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Bentley utiliza de nuevo fotografías gigantes y tecnología 360º como reclamo publicitario

Xatakafoto - Lun, 27/03/2017 - 17:01

En enero os hablábamos de la fotografía de miles de megapíxeles de Gigapan durante el acto inaugural de Donald Trump y de el uso informativo de este tipo de imágenes. Pues bien, por segundo año la marca de coches Bentley ha utilizado esta misma tecnología de 360 grados como reclamo publicitario.

Pese a que el resultado no es tan espectacular como el de la foto que publicó la CNN durante la ceremonia del actual presidente de Estados Unidos, no deja de sorprendernos, sobre todo si nos fijamos en los datos que hay detrás de la imagen.

Y cuando decimos que el resultado no es tan espectacular es porque, a diferencia de la realizada durante el acto de investidura de Trump, en esta imagen no podemos investigar libremente los alrededores, solo podemos hacer zoom que nos irá acercando desde un plano general dede el Cayan Tower hasta un plano detalle del logotipo de la marca en el capó del espectacular Flying Spur W12S de la marca.

Lo realmente sorprendente son los datos que hay detrás de la imagen: Las condiciones climatológicas hicieron que el equipo tuviera que aguantar las temperaturas desérticas de un clima seco a 40º, con vientos de 25 km/h que ponían en peligro la estabilidad de la toma con la cámara suspendida a 264 metros de altura. La resolución de la imagen es de 57,7 mil millones de píxeles y tardaron 48 horas en hacer las más de 1800 fotografías necesarias.

Además de la gigantesca foto, parece que el equipo de marketing no ha querido desaprovechar las posibilidades que ofrece la tecnología 360º y ha decidido utilizarla para dar a conocer el modelo.

Y para que no haga falta ni desplazarse al concesionario no solo han hecho uso de la fotografía 360º para mostrar cada detalle, sino que también han utilizado el vídeo, para que, si no estábamos aún decididos, nos terminásemos de convencer para rascarnos el bolsillo y comprar "el juguetito".

Más info | Bentley

En Xataka Foto | Los mejores programas y aplicaciones para realizar y editar fotos en 360º

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La noticia Bentley utiliza de nuevo fotografías gigantes y tecnología 360º como reclamo publicitario fue publicada originalmente en Xataka Foto por Chema Sanmoran .

Categorías: Fotografía

Revelando con máscaras de luminosidad: Un flujo de trabajo perfecto (I)

Xatakafoto - Lun, 27/03/2017 - 14:01

Hace tiempo que trabajo con las máscaras de luminosidad. Es uno de los flujos de trabajo con Adobe Photoshop más interesantes que podemos desarrollar. Tony Kuyper fue de los primeros que lo trasladó al papel, y hoy en Xataka Foto vamos a aprender a revelar con las máscaras de luminosidad.

Para lo neófitos en la materia que piensan que estamos ante una de las técnicas más complicadas de Adobe Photoshop quiero decirles que no lo es en absoluto. Como siempre, nosotros seremos los responsables de crear un flujo de trabajo más o menos sencillo en virtud de lo que queramos conseguir. Si hacemos las cosas bien desde el principio, os puedo asegurar que será un camino de rosas. Sólo hace falta practicar sin parar.

Leer antes de usar Selección imposible son las máscaras de luminosidad

Las máscaras de luminosidad no son más que máscaras de capa perfectas basadas en la luminosidad de los píxeles que forman la imagen. Es un método eficaz para afectar solo a las zonas de imagen que tú quieres modificar. Imagina la imagen de una alameda en un atardecer, con mil ramas surcando el cielo. Detrás de ellos, un atardecer de los que salen en las películas de Technicolor. Si quieres mejorar esos colores, sin afectar a las ramas, hasta ahora tenías que pasar un infierno de selecciones basadas en el blanco y negro. Con la ayuda de las máscaras de luminosidad, esto será coser y cantar.

