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Del selfie a la contratación de un fotógrafo profesional, así son nuestros recuerdos

Xatakafoto - Lun, 31/08/2015 - 19:16

Ahora que ya el verano va llegando a su fin, es hora de hacer balance. Como curiosa (por no decir cotilla) observadora de las acciones del ser humano, hay un detalle que siempre ha llamado mi atención, y es ese comportamiento que tenemos cuando queremos retratarnos en un lugar objeto de numerosas miradas durante nuestros periplos vacacionales.

La manera de comportarnos ante la toma de dichas fotografías ha ido cambiando con el paso de los años. Me vienen a la memoria esas fotografías de nuestros abuelos situados detrás de una especie de decorado durante las fiestas del pueblo, método para conservar nuestros recuerdos que no ha cambiado con el paso de los años, si visitamos el Parque de Atracciones en la actualidad, aún el fotógrafo nos está esperando a la entrada para realizar esa imagen con nuestros familiares y amigos.

Nuestros recuerdos fotografiados por un profesional Fotografía antigua con decorado del Tibidabo

Si atendemos a esos dos ejemplos, los cuales se pueden completar con todas aquellas agencias que realizan fotografías a grupos en lugares tan exóticos como Tierra Santa o sin ir más lejos Roma hace unos cuantos años, estamos ante un tipo de fotografía pensada para el recuerdo de varias personas, que en muchos casos, se ven obligadas a comprar dicha fotografía por eso de no quedarse sin ese momento con todos sus compañeros de viaje.

Hace un par de días leí la noticia, que después comentó nuestro compañero Daniel en Xataka Foto, sobre algunas empresas que están ofreciendo realizar reportajes a aquellas personas que lo deseen durante sus vacaciones. Ésto sería un paso más al cada vez más implantado fotorreportaje social donde el fotógrafo pasa un día con una familia, algo que en gran medida surgió por esos reportajes en exteriores de prebodas y postbodas unidos a los posteriores new born o fotografías con las mascotas.

(c) Dani Vázquez

Bien, con esta nueva forma de conservar nuestros recuerdos, dejaríamos atrás esos carretes cuyos negativos en ocasiones salían velados, o nuestras cabezas aparecían cortadas (ejem, me suena a contemporáneo), o las fotografías torcidas sin estar haciendo aposta esos planos holandeses que tanto nos gustan.

¿Será este método algo que se implante como moda desterrando así al actual selfie con palo? Por el momento no parece factible, aunque daría de comer a muchos fotógrafos en paro. Primero porque parece que está destinado a personas con cierto nivel adquisitivo y segundo porque al palito aún le queda mucha vida.

Nuestros recuerdos tomados por nosotros mismos

Si hablamos del selfie o autorretrato, vemos que es una práctica que viene unida a la fotografía desde el principio. En un artículo ya pudimos comprobar cómo muchos fotógrafos de la historia tienen sus propias versiones. Y es que, como en la pintura, el hecho de retratarse a uno mismo va implícito en nuestro carácter de "artistas".

(c) Afrén Sánchez

Efectivamente en el común de los mortales, esa práctica del autorretrato no es que la tuviesen muy presente. Si buceamos por nuestras antiguas fotografías o las de nuestros padres, era prácticamente nula. Ha tenido que llegar la tecnología móvil y un hecho puntual para que el gesto actual del autorretrato nos haya cambiado el paisaje cuando miramos un monumento en nuestros viajes.

La filosofía antes del selfie era la de tomar fotografías de esos monumentos o si acaso aparecer junto a ellos porque le pedíamos a una persona que nos tomase una foto. Hay un gesto que se ha repetido en varias ocasiones desde que nos hacemos autorretratos con el móvil, me pasó en Sevilla el viernes pasado. Una mujer llegó ante la puerta de la catedral, cogió su móvil, lo alzó y se hizo un selfie con la escultura de su entrada. Lo mismo que el año anterior vi cuando otra señora se acercó a la Puerta del Paraíso del Baptisterio de Florencia.

(c) Amut 79 Selfie con Gioconda, ¡A dónde hemos llegado!

Recuerdo la primera vez que pisé París hace casi una década, estaba tranquilamente paseando alrededor de la Pirámide del Louvre cuando empecé a ser muy solicitada para tomar fotografías a los turistas. Hace tiempo que no visito aquella ciudad, pero seguramente hoy aquella escena sea totalmente distinta.

Como también lo es en lugares tan fotografiados como la Fontana de Trevi en Roma. Recuerdo también hace varios años cómo algunos inmigrantes venían a ofrecerse con una cámara Polaroid para tomar retratos a las parejas. El año pasado todo aquello había cambiado, ya no se ofrecían para hacer fotografías sino que directamente se habían metido en el negocio de vender palos de selfie.

En resumen

La tecnología y algunos hechos puntuales como aquel selfie en la ceremonia de los Oscars, han hecho que en muy pocos años, prácticamente dos, la manera de guardar nuestros recuerdos haya cambiado de forma asombrosa. Incluso esos decorados de los que hablaba al principio, ahora se han convertido en displays publicitarios donde dejamos ver nuestro rostro para tras la fotografía inmediatamente subirla a las redes sociales.

Todo es más ágil, todo va más rápido, la contemplación de un monumento ha quedado relegada a unos pocos segundos cuando Facebook nos recuerda que estábamos haciendo hace un año. En esa imagen aparece nuestro careto sonriendo ficticiamente para la foto. Ya poco nos importa su belleza sino que el mundo sepa que hemos estado junto a la Estatua de la Libertad. Libertad que perdimos cuando el palo llegó a nuestras manos como esposa que viaja atada a nuestra muñeca. Libertad que no sabemos si lograremos recuperar, porque no soy adivina, no sé que vendrá después de todo ésto, aunque espero que no sea un futuro escrito con drones.

Foto de portada JMG de nuestro grupo de Flickr

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Categorías: Fotografía

¿Cómo le explicarías a un astronauta cómo hacer fotografías? Hasselblad lo hizo con este manual

Xatakafoto - Lun, 31/08/2015 - 16:01

Hasselblad siempre ha tenido un pedacito de su nombre a la NASA, cuando hicieron historia durante las primeras misiones espaciales. Si el otro día hablábamos sobre un nuevo banco de imágenes de la famosa agencia espacial, hoy hablamos de las cámaras que las hicieron posible y del manual que Hasselblad entregó a los astronautas para formarlos en la técnica fotográfica en tan sólo 35 páginas.

La primera imagen de la curvatura de la Tierra

Fue allá en 1962 cuando Walter Schirra compró una Hasselblad 500C junto a un objetivo Planar 80mm ƒ/2.8, el estándar de la época y subastada hace un año aproximadamente. El vendendedor probablemente se la vendería a Schirra sin saber que ese equipo haría historia poco después cuando durante el Proyecto Mercury Schirra tomaría la primera imagen de la curvatura de la Tierra.

Fotografía del archivo de la NASA. Hasselblad empleada durante la misión Apolo XI

Esta Hasselblad fue el único objeto en la misión que no fue diseñado exclusivamente para ir al espacio; la única modificación que se le hizo a la cámara fue incluir unas cuerdas para evitar que la cámara flotase en el espacio sin control.

