejemplo, si la exposición correcta es 1/125 f8, pasaremos la cámara a modo Manual y haremos una fotografía a 1/60 f8 y otra a 1/30 f8 para asegurarnos una correcta información en las sombras.
  5. Otra forma es confiar en el bracketing u horquillado de nuestra cámara. En muchos modelos es un botón BKT y en otros tendremos que meternos dentro de los temidos menús. Exponemos como estamos acostumbrados y configuramos la cámara para decirle cuántos disparos queremos hacer y con cuántos pasos de diferencia. Una vez programada, hacemos el disparo y nuestra máquina hará los tres modificando única y exclusivamente el tiempo de obturación.

En un próximo artículo explicaré el proceso completo para conseguir un HDR realista con la única ayuda de Adobe Camera RAW y las máscaras de luminosidad en Adobe Photoshop.

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Categorías: Fotografía

Ian Hughes

Fotógrafos en la red - Vie, 12/01/2018 - 08:00

Ian Hughes es un fotógrafo inglés (nacido en Neston, Wirral, vive en Brighton, East Sussex) que realiza fotografía de calle clásica, huyendo de las yuxtaposiciones, y fotografía urbana nocturna en locaciones alrededor de campos de futbol.

© Ian Hughes

Biografía

Ian Hughes estudió fotografía en Art College, una universidad cerca de Liverpool a fines de la década de los 80 y tuvo la suerte de ser instruido por el gran fotógrafo callejero Tom Wood, que le inspiró un amor de por vida a la fotografía callejera, y le animaba a salir del cuarto oscuro a fotografiar las calles. Una vez le llevó con él a fotografiar extraños en los autobuses alrededor de Liverpool.

Pasó 8 años como fotógrafo de cruceros principalmente en la zona de Miami. Allí solo usaban películas en color, eso sí, ilimitadas y gratuitas, Konica 100 cargada a granel, y realizaban su propio procesamiento de color, así que en su trabajo personal también trabajaba en color también, a pesar de su formación en el laboratorio y de los trabajos en ByN de los fotógrafos que lo inspiraban hasta entonces. Pero es que Miami, era mucho más brillante y colorida que el noroeste de Inglaterra donde había vivido hasta entonces.

En sus trabajo en los cruceros, estaban visitando los mismos puertos en el Caribe, trabajando largas horas 7 días a la semana, pero en los pocos tiempos libres se iba directo a tierra a hacer fotos, explorando las callejuelas para ver cómo vivía la gente. Sus lugares favoritos para la fotografía callejera fueron Coney Island en Nueva York (personajes geniales en todas partes en un balneario descuidado y atmosférico), San Juan en Puerto Rico (maravillosa luz de la tarde en colores vivos, edificios y buen ron) y el caos de Nápoles, Bombay y Estambul. También viajó por las dos Américas en autobús y tren entre crucero y crucero.

La fotografía de calle le permite satisfacer su curiosidad. Es bastante tímido, así que se siente incómodo al hacer retratos, aunque muy pocos retratos captan su atención de todos modos. Le hubiera encantado poder ganarse la vida como fotógrafo de deportes, pero pasó demasiados años en el mar. Le gusta el hecho de que la fotografía de calle es algo que puede hacer sin tener que planificar nada. Puede hacerla en su hora del almuerzo. Un mal día en su trabajo (casi todos) puede convertirse en un buen día si encuentra una buena imagen de camino a casa.

Hoy en día su fotografía es mayormente nocturna porque su trabajo de día le deja pocas horas para la fotografía de calle. Hace poco terminó un proyecto de 10 años fotografiando alrededores de campos de fútbol iluminados en la noche en los alrededores del condado de Sussex, en la costa sur de Inglaterra. Esas imágenes le ayudaron a ser seleccionado como uno de los 50 talentos emergentes de 2015 de Lens Culture.

Referencias Libros
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