Tony Kuyper presentó al mundo esta técnica en 2006, y cada día goza de más y más popularidad. No me extrañaría que en un futuro no muy lejano fuera una acción por defecto de Adobe Photoshop. Tiempo al tiempo. Todo parte de una función innata del popular programa que, cuando la conozcas, te dará envidia no haberla descubierto tú mismo. Se ha hecho tan popular que vende vídeos como rosquillas por todo el mundo y tiene hasta colaboradores oficiales en varios países. Como dice él mismo:

Las máscaras de luminosidad no son más que selecciones basadas en los valores de brillo de la imagen.

Máscara de la luminosidad

Todo parte de la posibilidad de seleccionar solamente los píxeles más luminosos al hacer Ctrl+clic en el canal RGB en la correspondiente ventana. Si logramos ir delimitando cada vez más la selección, lograremos una precisión sin igual y encima con una potente gradación de grises. Más adelante veremos cómo.

Si encima descubrimos que es un proceso que se puede automatizar con una acción, y que es tremendamente rutinaria, empezaremos a darnos cuenta de que quizás, solo quizás, es el flujo de trabajo más completo hasta la fecha. Cierto que es muy temerario hacer tal afirmación, pero pienso que es uno de los más completos que podemos aprender. Y que si lo adaptamos a nuestro día a día, el revelado de nuestras fotografías mejorará.

Efecto exagerado ¿o no?

Eso sí, hay que escapar como alma que lleva el diablo de los efectos exagerados y grandilocuentes que empiezan a inundar las redes. Insisto una y mil veces en lo que le digo a mis alumnos, un buen revelado es aquel que no se nota. No tiene sentido cambiar la luz por la sombra aunque se pueda hacer. Y sin más dilación vamos a ver el primer paso que hay que dar antes de adentrarse en este mundo.

La gestión de color en las máscaras de luminosidad

Sé que algunos os llevaréis las manos a la cabeza con solo leer este título, pero os aseguro que es importante. Lo descubrí hace tiempo al verlo en este interesante vídeo. Y recientemente lo he vuelto a recordar, y la verdad es que es fundamental para conseguir que las máscaras de luminosidad funcionen correctamente.

Ajustes de color

La gestión del color es fundamental en la fotografía digital. Me imagino que habréis leído artículos sobre el tema. Para resumir:

  1. Lo mejor para trabajar (e imprimir con calidad) es elegir Adobe RGB (1998).
  2. Para compartir en Internet (e imprimir en el laboratorio de la esquina) elige sRGB .
  3. Y si tienes los mejores equipos tu elección es ProPhoto.

El secreto mejor guardado es que estas máscaras trabajan en escala de grises, y si queremos que haya equivalencia de luminosidad entre el color y el blanco y negro tendremos que ajustar el Espacio de trabajo de RGB con el Espacio de trabajo de Gris. Así, la relación de luminosidades será perfecta. Y aquí tienes la chuleta que mejorará tu trabajo con las máscaras de luminosidad:

  1. sRGB > sGray
  2. Adobe RGB (1998) > Gray Gamma 2.2
  3. ProPhoto > Gray Gamma 1.8

En el próximo artículo explicaré la forma de crear las máscaras de luminosidad y cómo convertir este rutinario proceso en una acción a la que acudiremos una y otra vez.

En Xataka Foto| Entiende de una vez por todas la gestión de color en tu ordenador

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La noticia Revelando con máscaras de luminosidad: Un flujo de trabajo perfecto (I) fue publicada originalmente en Xataka Foto por Fernando Sánchez .

Categorías: Fotografía

LOMO – Los orígenes y el mito

DSLR Magazine - Lun, 27/03/2017 - 11:08

Todos los que navegan hoy en día en fotografía, han oído hablar –de una forma u otra– de “Lomography” o “Lomografía”, e incluso alguno que otro se considera “lomógrafo” antes que fotógrafo. Sin embargo, no todo el mundo tiene claro –más allá de la historia oficial que nos cuentan– los orígenes de un fenómeno que podría haberse quedado en lo anecdótico, pero que ha llegado a convertirse en una compañía con sedes y tiendas a lo largo y ancho de toda la Tierra, con una política de marketing que ya querría para sí alguna que otra empresa. La palabra clave de esos orígenes –más que Lomography– es LOMO. Pero si deseamos ser aún más precisos al hablar de orígenes, quizá debiéramos escribir dos palabras más: COSINA, y GOMZ.