A la vuelta a la tierra, la NASA pudo observar cómo con un poco de control sobre la técnica y un cohete podían conseguirse imágenes que han marcado un antes y un después en la historia de la humanidad. A raíz de esto, Hasselblad y la NASA se aliaron como compañeros, redactando este preciso manual que la compañía suiza redactó a todos los primeros astronautas que llegasen a ver la curvatura de la Tierra para conseguir unas imágenes espectaculares.

Entre los consejos y técnicas que encontramos en el pequeño folleto de 35 hojas encontramos datos técnicos sobre medición de luz, además de encuadre o la mejor iluminación para una fotografía. Tras una profusa explicación de la profundidad de campo e hiperfocal, una curiosidad es que en el apartado 'Sugerencias de enfoque', la tercera reza: "No intente enfocar las fotografías a la Tierra, simplemente enfoque al infinito".

Extracto del manual: uso de los objetivos en una cámara Hasselblad Extracto del manual: Cómo la apertura afecta a la profundidad de campo

El resultado de esta formación podemos palparlo en la misión del Apolo XI, donde el equipo escogido sería la Hasselblad 500 EL/Mjunto a un Zeiss Biogon 60mm ƒ/5.6, la única cámara que ha tocado la Luna.

El folleto completo podéis encontrarlo en el archivo del Gobierno de los Estados Unidos.

Fuente | DIY Photography

En Hasselblad.com | La historia de Hasselblad en el espacio (en inglés)

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Categorías: Fotografía

10 Consejos Para Iniciarte en la Fotografía Urbana

DZoom - Lun, 31/08/2015 - 09:27

Con la aparición de cámaras fotográficas cada vez más económicas y portables, la mejora en la calidad de las cámaras que incorporan los omnipresentes móviles y, en definitiva, la democratización que ha experimentado en estos primeros años de siglo XXI la fotografía (todo el mundo tiene una cámara), hay un género que, sin duda, ha vivido un crecimiento espectacular: la fotografía urbana.

¿Cómo?, ¿que no sabes lo que es? No te preocupes. En este artículo te describimos en qué consiste esta disciplina y te ofrecemos algunos consejos y pautas para que puedas empezar a disfrutarla y dominarla. ¿Estás listo?

¿Qué Es La Fotografía Urbana?

La fotografía urbana se trata de un tipo de fotografía que tiene lugar en la urbe (ciudad), como su propio nombre indica, pero que no se centra en la ciudad, sino en los habitantes de la ciudad y la forma en la que éstos viven, se desenvuelven, interactúan y disfrutan en la ciudad.

Se trata de una fotografía que se desarrolla en lugares públicos, que cuenta con una importante dosis de espontaneidad por parte de los protagonistas y de instinto por parte del fotógrafo y que requiere de un equipo mínimo para que la fotografía resulte lo más natural posible y el fotógrafo pueda pasar completamente desapercibido.

La única regla que ha de seguir esta fotografía es que nunca, bajo ningún concepto, el fotógrafo puede intervenir en la escena o pedir una pose concreta, ya que se perdería la naturalidad, libertad y frescura que tiene esta fotografía.

#1 El Equipo Apropiado: Discreción y Flexibilidad

A diferencia de otras disciplinas, en fotografía urbana, el equipo elegido no resulta decisivo. Eso sí, deberemos procurar que nuestra elección nos permita garantizar el cumplimiento de una de las bases de la fotografía urbana: la discreción y el poder pasar desapercibidos para no interferir en la escena retratada.

No obstante, además de esta característica, que nos habla fundamentalmente sobre el tamaño de nuestra cámara, también resultará interesante garantizar que nuestra cámara ofrece un enfoque veloz, un obturador silencioso, configuraciones manuales de apertura, tiempo de exposición e ISO y la posibilidad de disparar en modo ráfaga (realmente útil, dado que la fotografía urbana no está pactada).

foto por Mario Sánchez Bueno (licencia CC)

Por tanto, según lo comentado barajaremos los siguientes grupos de cámaras: móviles, compactas, bridges, CSC (ó EVIL) y Reflex. En mi opinión, probablemente los grupos más apropiados serían las bridges y CSC (ó EVIL), eso sí, podrás hacer fotografía urbana con cualquier cámara, así que si no tienes una cámara de alguno de los grupos indicados, no te preocupes y sigue adelante. También, como se suele decir en fotografía, "la mejor cámara es la que siempre llevas encima", lo que abre un importantísimo hueco al móvil.

Por último, en cuanto al objetivo a elegir, en el caso de aquellas cámaras que permiten intercambiarlo (CSC ó EVIL y Reflex), funcionarán especialmente bien focales angulares o normales (desde los 28 a los 50mm). Focales superiores (teleobjetivos) hacen que la fotografía urbana pierda algo de su esencia al ser objetivos concebidos para disparar desde una posición más lejana a la escena.

No pienses en más accesorios (salvo baterías y tarjetas de memoria). La fotografía urbana es sinónimo de sencillez en términos de equipo, así que bastará con lo dicho para lograr espectaculares fotos urbanas.

#2 La Configuración de la Cámara: Metering y Modo de Disparo

Estamos fotografiando en plena calle, a cualquier hora del día, con la presencia de edificios que proyectan grandes sombras, o en parques en que no existe ningún elemento que bloquee el potente sol. En definitiva, la ciudad es un entorno dinámico e incontrolable que origina que no existan unos parámetros infalibles, sino que precisan por parte del fotógrafo velocidad en la lectura de las condiciones de cada toma y en el consiguiente ajuste de parámetros.

Sin duda, uno de los ajustes al que más atención deberemos prestar será el metering de nuestra cámara y utilizar el más apropiado en cada situación: matricial (escenas uniformes), ponderado al centro (situaciones más contrastadas), o puntual (escenas con contraste extremo).

Foto por Will Kemet (licencia CC)

En cuanto al modo de disparo, sin duda, deberemos optar por un modo semiautomático: prioridad a la apertura (A ó Av) y prioridad al tiempo de exposición (S ó Tv). De este modo ajustaremos el parámetro que más nos interese y dejaremos en manos de la cámara el cálculo del complementario.

Salvo que sea una escena que te permita mucha preparación o tengas gran pericia en su manejo, desaconsejo optar por el modo manual (M), pues podrías perder la captura por invertir demasiado tiempo en la configuración de los parámetros.

#3 La Configuración de la Cámara: Enfoque, Parámetros y Modo Ráfaga

Deberás también prestar especial atención al modo de enfoque seleccionado. En este caso, a pesar de que los mecanismos de enfoque automático son cada vez más rápidos y precisos, es posible que no cuentes con el tiempo necesario para seleccionar el plano de enfoque y esperar a que tu cámara lo ajuste, o que no haya suficiente iluminación, por eso debes pasarte al modo manual.

Con nuestra cámara en modo de enfoque manual y una apertura suficientemente reducida f/8, f/11... buscaremos ubicar el plano de enfoque en un punto que nos permita obtener una profundidad de campo tal que podamos tener garantías de capturar de forma nítida a nuestro sujeto (si es posible hacer uso de la hiperfocal, resultará mucho más rápido y eficaz). Requiere práctica, pero una vez dominado aporta una gran velocidad.

foto por Patricia dos Santo s Paton (licencia CC)

Por supuesto, para hacer posible el uso de las aperturas citadas y disponer de tiempos de exposición siempre superiores a 1/100 seg (el mínimo recomendable), deberás, en función de las condiciones lumínicas de la escena, elevar la sensibilidad ISO. Aunque recuerda que esto originará la aparición de ruido, por lo que deberás conocer tú cámara y hasta qué niveles de sensibilidad el ruido que genera es asumible.

Por último, y como comentábamos en el apartado anterior, si tu cámara dispone de la opción de disparar en modo ráfaga, actívalo. En fotografía urbana es esencial este ajuste, pues al no haber coordinación entre fotógrafo y sujeto, no hay garantía de cuándo será el mejor momento para realizar la toma.

#4 Saber Leer La Luz Y Las Condiciones De Cada Escena

Creo que es la cuarta o quinta vez en lo que va de artículo que hablo de la luz, pero es que, junto con la dificultad de predecir el comportamiento de las personas que aparecen en las fotografías, la imposibilidad de controlar la luz y el dinamismo de ésta a lo largo de las horas y en las distintas partes de la ciudad que puedes fotografiar son los dos elementos más característicos y más difíciles de manejar de la fotografía urbana.

En función de la hora en la que lleves a cabo las fotografías y la ubicación dentro de la ciudad en la que te encuentres en cada momento, deberás conocer las características de la luz y usarlas en tu provecho. En lugar de realizar una descripción de los tipos de luces, he considerado más oportuno recomendarte un fantástico artículo de Javier Millán en que describe los tipos de luz a lo largo del día. Por si eres algo perezoso, aquí te dejo un resumen:

  • Horas centrales: Luz intensa, blanca y de alto contraste.
  • Amanecer y atardecer: Intensidad media, cálida y de contraste moderado.
  • Alba y crepúsculo: Baja intensidad, fría y de bajo contraste.
  • Días nublados: Luz intensa, blanca y de bajo contraste.
  • En condiciones de niebla: Intensidad media, blanca-azulada y de bajo contraste.

Además de estas condiciones también deberás contemplar la posibilidad de lluvia y nieve, siendo fundamental estar resguardado para protegerte y también a tu equipo.

foto por Pedro Soler Bueno (licencia CC)

Y, por supuesto, las tomas nocturnas, muy características de la fotografía urbana y en las que deberás ayudarte de fuentes de iluminación artificial como farolas, semáforos, letreros luminosos y parámetros como tiempos de exposición más prolongados y sensibilidades ISO más elevadas para lograr una correcta exposición.

#5 Consejos Y Elementos Para Mejorar Tu Composición

¿Luz natural, personas incontroladas y además hay que cuidar la composición? Me temo que sí, de lo contrario no lograrás una fotografía urbana "perfecta". Como sé que es difícil tener todo esto en la cabeza, allá van unos consejos para tratar de ayudarte a lograr una buena composición en tus fotografías, como en la imagen siguiente.

foto por Pedro Soler Bueno (licencia CC)

No hay recetas mágicas, pero si pones en práctica alguno de los consejos comentados, te garantizo que lograrás fantásticos resultados a nivel compositivo.

#6 Vence El Miedo Y La Vergüenza

Al margen del desconocimiento técnico o de falta de pericia en la gestión de la iluminación o de limitaciones compositivas, la principal dificultad que entraña la fotografía urbana es nuestro miedo, vergüenza o mala concepción, por culpa de los paparazzis, que existe sobre la fotografía urbana.

Así que lo primero que deberás hacer es olvidarte de esto y empezar a fotografiar en lugares públicos. Para ello es vital que salgas a la calle y comiences a utilizar tu cámara. Al principio puedes empezar con teleobjetivos y buscando cierta discreción, para acabar por emplear objetivos más cortos y habiendo naturalizado la realización de fotografías en la vía pública.

foto por Giuseppe Milo (licencia CC)

En función del umbral de riesgo o vergüenza que soportes puedes comenzar con una técnica que los americanos denominan "shooting from the heap", tipo vaquero, o hacer como que fotografías otro motivo, o bien por no tener miedo a mostrar que estas realizando una fotografía y actuar de forma relajada y natural.

No estás haciendo nada malo, siempre que no busques la mofa o el ridículo del sujeto fotografiado. Y, si alguien te detecta y se molesta, basta con pedirle disculpas y ofrecerte a borrar la imagen. Tienes que tener en cuenta que cualquier persona que aparezca en tu fotografía está en su pleno derecho de reclamarte que la elimines.

#7 Conoce La Ley Y Tus Derechos

En España, la Ley Orgánica 1/1982, de 5 de mayo, sobre protección civil del derecho al honor, a la intimidad personal y familiar y a la propia imagen, indica que realizar fotografías a personas en un lugar público se considera una intromisión en su intimidad, salvo en los siguientes casos:

  • Cuando se cuenta con autorización expresa de quien aparece.
  • Cuando la fotografía tiene intereses históricos, científicos o culturales.
  • Cuando se trata de un personaje público.
  • Cuando se fotografía un suceso o acontecimiento público y la persona aparece de forma accesoria.

En el caso de menores, la ley es aún más proteccionista, siendo casi obligatorio, en este caso, contar con una autorización por escrito por parte de padres o tutores.

foto por Giuseppe Milo (licencia CC)

En los demás casos, podemos optar por evitar retratos directos, no incluir rostros de forma que sean reconocibles, evitar mostrar caras o, en el caso de hacerlo, tener claro que podemos acogernos a alguna de las excepciones indicadas.

No obstante, deberemos ser conscientes en todo momento de dos premisas:

  1. si pretendemos comercializar las fotografías siempre deberemos contar con el consentimiento explícito de los fotografiados (aún en el caso de que se cumplan las excepciones mencionadas).
  2. también aunque se cumpla alguna de las excepciones, cualquier persona que aparezca en la fotografía y solicite la eliminación de la misma, está en su pleno derecho y deberemos borrarla.
#8 Edición: El Blanco Y Negro Es El Acabado Por Excelencia

Poco puedo decir a este respecto. Si observas libros o webs pronto te darás cuenta de un denominador común en una amplia mayoría de las fotografías urbanas: han sido procesadas en blanco y negro.

foto por Giuseppe Milo (licencia CC)

Mi única recomendación en este sentido es que no realices una conversión a la ligera, sino que apliques la técnica más apropiada en cada caso y que cuides otros ajustes como exposición, balance de blancos o nivel de enfoque antes de realizar la conversión.

#9 Comienza Por Un Proyecto Urbano

foto por Giuseppe Milo (licencia CC)

No es fácil empezar en fotografía urbana. Al menos no lo es si buscas continuidad y progresión. Es frecuente que una tarde sientas la inspiración y el deseo de realizar cientos de fotografías, pero probablemente no vuelvas a experimentar lo mismo hasta mucho tiempo después.

Por eso es recomendable optar por iniciar un proyecto urbano, que tendrá las siguientes características:

  • Selección de un tema concreto: mascotas, grupos de personas, escaparates, medios de transporte, edificios, sentimientos, etc.
  • Identificación de la ciudad o ciudades (puede ser tu ciudad o algunas a las que planees ir).
  • Elegir el plazo de ejecución y la periodicidad con que se acometerán las fotografías.

La identificación del proyecto no es garantía de éxito, pero al menos te ayudará a dirigir y enfocar tus inicios en fotografía urbana y conducirte por un camino adecuado. De lo contrario, es posible que vayas, como se suele decir, haciendo fotos como "pollo sin cabeza". Y acabarás aburrido y considerando que esta disciplina es un sinsentido.