La Cosina CX-2 se distingue por la estética tan característica que le otorga el sistema de cierre-protección de objetivo y visor © Albedo Media

Entre 1965 a 1990, las cámaras compactas para el formato 24×36 mm sobre película de 35 mm fueron extremadamente populares, y eran especialmente compactas porque todavía no había aparecido el autoenfoque –cuyos mecanismos requieren su espacio– ni tampoco las versiones con doble óptica (1) o más tarde con zoom, una categoría esta última que Pentax tuvo el honor de inaugurar. Y en esta categoría de compactas, si bien había creaciones más bien vulgares, otros fabricantes llegaron a producir, por un lado, modelos altamente refinados y, por otro, diseños de categoría media-alta, pero a precios más asequibles. La Cosina CX-1 y la CX-2 –de prestaciones algo más elevadas (2)–, entrarían en esta última categoría. Hablamos de una auténtica “compacta”, con sensor de 24×36 mm, de tan solo 10,3 x 6,6 x 4,3 cm, con un peso de 225 g.

Puede verse el acoplamiento para el winder en la CX-2. La LC-A de LOMO también dispone de él, pero –de haber existido– el destinado a la LOMO y el de la CX-2 no serían compatibles, por distintas ubicaciones de la rosca de acoplamiento y los contactos © Albedo Media

Pero no pensemos que la CX-2 de Cosina, por ser compacta, fuese corta en prestaciones, pues estaba dotada de un objetivo Cosinon 35 mm f/2,8 de cinco grupos a partir de cinco lentes, todas ellas en vidrio óptico, y con modos de exposición de programa. Y además… ¡era motorizable, con el “winder” CX-W (3)!

Marea roja

Antes de describir algún que otro aspecto adicional de la Cosina CX-2, vamos a explicar lo que pronto ocurrió: simplemente, llegaron “los rusos”. Una camarita tan simpática no podía escapar a la voracidad copiadora de los soviéticos, con su –a la sazón– autarquía y osada impunidad, que no respetaba derecho industrial alguno, y así, a no mucho tardar, en 1983 apareció la LOMO Compact o LOMO LC-A, la copia de las Cosina CX-1 y CX-2 que sirvió de base al fenómeno “Lomography, pero no hasta una década después, hacia 1991, tras el cese oficial de la producción del modelo.

La LOMO LC-A fue una copia descarada de las Cosina CX-1 y CX-2, salvo que el mecanismo de protección del objetivo y el visor resultaba demasiado complicado de realizar para los recursos disponibles por parte de los soviéticos… © Albedo Media

A partir de ese punto, con la fundación de la “Lomography Society International” (LSI) en 1992, resulta un poco difícil distinguir entre fábula histórica y realidad, por lo que de momento vamos a centrarnos en los puntos comunes de ambas cámaras –original y copia– así como en sus diferencias, comenzando por las dimensiones de la LOMO LC-A: 10,7 x 6,8 x 4,4 cm (4) para un peso que el manual indica como “no por encima de 0,25 Kg”.

Diferencias y puntos comunes

En la LOMO LC-A el objetivo es un Minitar 1 32 mm f/2,8 y, por tanto, ligeramente más angular que el Cosinon. Este objetivo es importante en la mítica Lomography, pues la estética que genera –se entiende que con un importante viñeteo, del que Lomography presume con gallardía– fue seminal para los principios del movimiento lomográfico, que se basó en la frase: “Don’t think, just shoot”, algo así como “No pienses, simplemente dispara”. De hecho, esta óptica se ha comercializado no hace mucho por separado, en montura Leica-M.