#10 Busca Inspiración

foto por Pedro Soler Bueno (licencia CC)

Como en cualquier otra disciplina y en la fotografía en general, es necesario una fuente de inspiración que a partir de la imitación, primero, y luego de la creación de variantes, nos ayude a despegar en este género.

Hay múltiples referencias que pueden servirte de ayuda para iniciarte en este mundo. Te recomiendo, por encima de otras y como forma de empezar desde cero, el libro "Fotografía Urbana. Cómo fotografiar la vida en la ciudad", de Jesús León. Este artículo está fuertemente inspirado en este libro, aunque, por supuesto, dejando a un lado muchos conceptos que en él se tratan y no profundizando en otros con el detalle que lo hace el libro. En mi opinión, su lectura es 100% recomendable.

Además, existen referencias en Internet realmente interesantes, al margen de flickr o 500px, por supuesto. A continuación te dejo algunas webs muy útiles para coger ideas y conocer el género:

¿Conocías La Fotografía Urbana? Enséñanos Tus Fotos

Quizás este artículo ha servido para descubrirte un género que no conocías, aunque a lo mejor sí que lo conocías y de hecho tienes tus propios consejos e incluso una prolífica galería de fotos de la que te sientes orgulloso, ¿nos los cuentas?

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Un manual para aficionados, de 1892 – Anthony´s

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Tras la invención de la fotografía, durante muchos años fue una actividad reservada a los profesionales por lo pesado de los equipos y lo prolijo de los procesos necesarios. Pero la simplificación derivada de la introducción de la placa seca, hizo que comerciantes especialistas tratasen de seducir al "amateur".

Categorías: Fotografía

Ciuco Gutiérrez

Fotógrafos en la red - Lun, 31/08/2015 - 08:00

Ciuco Gutiérrez es un fotógrafo español (nacido en Torrelavega, Cantabria, en 1956, vive en Madrid) cuyo trabajo ha girado en torno al paisaje escenificado y el bodegón, con una gran carga onírica que forma parte de un imaginario emocional e íntimo con el que ha ido estructurando un lenguaje expresivo propio. Sus obras tienen un gran componente narrativo basado en un juego semántico  alrededor de la paradoja y la metáfora.

 

© Ciuco Gutiérrez

 

Biografía

Ciuco Gutiérrez hizo sus primeras imágenes con 13 años y desde entonces siempre tuvo claro que quería hacer fotos el resto de su vida. En 1983 tenían ya un marcado acento personal, irrumpiendo en el ámbito fotográfico de Madrid con unas imágenes atípicas para el momento, que tenían un lenguaje sintético y muy visual basado el color agresivo y la ironía . Entonces sus composiciones no dejaron indiferente a nadie: o eran despreciadas o levantaban pasiones.

Tres años después hizo su primera exposición individual en la Galería Moriarty de Madrid y desde entonces no ha parado de exponer tanto en España como el extranjero. Ha sido uno de los primeros fotógrafos, junto a Ouka Leele, Alberto García Alix, Javier Vallhonrat y Joan Fontcuberta que abrió las galerías de arte generalistas a la fotografía y expuso su obra en ARCO.

Desde entonces ha realizado cerca de un centenar de exposiciones individuales, tanto en España como en el extranjero. Su obra está representada en importantes colecciones, tanto privadas como públicas, destacando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Fundación La Caixa de Barcelona, la Fundación Banesto de Madrid y la Colección Norte de Arte Contemporáneo del Gobierno de Cantabria entre otras.

Ciuco Gutiérrez es el fotógrafo español que mejor representa el movimiento kitsch. Desde su mítica fotografía de la Cibeles entrando en Nueva York, Ciuco ha desplegado un amplio abanico, pasando  del pop al surrealismo. Constructor de realidades paralelas a partir de objetos cotidianos, su obra es una parodia de los géneros pictóricos a través de una imaginería muy cercana a la del cómic. El trabajo de estudio y los pequeños muñecos de plástico son fundamentales en una obra que con su visión irónica desmitifica muchos de los cánones de la cultura occidental

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

 

Video Ciuco Gutierrez
Categorías: Fotografía

Arles, Miren Pastor, exclusivas en bodas y más: Galaxia Xataka Foto

Xatakafoto - Dom, 30/08/2015 - 10:16

Último domingo de agosto que significa la vuelta tras las vacaciones para muchos. Así que nada mejor que un buen repaso a artículos interesantes que recopilamos en nuestra Galaxia Xataka Foto dominical.

  • En verano hay una cita indispensable en la ciudad francesa de Arles. Se trata de Les Rencontres d'Arles y en El otro blog hace una crónica de la visita de su autor, a modo de resumen personal.
  • Para conocer un poco sobre la fotógrafa Miren Pastor nada mejor que sumergirse en la entrevista que le han realizado en El Asombrario con motivo de su trabajo ‘Bidean’.

  • La polémica de las exclusivas en bodas por parte de algunas iglesias es un tema abordado en el blog de Sergio Cueto. El autor habla desde su experiencia y plantea bien este tema polémico como ¿canon o chantaje?

  • La obra fotográfica de Kubrick, que realizó antes de convertirse en genial cineasta que fue, siempre resulta enriquecedora y muestra su gran talento visual. En Cultura Colectiva recopilan algunas de sus fotos más conocidas junto con una reseña que contextualiza su trayectoria como brillante fotógrafo en su juventud.

  • Para los fans de la fotografía urbana o de calle es recomendable esta recopilación de cinco fotógrafas que recogen en el blog de Black Kamera. Con una breve descripción y jugosos enlaces para conocerlas más y mejor.

  • Aprovechando el verano y los viajes resulta recomendable conocer la crónica que el gran fotoperiodista Gervasio Sánchez va publicando en su página de Facebook: un viaje en coche desde Zaragoza a Grecia pasando por los Balcanes.

  • Para finalizar, Pedro Armestre, otro gran fotógrafo patrio que entrevistan en El Diario donde repasan su trayectoria y su obra. Para los que quieren conocerle un poco más por su compromiso y su carisma.

Esto ha sido todo. Si nos queréis enviar pistas y sugerencias podéis hacerlo en nuestro formulario de contacto.

Foto | Miren Pastor

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Categorías: Fotografía

Luís Izquierdo-Mosso

Fotógrafos en la red - Dom, 30/08/2015 - 08:00

Luís Izquierdo-Mosso es un artista multimedia y fotógrafo vasco (nacido en Sestao en 1954) en cuya obra fotográfica existe la constante de la secuencia de imágenes en las que aparentemente no sucede nada.

 

© Luís Izquierdo-Mosso

 

 

Biografía

Luís Izquierdo-Mosso se licenció en Filosofía por la Universidad de Deusto, comenzando con exposiciones de pintura y obra sobre papel en 1977, pasando después a usar la fotografía y todo tipo de técnicas graficas de producción de imágenes. Su profesión, sin embargo, es la enseñanza y sigue impartiendo clases en un instituto de Girona.

Ha realizado exposiciones individuales en Bilbao, Madrid, Valencia, Gerona, Figueres, y numerosas colectivas.

Publica textos en revistas dedicadas al arte como Lápiz, Papers d’art, Transversal, Zehar. Colabora con la radio pública vasca como comentarista de arte. En 2001 dirige el cursillo El agujero digital (sobre estética fotográfica) en el centro de arte Bilbaoarte (Bilbao). En 2004 comisaría la exposición Dalimitar para el Museu de l’Empordà de Figueres y el Museu Jaume Morera de Lleida.

Su obra forma parte de colecciones públicas como Artium (Vitoria), Círculo de Bellas Artes (Madrid) Museu de l’Empordà (Figueres) y Museo de Bellas Artes (Bilbao).

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros
Categorías: Fotografía

Contrata un fotógrafo durante tus vacaciones

Xatakafoto - Sáb, 29/08/2015 - 16:01

Durante nuestras vacaciones encontramos el tiempo y la inspiración que no solemos encontrar en la rutina diaria para realizar y compartir fotografías de los nuevos paisajes a los que viajamos.

El Camino Travel, una agencia de viajes dedicada a organizar viajes a Nicaragua y Colombia, ofrece con sus paquetes la presencia de un fotógrafo profesional para preocuparse únicamente de disfrutar.

El mejor complemento para tus viajes, un fotógrafo

El Camino Travel es una agencia especializada a dos viajes de Sudamérica: Colombia y Nicaragua. Por unos 2.300 dólares nos ofrecen una experiencia de viaje más cercana a la población local que el clásico hotel con playa privada. Estos viajes a diferentes lugares de los locales como podría ser un mercado, una manufactura de puros o una granja de flores.

Fotografía de El Camino Travel

Esta agencia se diferencia de otras por atreverse a incluir un fotógrafo para documentar los tours de sus clientes, para que la prioridad sea disfrutar el viaje. El estilo de estas fotografías son muy del estilo de Instagram porque son fotografías realizadas especialmente para compartirlas a través de las redes sociales las fotografías de nuestras vacaciones sin sostener un selfie stick.

Sin duda el resultado de poder contratar un fotógrafo que tome las fotografías de nuestras vacaciones no es una mala idea, sobretodo si viajamos en grupo ya que el reparto de coste hará que el precio sea simplemente ridículo por las fotografías que obtenemos.

Fuente | The Guardian

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Categorías: Fotografía

Cristina Martín Lara

Fotógrafos en la red - Sáb, 29/08/2015 - 08:00

Cristina Martín Lara es una fotógrafa española (nacida en 1972 en Málaga, vive en Berlín) cuyas fotografías tratan de provocar respuestas emocionales ante el medio en el que vivimos.

 

© Cristina Martín Lara

 

Hablo de soledades, de pérdidas, de desorientación, de lo que podría ser y no es.

Biografía

Cristina Martín Lara estudió medicina en la Universidad de Málaga, y luego Bellas Artes en la Universidad Alonso Cano de Granada, graduándose en 1992. Utiliza, además de la fotografía, el video y la instalación.

Es una artista reconocida en Andalucía, después de haber participado en numerosas exposiciones en solitario y en grupo. Su reciente serie Landpartie pone a prueba nuestras respuestas emocionales al medio en el que vivimos.

En su anterior serie Si yo supiera a qué se debe… nos presenta un conjunto de fotografías que funcionan individualmente o en grupo y que ofrecen la inquietante visión de unos personajes de espaldas, envueltos en impermeables y que avanzan hacia el horizonte indefinido de un lago. El aislamiento de la humanidad, la soledad, el vacío, la inconsciencia de la incertidumbre, la desesperanza o la incomunicación son algunos de los conceptos que subyacen en las imágenes de esta artista que siempre deja abierta una puerta para que el propio espectador escoja su realidad de las infinitas lecturas posibles.

 

 

Referencias

 

 

Libros
  • 2010. Soy sombra de cosa soñada.
  • 2000. Onirogramas: relatos de sueños.
Categorías: Fotografía

Instagram ya no recortará las fotografías. ¿Se está perdiendo la esencia de la plataforma?

Xatakafoto - Vie, 28/08/2015 - 15:25

Instagram es la plataforma fotográfica de mayor importancia para los smartphones y tablets de todo el mundo. Ya sea para subir selfies, fotos de gatitos o lucir ese plato de macarrones que nos vamos a comer, todo el mundo ha usado esta aplicación, algunos antes que otros.

Ahora, Instagram acaba con el formato cuadrado característico de todas sus fotografías y se habla de la 'rendición' a las peticiones de los usuarios, pero... ¿ha acabado Instagram con su propia esencia?

Instagram ya no tiene la estética lomo-like que pretendía convertir la fotografía en un juego aprovechando las cámaras de móviles y tablets. Cuando empecé a usarla, hace algo más de dos años, era una plataforma casual de interconexión con otros fotógrafos sin ninguna intención más allá de divertirnos y jugar con los rígidos filtros que nos proporcionaba la aplicación.

Los cambios de la plataforma

Instagram está muy lejos de aquellos filtros hipersaturados, un marco y un efecto de desenfoque poco afinado. Se han eliminado o renovado los filtros, ampliado las funcionalidades y añadido publicidad. Hoy por hoy parece que la plataforma se ha rendido a aquellos demasiado perezosos para respetar la proporción cuadrada. Adrián Cano, fotógrafo e instagrammer activo desde hace cuatro años nos comenta...

Si bien es cierto que el concepto original de Instagram nace del formato cuadrado, desde el día 1 ha habido gente añadiendo marcos blancos o negros porque no se sentían cómodos con el 1:1 o simplemente hay fotos que se quedaban sin salir a la luz porque no se habían tomado dentro de esas proporciones.

Lo que creemos que ha hecho Instagram ha sido darle a la gente lo que estaba pidiendo con esas apps de recorte, la libertad de decidir como publica sus fotos sin tener que sacrificar la calidad de las mismas. El formato cuadrado seguirá estando ahí por defecto, simplemente ahora tienes 2 opciones más. Es como los filtros, puedes usarlos o no, es otra opción.

La inclusión de vídeo, los cambios en los filtros o la expansión de posibilidades han hecho de Instagram una aplicación más versátil. Con esto, la aplicación pasó de una aplicación sólo para fotógrafos a una plataforma más generalista que todo el mundo puede usar. El precio a pagar es perder esa categoría de plataforma exclusiva para fotógrafos que tenía al principio, casi como le ha pasado a Flickr con la inclusión de los fotógrafos amateur a la plataforma.

Fotografía de Aaron Alexander Ser fotógrafo en Instagram

La migración masiva a la plataforma tiene una clara ventaja para nosotros, que como fotógrafos podemos encontrar grandes oportunidades en la composición de fotografías y la expansión de nuestro trabajo.

Hoy por hoy Instagram no filtra lo que vemos como sí que lo hace Facebook, y todos nuestros seguidores pueden ver siempre el 100% del contenido que publicamos. Es aquí donde podemos aprovechar los hashtags, nuestros conocimientos técnicos y creativos, y sacar partido profesional de la plataforma de una forma que la mayoría de la gente no sabe.

En definitiva, el progreso y la expansión de la plataforma ha hecho crecer los usuarios de Instagram, diferenciando a los usuarios que la usan como una red social de otros que emplean la plataforma con fines profesionales. Los avances han marcado un antes y un después, pero los cambios asumirlos para lograr ser fieles a nuestro estilo, reencontrándonos y ampliando nuestras habilidades.