El LOMO Minitar 32 mm f/2,8 se comercializa –a un precio unitario de 350 €– en montura Leica-M, con leva de acoplamiento telemétrico y enfoque por zonas, que sigue el mismo esquema de la LC-A (ver más abajo) © Lomography

Por lo demás, ambas cámaras ofrecen el ya citado modo de programa automático, con ajustes de f/2,8 hasta f/16 para el uso con flash. El enfoque es “por zonas”, con ajustes para infinito: 3 m, 1,5 m y 0,9 m en la CX-2, e infinito, 3 m, 1,5 m y 0,8 m en la LC-A. Como “copiar” no impide mejorar, en el selector de la LC-A encontramos una codificación adicional en verde, amarillo, rojo y plata, que permite a los de vista más débil saber en qué ajuste se encuentran. Más adelante comentaremos una diferencia de diseño importante entre la CX-2 y la LC-A, que hace que las palancas de control para el modo de exposición/ajuste de diafragma y el ajuste de distancia cambien ligeramente de ubicación.

El enfoque es en ambas cámaras por zonas, con encajes por clics, pero la codificación por colores de la LC-A representa un refinamiento © Albedo Media

Pero antes vemos un refinamiento presente en ambas cámaras: al accionar la palanca de enfoque, un cursor mecánico –¡qué tiempos!– nos indica en el visor en cuál de las zonas de enfoque nos encontramos y ello mediante símbolos que difieren un poco en cada modelo, pero que nos hablan de montañas / paisajes, grupos de tres o dos personas y “retrato” de una sola persona. El visor es de tipo Albada, en los dos casos, de marcos luminosos y de buena calidad, con marcas de paralaje para la distancia mínima de enfoque. De imagen de tamaño algo más grande en la LC-A, resulta por ello un poco más difícil de ver completo para usuarios con gafas. Zapata para flash y autodisparador en la CX-2 (6) completan el panorama, si obviamos la rosca para trípode y que la LC-A también estaba preparada para una motorización que parece que nunca llegó.

Construcción y acabados

Ahora podemos hablar de la diferencia fundamental entre la LOMO LC-A y la Cosina CX-2 en la que la rusa “se inspira”. La mayor originalidad de la CX-2 radica en el diseño de la cubierta protectora para el objetivo y el visor, que actúa además de bloqueo contra disparos accidentales y es el componente que más personalidad otorga a la estética de la cámara: si giramos esa cubierta noventa grados en sentido horario, se descubren objetivo y visor y la CX-2 adquiere un nuevo aspecto, también muy atractivo. Ese mecanismo debía de ser un poco más complicado de emular para la factoría GOMZ / LOMO y ahí “tiraron por el camino de en medio”, conservando la falsa estética para “dar el pego”, recurriendo a una palanca en la parte inferior, que mueve sendos opérculos, para descubrir objetivo y visor. Ello es quizá responsable de esos 2 mm más de altura, pero también les permitió a los creadores de la LC-A desarrollar un visor un poco más grande.

El distinto diseño de este componente clave es el que hace que las palancas de ajuste de valores de diafragma / modos de exposición y modo de enfoque tengan ubicaciones algo distintas en la cámara japonesa y la soviética. Los cuerpos de la cámara son en plástico en la CX-2 y en plástico con algún panel metálico en la LC-A –ahí están esos gramos de diferencia– un poco más toscos en la segunda que en la primera, pero no malos.

En los dorsos se aprecian las enormes similitudes, incluso en la ubicación de los tornillos. El similcuero es más elaborado en la CX-2, pero la rueda de avance de la película es calcada en la LC-A © Albedo Media

Sin embargo, los responsables de Cosina estaban más seguros del ajuste y estanqueidad a la luz de su cámara que los de LOMO, ya que solo para esta segunda se emplearon juntas de gomaespuma. Nefasto material que como se ha demostrado típico para las cámaras de la época, se había descompuesto por completo y hemos tenido que eliminarlo trabajosamente y reponer con juntas nuevas cortadas a medida. Pero, ¡ojo!, no se trata de un tema exclusivamente “soviético”: la mayoría de cámaras japonesas de la misma época, incluso de alta gama, ha sufrido el mismo problema.