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Categorías: Fotografía

Un día perfecto

DSLR Magazine - Vie, 28/08/2015 - 09:30

CineChrome – Rodada en inglés y con un elenco internacional, encabezado por Tim Robbins y Benicio del Toro, Un día perfecto, es el primer largometraje de ficción en cinco años, del premiado cineasta español Fernando León de Aranoa, una road movie tragicómica, que sigue durante 24 horas a un grupo de trabajadores humanitarios, tras terminar la guerra de Los Balcanes.   

Categorías: Fotografía

Potencia tu Composición Fotográfica Gracias a las Líneas Convergentes

DZoom - Vie, 28/08/2015 - 09:00

Uno de los principales elementos compositivos con el que cuentas a la hora de hacer una foto son las líneas. Y un tipo concreto de líneas son lo que se denominan líneas convergentes. Si no sabes lo que son, cómo utilizarlas, o simplemente quieres refrescar conceptos o coger ideas para mejorar tus fotos, este es tu artículo.

Cuando estamos haciendo fotografía de paisajes, uno de los elementos que más utilizamos a la hora de componer nuestra foto, muchas veces sin darnos cuenta, son las líneas convergentes.

Y es que las líneas son uno de los elementos visuales más fuertes de los que disponemos en la naturaleza para ayudarnos a dar más interés a nuestra foto. Y si además contamos con varias líneas que conducen al mismo punto, dispondremos de una herramienta infalible para conducir la atención del espectador.

foto por Till Krech (licencia CC)

Para que entiendas el concepto de líneas convergentes utilizaré el que probablemente sea ejemplo más recurrente para esta técnica: las vías del tren.

Si te colocas sobre las vías del tren (comprobando antes que no venga ningún tren en ninguna dirección) y miras en la dirección de las vías, comprobarás como las dos vías tienden a juntarse según se alejan en el horizonte, hasta perderse en el infinito, donde se unen en un punto.

Realmente sabemos que las vías trascurren paralelas, pero el efecto óptico que se produce es que las líneas convergen en un punto. Acabas de entender el significado de líneas convergentes.

Si haces una foto a las vías del tren y se la enseñas a alguien, la reacción natural de cualquiera que vea la foto será siempre la misma: seguir con la vista las vías en la dirección que convergen.

Este efecto se va a producir siempre con cualquier ejemplo de líneas que transcurran paralelas hasta converger en un punto en la lejanía: carreteras, peldaños de escaleras, vallas, ...

Ahí van 4 Consejos sobre el Uso de Líneas Convergentes...

1. Experimenta con la Posición

Una posibilidad es, sobre el ejemplo de las vías del tren, situarte en el centro de las líneas convergentes, haciendo que el punto de unión de las líneas se pierda en el infinito, hacia el centro de la fotografía.

Otra opción es situarte a un lado de las líneas convergentes, de modo que éstas crucen la fotografía. Un buen recorrido sería que partieran de una de las esquinas inferiores y fueran a converger en la esquina superior opuesta, cruzando toda la foto. Esta disposición diagonal de las líneas genera una imagen más dinámica.

Tanto la ubicación simétrica como la diagonal crea un impacto bastante fuerte en la imagen, aunque las líneas diagonales están más asociadas a la idea de movimiento.

2. Utiliza Lentes de Gran Angular

El uso de diferentes objetivos en fotografía puede hacer variar completamente el impacto de las líneas convergentes en una foto. Por experiencia, el uso de focales cortas suele ser especialmente útil a la hora de utilizar el recurso de la convergencia de las líneas. Este efecto es especialmente notable cuando nos situamos entre las dos líneas.

El motivo es debido a que la percepción de la distancia existente entre las líneas en el punto de partida es mayor de lo que realmente es cuando utilizamos un gran angular. Al exagerar la distancia entre las líneas crea un mayor impacto en la fotografía.

foto por Daniel Kulinski (licencia CC)

3. Posiciona la Convergencia

Uno de los elementos a tener en cuenta cuando trabajes con líneas convergentes es que, como ya he explicado, dirigen la atención de la vista hacia el punto en el que convergen. Por tanto, ese punto será, salvo excepciones, el centro de interés de la foto.

Cuando estés haciendo la foto, parate a pensar cual es la mejor posición de ese punto en el encuadre de tu foto.

Ten en mente elementos compositivos como la Regla de los Tercios, buscando que el punto de convergencia se encuentre en una de las cuatro intersecciones que forman los tercios al aplicar la regla.

foto por Paul Goyette (licencia CC)

4. Añade Interés al Punto de Convergencia

Muchas veces lo que querrás es añadir interés al punto donde se unen las líneas. Como el ojo se va a dirigir a la convergencia, es un buen recurso para situar ahí el elemento central de la fotografía. Puede ser un tren que se acerca, o una persona que se encuentra en un camino, ...

Las líneas conducirán la mirada a ese punto irremediablemente.

Si además situas el punto aplicando la regla de los tercios, tienes captado el centro de atención con un efecto magnético que hará que no puedas retirar la mirada de ese objeto.

Nota: Este artículo se publicó el día 30 de julio de 2007 y ha sido revisado y reeditado por su interés el 27 de agosto de 2015.Enlaces Relacionados
Categorías: Fotografía

Katia Chausheva

Fotógrafos en la red - Vie, 28/08/2015 - 08:00

Katia Chausheva es una fotógrafa búlgara (nacida en Plovdiv en 1957, donde vive y trabaja) cuyos retratos (el tema principal de su obra) se caracterizan por los tonos oscuros, opacos, de ensueño, como si hubiera una especie de filtro entre nosotros y la materia retratada.

 

© Katia Chausheva

Biografía

Katia Chausheva es una fotógrafa amateur que ha expuesto en Plovdiv, Sofía y Woodstock y sus fotografías se han publicado en distintas e importantes revistas especializadas en fotografía.

En 2006 fue obtuvo el Gran Premio Lumix en Sofía.

Su obra Impresiona sobre todo por la profundidad, la a veces inquietante oscuridad y la delicadeza de sus escenas. Su temática fundamental es la figura humana, sobre todo la femenina, en la que es casi una constante el sentimiento de soledad. En su técnica, sobresale el dominio de la luz, el color y el procesado de sus imágenes.

Sus fotos son originales también por su encuadre, perspectiva y composición, en los espacios oscuros y negativos.

 

 

 

Referencias
Categorías: Fotografía

Claves para el revelado químico de fotografías (III): Ampliaciones en papel

Xatakafoto - Jue, 27/08/2015 - 15:31

Siguiendo con la última entrega de este miniciclo sobre revelado químico de fotografías y tras organizar nuestro espacio de trabajo y conocer a fondo los agentes químicos que revelan nuestras imágenes, llegamos al revelado de ampliaciones en papel.

Preparando el equipo: la ampliadora

Lo primero que hay que tener en cuenta para revelar nuestras copias, en primer lugar, es con qué vamos a ampliarlas. Si tenemos suerte, puede que nuestro padre o abuelo haya guardado una ampliadora fotográfica.

En caso contrario, tendremos que bucear por el mercado de segunda mano para encontrar una, ya sea online o buscando en rastros. En mi caso, pude hacerme con una por 20 euros gracias a un señor mayor que tan sólo quería que alguien sacase provecho a un cacharro que tenía guardado desde hace años. Tuve suerte, porque la ampliadora se encuentra en perfectas condiciones y tan sólo tuve que cambiar la bombilla. Sin embargo, una ampliadora de segunda mano rondará los 100 euros. Hay quien pide cantidades exageradas para la antigüedad de los equipos y lo útiles que son hoy por hoy, pero todo es negociar.