La historia y la leyenda

La marca LOMO –creada el uno de enero de 1965– viene de “Unión Óptica y Mecánica de Leningrado”, anteriormente “LOOMP” –”Unión de Empresas Opto-Mecánicas de Leningrado”– cuando GOMZ pasó en 1962 a recibir ese nombre. ¿Qué era GOMZ en su origen? Con origen en 1914, en Leningrado, para crear dispositivos ópticos para el ejército, tras la segunda guerra mundial, GOMZ se benefició de la maquinaria alemana recibida como “reparación de guerra”, en otras palabras, como botín derivado del saqueo de las fábricas alemanas.

Pero, además, a esas piezas, materiales y maquinaria acompañaba un “paquete tecnológico” muy interesante: profesionales y científicos germanos, que, bien fueron invitados a la rusa a permanecer en Leningrado, bien decidieron que su porvenir era más seguro allí que en occidente, enfrentándose a un proceso de “desnazificación”, con todos sus riesgos.

Toda la historia oficial de LOMO y la Lomografía –un tanto hagiográfica– la podamos encontrar en el enlace no menos oficial, y quizá resulte saludable comentar que a ese enlace se llega desde Wikipedia, en una página en la que figuran las advertencias siguientes:

  • The neutrality of this article is disputed“: esto es, “Existen discrepancias acerca de la neutralidad de este artículo”
  • This article contains content that is written like an advertisement“: esto es, “Este artículo incluye contenido que está redactado como un anuncio comercial”.

No es menos cierto, además, que –por lo menos nosotros– nunca hemos llegado a conocer los nombres de los estudiantes de Viena que “descubrieron” las LOMO en un viaje a Rusia y que, con su entusiasmo, a la vuelta, habrían sembrado las semillas de la Lomografía. Resulta interesante la anécdota de que, tras el cese oficial de la producción de las LOMO en 1995 –la fábrica se privatizó en 1993–, la leyenda cuenta que los responsables de la LSI, convencieron al entonces alcalde de San Petersburgo, donde se localizaba por entonces la producción de las LOMO, para que el montaje siguiese, merced a un descuento en los impuestos cargados a la fábrica. Ese alcalde sería un tal Vladimir Putin. Para añadir más misterio al asunto, se dice que Ilya Klebanov, el director de LOMO, pasó a ser más tarde ministro…

El emblema de GOMZ nos habla de trayectorias de rayos de luz en prismas © Albedo Media

Existe otra versión más “underground”, y es que –al menos en los primeros años tras el cese oficial en la producción y antes de pasar ésta a China– el suministro de cámaras LOMO hacia occidente se hacía merced a la producción privada de unos pocos ex-operarios que habían “adquirido” en su momento piezas suficientes para ello. Si esto puede resultar extraño para algunos, podemos comentar que al parecer se trata de una larga tradición, que se dio también –por aquellos tiempos– en firmas tales como Minox –época de Riga– y Leica –prototipos–, entre otros.

Pero desde nuestro punto de vista, pensamos que la realidad probablemente no se conocerá nunca. Desde luego, sería curioso poder acceder a toda la documentación oficial de creación de la LSI, saber qué nombres aparecen allí y si entre ellos figura –o no– alguno de los famosos estudiantes austríacos, que para nosotros –qué le vamos a hacer– siguen siendo, a día de hoy, una entidad un tanto fantasmagórica.

Un ejemplo de lo importante que es un buen marketing, acompañado de una no menos buena historia, en el sentido de relato, es que hoy en día las cámaras LOMO LC-A son uno de los mayores mitos del equipamiento fotográfico, mientras que el original del que se copió, la Cosina CX-2, es muy poco conocido. Y no menos importante es el papel que ha cumplido hasta ahora Lomography en el mantenimiento del interés en la fotografía analógica, aún dentro de un nicho especialmente particular.

Y a todo esto, ¿qué tal rinden de verdad las LOMO LC-A, más allá del mito? ¿Y en relación a las originales Cosina CX-2? Lo veréis, esperamos, que a no mucho tardar.

(1) Los que estén entusiasmados con las “dobles focales” de sus terminales móviles, deben saber que eso es un invento muy antiguo. Sin hablar de cámaras históricas las compactas para película incorporaron en los años 90 (siglo XX) doble focal con distintas soluciones técnicas. También existieron objetivos para cámaras SLR, de doble focal, no zoom.