Fotografía de Guillermo Perez La bombilla de la ampliadora

He mencionado el tema de la bombilla, y es un punto importante si compramos una ampliadora de segunda mano o la nuestra se funde en alguna ocasión.

Las bombillas de ampliadora son un tipo de bombillas especiales y según he podido leer de Manuel Ruiz en FormatoMedio.eu, son bombillas ligeramente sobrevoltadas para que la calidad de la luz sea mayor pero a cambio la vida útil de la bombilla se acorta drásticamente.

Mi caso personal es que la Philips Photocrescenta original de la ampliadora se fundió al encenderla, por lo que decidí que no iba a pagar una barbaridad por una bombilla incandescente. Compré por unos 4 euros una bombilla LED de 10W que al cambio son unos 60W de bombilla incandescente. La temperatura de color es blanca (creo que sobre 5600K) y el Índice de Reproducción Cromática es superior a 80, por lo que era una bombilla LED de buena calidad.

La experiencia ha sido buena, las imágenes son claras, con un buen contraste y tiempos de exposición que he podido y sabido manejar perfectamente con buenos resultados sobre el papel.

Tipos de papel

Entrando en materia, echemos un ojo a los diferentes tipos de papel. En mi caso usé Ilford Multigrade de dos tamaños: 10x15 para las copias pequeñas y 20x25 para copias grandes y contactos.

Fotografía de Wikicommons

Los grados del papel indican el contraste que ofrecen: a mayor el grado, mayor el contraste. En el caso de Ilford, encontramos papeles multigrado que podemos manipular a través de filtros para mejorar el contraste; también encontramos papeles de grado fijo del 0 al 5, quedando descontinuados los grados 0, 4 y 5 por lo que hoy por hoy sólo encontraremos de grado 1, 2 y 3, los que se clasificarían como papeles de grado normal.

Los filtros Ilford para ampliadoras merecen que les hagamos una mención. Son filtros calibrados para ofrecer un ajuste al constraste de nuestras fotografías sobre papeles multigrado, pero hay que saber que son exageradamente caros. Los podemos encontrar de segunda mano o de ocasión en algunos sitios, además de en su versión Starter Pack por unos cuantos jugosos euros menos que nos serán utilísimos si trabajamos con este tipo de papeles.

El proceso de la ampliación

En cuanto al proceso de ampliación, personalmente creo que es el momento más mágico del revelado. También lo es desenrollar el negativo de la espiral y ver que la película desvela sus secretos, pero ver cómo se ennegrece el papel en la cubeta de revelador es algo que cualquier fotógrafo curioso debe probar alguna vez en su carrera.

Fotografía de Jim Sneddon

En relación a la cantidad de líquido que debemos poner en una cubeta, yo recomiendo tomar primero la medida de la cubeta con agua y luego calcular las proporciones con los químicos. En mi caso para una cubeta de 20x25, me caben unos 500 mililitros de líquido que equivale a una capa fina que cubre el papel pero que me permite mecer la cubeta sin miedo a que salpique o se desparrame.

Revelando tras la exposición

Hay que tener en cuenta que la exposición en la ampliadora es lo que te dá el negro, no el revelador. Hay quien piensa que por dejar la copia nadando en revelador durante el doble de tiempo va a sacar negros de una copia que ha sido expuesta poco tiempo a la ampliadora, pero eso no es así.

Una vez pasado el tiempo recomendado por el fabricante podemos dejar la copia unos segundos más para arañar algún gris o profundizar de forma sutil en los negros, pero el revelador actúa en la medida en la que nosotros hayamos expuesto el papel. Si no hay imagen latente por falta de tiempo, el revelador no va a sacar de donde no hay.

Si como en mi caso, nos es imposible separar físicamente la ampliadora de las cubeta debemos aislar la ampliadora de las cubetas con un tablón perpendicular a la mesa para poder ampliar una copia mientras revelamos otra. En caso contrario, la copia muy probablemente se contamine de la luz de la ampliadora.

Fotografía de Pat David El baño de paro

Como ya indiqué en el artículo anterior, en mi caso empleo baño de paro mezclando vinagre y agua, aunque podemos emplear ácito acético que es la formulación de los baños que podemos comprar en las tiendas, que tienen la ventaja de que cunden mucho y cuando pierden su efectividad, cambian de color.

En estos casos suelo dejar la copia durante unos 30-45 segundos, ya que me parece un tiempo muy prudencial para parar la reacción. Para evitar que el fijador pierda efectividad, suelo escurrir la copia hasta que no gotee y luego la paso a la cubeta de fijación. Ignoro si el contacto de gran cantidad de ácido con el fijador hace que su acción se degrade más rápidamente, pero me parece que tiene cierta lógica.

Fijando la imagen latente

Por último, el baño de fijación es el que determinará la calidad y cantidad de perdurabilidad de nuestra fotografía. Como siempre, haremos caso al fabricante y dejaremos el tiempo que nos indiquen. No hay que tomar extremos: ni dejarlo 10 segundos ni dejar que nade en el fijador por 30 minutos. Un periodo prudente de tiempo con una buena agitación de vez en cuando hará que la imagen quede impregnada en el papel por muchísimos años.

Personalmente recomiendo que nunca escatimemos con el fijador y siempre optemos por una solución ligeramente más concentrada, especialmente si tenemos interés en que nuestros trabajos conserven su identidad física. Aún así yo en cuanto revelé mis primeras fotografías, lo primero que hice fue escanearlas para tener una copia de seguridad digital.

Fotografía de Kevin Dooley Almacenamiento de las copias

Hablando de almacenamiento, en otro artículo hablé sobre el gran problema de la fotografía digital: su conservación. Es un tema delicado porque no sería la primera vez que usamos un móvil fotografiando a nuestra familia y amigos, y un buen día sin tener ninguna copia de seguridad, el móvil se moja y todas esas fotografías simplemente se pierden.

En el caso de la fotografía química, el almacenamiento es algo que damos por sentado y que además, los más meticulosos no se conformarán con cualquier cosa.

Como con los negativos, las copias deberíamos conservarlas en álbumes y/o lienzos que no contengan pegamentos y en papeles libres de ácidos. Con estas precauciones, nos aseguraremos que nuestras copias estarán perfectamente conservadas y resguardadas de la luz durante muchísimo tiempo. Si además disponemos de un escaner y digitalizamos nuestras fotografías con la máxima resolución posible, nos aseguraremos su buena conservación.

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Categorías: Fotografía

Tchaikovsky y la fotografía

DSLR Magazine - Jue, 27/08/2015 - 09:30

Las conexiones entre las distintas artes son realmente sorprendentes. Hoy nos centramos en la unión de dos disciplinas en principio completamente alejadas pero con muchos puntos en común. La música y la fotografía.

Categorías: Fotografía

Canon EF 35 mm f/1,4L II USM: la nueva versión de un clásico

Xatakafoto - Jue, 27/08/2015 - 09:03

Tras los abundantes rumores de días precedentes hoy Canon ha hecho oficial el lanzamiento del objetivo EF 35 mm f/1,4L II USM. Un objetivo profesional que viene a renovar a la primera versión, un clásico de su catálogo de lentes, ahora incorporando algunas mejoras.