(2) La diferencia principal, radicaba en el objetivo, que en la CX-1 era un 35 mm f/3,5 de cuatro elementos en tres grupos, un esquema más sencillo que el de la CX-2

(3) Este pequeño winder CX-W, permitía hacer “correr” a la CX-2 a 1,2 fps, sin necesidad de apartar la mirada del visor.

(4) Aproximadamente un 6,3% más en volumen.

(5) En lo que se refiere a tiempos de exposición largos, la LC-A de LOMO llega hasta dos minutos, al tiempo que para la CX-2 se indican dos segundos como el tiempo más largo.

(6) En nuestra unidad –a pesar de estar muy cuidada– la palanca del autodisparador hace tiempo que se perdió y solo queda el zócalo para la misma.

Categorías: Fotografía

Panasonic desmiente que la división de cámaras esté en peligro de desaparecer

Xatakafoto - Lun, 27/03/2017 - 11:05

El rumor saltó el pasado sábado cuando el medio japonés Nikkei contaba que Panasonic podría estar meditando la posibilidad de desmantelar su división de negocio dedicada a las cámaras digitales. Esta medida formaría parte de un plan de reestructuración ya anunciado y tendría como finalidad subsanar las pérdidas sufridas en algunas de sus divisiones actuales. La noticia, difundida después por diversos medios nacionales e internacionales, acaba de ser desmentida oficialmente por la propia Panasonic.

Según Nikkei, la compañía necesitará algo más que recortes para ser rentable dentro de una industria en constante cambio. Así, Panasonic estaría buscando entrar en nuevos sectores que le ofrezcan nuevas vías de crecimiento y le aeguren la supervivencia, siguiendo la misma receta que ya se ha aplicado en anteriores ocasiones para restaurar la salud del gigante asiático. Dentro de estas medidas, lideradas por su presidente Kazuhiro Tsuga, estaría la de desmantelar tres unidades de negocio deficitarias, entre ellas la de cámaras digitales, que sería reducida en número (incluyendo de empleados, claro) y colocada bajo el paraguas de otras divisiones.

Ante estas noticias, Panasonic España nos ha hecho llegar un breve comunicado en el que afirman que “el contenido del artículo publicado por el periódico Nikkei el 25 de Marzo no corresponde a ningún comunicado de la firma. Panasonic anunció el 28 de Septiembre de 2016 una reorganización de sus líneas de negocio de Imagen Digital B2C y DECT. A partir del 1 de abril de 2017, estas dos líneas de negocio pasaran a operar bajo Panasonic Appliances Company. Este cambio se efectúa con el propósito de acercar la marca a sus usuarios, reforzar sus gamas de producto y continuar desarrollando y promoviendo dichas líneas de negocio”.

Por supuesto nosotros no podemos aportar mucho más, sólo esperamos que efectivamente la noticia no se confirme por lo negativo que sería para el que es uno de los actores más animados dentro del actual mercado fotográfico. Además, sería algo muy negativo para el formato Micro Cuatro Tercios y que, como vemos, no vive su mejor momento.

Página web | Panasonic

En Xataka Foto | Panasonic Lumix GX800, análisis: Una pequeña sin espejo para usuarios sin grandes exigencias

Foto de portada | Stand de Panasonic en la Photokina 2016

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La noticia Panasonic desmiente que la división de cámaras esté en peligro de desaparecer fue publicada originalmente en Xataka Foto por Óscar Condés .

Categorías: Fotografía

‘Wannabe’, de Elisa González

DSLR Magazine - Lun, 27/03/2017 - 10:25

A día de hoy, las relaciones interpersonales presentan varios factores diferentes para su ejecución. En un mundo donde las inseguridades pueblan nuestras mentes, la timidez o la incapacidad a la hora de establecer relaciones con nuestros semejantes –sean del tipo que sean– afectan cada vez más al ser humano. Buscamos la perfección en las personas con las que nos relacionamos, y si no la encontramos, o bien intentamos modificar las conductas que no nos gustan, o bien seguimos buscando hasta dar con ella.

Las imágenes del proyecto harán dudar al público sobre si lo que ven es una mujer real o se trata de una de estas lovedolls © Elisa González

En Japón, donde el respeto al prójimo es una norma básica de convivencia –principalmente por razones demográficas– el fenómeno de las lovedolls está causando furor. Se trata de muñecas extremadamente realistas que se utilizan con fines sexuales y cuyo comprador puede personalizar hasta el extremo. Y esto ha servido a la fotógrafa madrileña Elisa González para comenzar su proyecto “Wannabe“, que analiza la obsesión por la perfección física tomando como punto de partida este singular fenómeno y contraponiendo imágenes de estas muñecas frente a imágenes de mujeres reales que harán dudar al público sobre lo que es real y lo que no.

Wannabe es un relato sobre la perfección física, las identidades, las relaciones interpersonales y la cosificación. Y empezar en Japón supone un análisis de cómo una sociedad puede influir en el comportamiento de sus miembros. No sólo se analiza la figura del comprador de estas lovedolls y sus motivaciones, sino que el proyecto también se centra en cómo las mujeres japonesas intentan parecerse cada vez más a estas muñecas, anatómicamente perfectas pero carentes de razonamiento propio y personalidad humana. Utilizando como elemento simbólico el pez globo, la fotógrafa madrileña compara este elemento con el inconsciente de estas mujeres, que se ven obligadas a seguir los cánones estéticos que la sociedad japonesa les impone.

Las lovedolls pueden ser personalizadas hasta el más mínimo detalle por sus compradores © Elisa González

La editorial La Fábrica edita ahora este proyecto en fotolibro, que podremos adquirir en la propia tienda online de la editorial o en su tienda física de la calle Alameda de Madrid.

Categorías: Fotografía

¿Peligra la división de cámaras digitales de Panasonic?

DSLR Magazine - Lun, 27/03/2017 - 09:41

Según detalla Nikkei, Panasonic estaría dispuesta a desmantelar su división de cámaras digitales como tal, dentro de los planes de reestructuración previstos por la compañía para subsanar las pérdidas de seis de sus actuales divisiones.

© Panasonic

El presidente de la compañía, Mr. Kazuhiro Tsuga, debe hacer frente a las recientes caídas de beneficios de la empresa, por lo que se estaría considerando desprenderse de aquellas divisiones no rentables, entre las que se encuentra su división fotográfica. Años atrás, Panasonic hizo lo propio con otros mercados, abandonando la producción de televisores en EE.UU. y China, o la de smartphones en Japón. Según explica el prestigioso medio Nikkei, la firma no solo debe minimizar estas pérdidas sino aumentar los ingresos, mediante la exploración de otros mercados, tales como su reciente colaboración con Tesla para suministrar las baterías de sus automóviles.

Cámaras Micro Cuatro Tercios © Panasonic

Así pues, parece ser que la división fotográfica de Nikon no es la única que peligra. En efecto, los conocidos problemas financieros de esta última supusieron el reciente desplome de sus acciones, así como la cancelación de la fabricación de su serie DL. De confirmarse estos planes de reestructuración por parte de Panasonic, esta se enfrentaría a una situación similar a la de su compatriota. En el peor de lo casos, podría seguir los pasos de la surcoreana Samsung, que abandonó –silenciosamente– el mercado de cámaras digitales –y que, en su momento, parecía que traspasaría su tecnología a Nikon–.

Gama de ópticas Micro Cuatro Tercios © Panasonic

Esto dejaría a Olympus como único representante de peso del sistema MFT –Micro Cuatro Tercios–, que sufriría un importante revés, pues perdería a uno de sus socios más activos. Queda por ver, no obstante, cuáles son las consecuencias reales de esta reestructuración, pues también se comenta que la división de cámaras podría pasar a operar bajo el paraguas de otras divisiones, lo que implicaría seguramente operar con presupuestos más limitados así como focalizarse en los productos más rentables.