Entre las novedades, Canon destaca que se trata del primer objetivo que incorpora lentes Blue Spectrum Refractive (ópticas BR), que mejora la calidad de imagen en cualquier situación.

Características Construcción del objetivo (elementos/grupos) 14/11 Nº de hojas del diafragma 9 Abertura mínima/máxima 22/1.4 Distancia mínima de enfoque (m) 0.28 Resistencia al polvo/humedad Sí Diámetro del filtro (mm) 72 Máx. diámetro x longitud (mm) 80,4 x 105,5 Peso (gr) 760 Canon EF 35 mm f/1,4L II USM: diseño

Es un objetivo robusto y diseñado con resistencia y, por tanto, sellado para protegerlo de condiciones ambientales complicadas y un uso intensivo como se espera de los usuarios profesionales a los que está destinado. En cuanto a diseño mantiene la línea habitual de la serie L de Canon y posee revestimientos de flúor para reforzar la protección de la lente.

Incorpora lentes ópticas BR

Como se encargan de recalcar en Canon, este objetivo es el primero en incorporar esta característica, que no es otra cosa que una nueva tecnología que utiliza materiales ópticos orgánicos desarrollados a nivel molecular, que deben ayudar a reducir la aberración cromática y aumentar la nitidez, gracias a su capacidad para refractar la luz azul. Esta óptica BR está integrada dentro del resto de lentes del objetivo.

Además, Canon EF 35 mm f/1,4L II USM pose otros revestimientos habituales como el de de Estructura de Sublongitud de Onda (Subwavelength Structure Coating o SWC), que proporciona un contraste mejorado y reduce al mínimo el velo óptico y las luces parásitas.

El EF 35 mm f/1,4L II USM posee un motor ultrasónico de tipo anillo para activar su sistema de enfoque automático, que promete ser muy rápido y silencioso (muy útil para grabación de vídeo).

Disponibilidad y precio

Es un objetivo de distancia focal clásica ideal para reportaje, habitual en reporteros gráficos, así como para deportes y bodas. Y que conformará una gran pareja con los últimos modelos de Canon, la EOS 5DS y 5DS R.

Aún no conocemos la fecha de disponibilidad en España ni el precio oficial, pero parece que ya se puede reservar en EEUU a un precio de 1.799 dólares.

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Categorías: Fotografía

Philong Sovan

Fotógrafos en la red - Jue, 27/08/2015 - 08:00

Philong Sovan es un fotógrafo camboyano (nacido en 1986, vive y trabaja en Phnom Penh) que compagina sus trabajos para la prensa, con proyectos más personales, en los cuales utiliza la luz de fuentes extrañas, como pantallas de portátiles o faros de motos, para revelar aspectos inusuales de personas, lugares o situaciones.

 

© Philong Sovan

 

Me gusta fotografiar a la gente con un estrecho haz de luz.

 

 

Biografía

Philong Sovan estudió fotografía con Mak Remisa, comenzó en 2009 como fotógrafo de prensa y pronto se unió al personal de The Phnom Penh Post y luego trabajó durante algunos meses para la Xinua News Agency en 2011-2012. Fue becado en 2012 para realizar estudios de Fotografía en la École Nationale Supérieure Louis-Lumière de París, donde descubrió la fotografía analógica y trabajó en diferentes técnicas de impresión.

Además de cubrir noticias, ha desarrollado varios proyectos personales, especialmente aquellos que desarrolló con Studio Images del Centro Cultural Francés y que fueron exhibidos durante el festival Photo Phnom Penh.

Su trabajo ha sido proyectado en Les Rencontres d’Arles y expuesto en festivales como Photoquai de París o el Photo Phnom Penh de Camboya, y en centros como el Institute of Contemporary Arts de Singapur.

Ha publicado en medios como The Guardian, Le Monde Magazine, L’EXPRESS style, Internazionale Italy Magazine, Globe Magazine, L'OEIL Portfolio, De L’air, IMAGES, Missions Étrangères, Punctum Magazine y The Phnom Penh Post. Es miembro de Asia Motion, la principal agencia  de fotógrafos de Camboya, desde 2011.

Ha sido galardonado con el Grand Prize Ma Samaritaine en 2013, los premios asiáticos SOPA 2012, y en el Angkor Photo Festival de Camboya en 2010. En la actualidad da clases, trabaja en encargos y desarrolla nuevos proyectos fotográficos.

 

 

Referencias
  • su página web www.philongsovan.com (EN [+250f]),
  • Philong Sovan en phnompenhpost (EN [12f]),
  • Philong Sovan en asiamotion (EN [+160f]),
  • Philong Sovan: On the Road en getxophoto [4f],
  • Philong Sovan: Motor Light – Siem Reap en photoquai (EN [6f]),
  • Philong Sovan en worldeventyoungartists (EN [5f]),
  • Sovan Philong: photography caught in the headlights en theguardian (EN [?f]),
  • Cambodian Photographers Document War and Violence: Vandy Rattana, Khvay Samnang and Sovan Philong en umich (EN [6f]),
  • Philong Sovan. Photo Phnom Penh 2013 en loeildelaphotographie (EN [14f]).
  • Categorías: Fotografía

    Canon EF 35 mm f/1,4L II USM – Blue Spectrum Difractive

    DSLR Magazine - Jue, 27/08/2015 - 06:30

    Tras diversas filtraciones, Canon anuncia su nuevo EF 35 mm f/1,4L II USM, el primero en emplear "Blue Spectrum Refractive Optics".

    Categorías: Fotografía

    La NASA publica online las mejores fotografías de su historia

    Xatakafoto - Mié, 26/08/2015 - 17:31

    A través de la página GRIN (Grandes Imágenes de la Nasa en inglés), la NASA ha publicado una colección inmensa de imágenes escaneadas digitalmente al servicio de todo el mundo en varias resoluciones. Las imágenes, desde los astronautas pioneros y los primeros pasos de la ingeniería aeroespacial hasta la llegada del hombre a la Luna.

    Muchas de las imágenes más célebres de las últimas décadas han venido de guerras, conflictos e historias personales. Otras muchas, en especial desde la carrera especial, han venido de la mano de la NASA y sus avances en la ingeniería aeroespacial. La mítica huella de Buzz Aldrin en la Luna, o uno de los muchos despegues del Discovery, un trasbordador que puso en órbita el telescopio Hubble.

    La Luna se posa sobre la Tierra. Imagen tomada desde el Discovery Despegue del Discovery y su tripulación de cinco hombres el 29 de Septiembre de 1988

    Sin embargo, en esta web podemos ver mucho más que trasbordadores célebres o eventos importantes. Hay otros muchos momentos inmortalizados en estos archivos como la documentación de diversos récords en la aeronáutica o las primeras pruebas del Air Force, el avión personal del Presidente de los Estados Unidos.

    Todas las imágenes son de acceso libre y salvo indicación expresa, son de dominio público para cualquier fin.

    Fuente | Fstoppers

    Sitio Oficial | GRIN. Great Images in NASA

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    Filonov, el arte como máscara

    DSLR Magazine - Mié, 26/08/2015 - 09:30

    La fotografía de Vladimir Filonov se ha caracterizado en varias etapas de su obra por retratar el régimen soviético con crítica, utilizando las armas que el propio régimen otorgaba a sus fotógrafos. Su visión de la Perestroika deja documentos insurgentes y patrióticos al mismo tiempo.

    Categorías: Fotografía

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