Fuente: Nikkei – Asian News

Actualización – En relación con esta noticia, Panasonic España nos ha escrito para dar su postura oficial al respecto, la cual transcribimos más abajo de manera literal:

“El contenido del artículo publicado por el periódico Nikkei el 25 de Marzo no corresponde a ningún comunicado de Panasonic.
Panasonic anuncio el 28 de Septiembre de 2016 una reorganización de sus líneas de negocio de Imagen Digital B2C y DECT. A partir del 1 de abril de 2017, estas dos líneas de negocio pasaran a operar bajo Panasonic Appliances Company. Este cambio se efectúa con el propósito de acercar la marca a sus usuarios, reforzar sus gamas de producto y continuar desarrollando y promoviendo dichas líneas de negocio.”

Categorías: Fotografía

Milagros Caturla es la fotógrafa que realizó 'las fotos perdidas de Barcelona'

Xatakafoto - Lun, 27/03/2017 - 08:25

El pasado mes de enero os contábamos el caso de un norteamericano que hace unos quince años compró un sobre con negativos fotográficos y, tras revelarlos y comprobar la calidad de las fotografías, decidió tratar de buscar a su autor. Pues bien, el enigma por fin se ha resuelto.

La historia de Tom Sponheim, que así se llama el turista que compró los negativos, fue bautizada como 'Las fotos perdidas de Barcelona' y también como "la Vivian Maier catalana". Pues bien, curiosamente la autora de las imágenes efectivamente es una mujer que tampoco ejerció nunca de fotógrafa: Milagros Caturla.

Milagros Caturla

Tras el anuncio de búsqueda fueron muchos los investigadores y los amantes de este tipo de historias quienes se pusieron a buscar a el/la fotógrafo/a que hizo las geniales imágenes. Una de estas investigadoras es Begoña Fernández, que es la persona que ha despejado la incógnita tras un laborioso trabajo de investigación, tal y como nos cuenta El Periódico.

Milagros Caturla

Milagros Caturla (1920-2008) fue, como Vivian Maier, una fotógrafa que nunca ejerció de tal y que dio rienda suelta a su creatividad capturando allá por la década de 1960, con su Leica M2, las maravillosas imágenes que se dieron a conocer a principios de este siglo. Fotografías que estoy seguro van a dar mucho que hablar en los próximos meses. De hecho parte de su trabajo podrá verse a partir del 19 de mayo en el Festival Revela’t.

Más información | Las Fotos Perdidas de Barcelona

Foto de portada | Milagros Caturla

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La noticia Milagros Caturla es la fotógrafa que realizó 'las fotos perdidas de Barcelona' fue publicada originalmente en Xataka Foto por Chema Sanmoran .

Categorías: Fotografía

Realiza fotografías macro con un foco total

DZoom - Lun, 27/03/2017 - 08:00

Es muy normal que al hacer fotografías con un lente macro, la profundidad de campo sea reducida, incluso recurriendo a un diafragma cerrado tipo f/16.

Sin embargo existe un truco donde los software de edición son un gran aliando: se trata de apilar imágenes. El foco en toda la toma está garantizado. ¿Quieres saber cómo? Pues, ¡sigue leyendo!...


Ingredientes
  • Necesitas un objeto que quieras fotografiar con tu lente macro. Incluso puedes hacerlo con un lente distinto; ¡el truco acepta diversas ópticas!. Busca también un fondo interesante. Tal vez uno neutro sea una buena idea para comenzar esta técnica.
  • Un trípode y un cable disparador, control a distancia ó pedir a tu cámara que dispare tras unos segundo. La idea es que no muevas la cámara ni de sitio ni que provoques vibraciones durante la toma.
  • Software de edición de fotografías. Existen muchos. En esta caso utilice la última versión de Photoshop CC 2014.

Método

La primera toma que hice para ilustrar este ejercicio fue a una antigua cámara fotográfica. Un diafragma 16 dio algo de profundidad, pero no lo suficiente para lograr que todo mi objeto quedara en foco. Alguna vez tuve una cámara 4x5 y su fuelle seguramente hubiera solucionado esto. Pero hoy en día hay que sacar provecho a la tecnología digital.

La mecánica para obtener una profundidad de campo amplia, o un foco completo en todo el objeto, va por la idea de realizar diversas tomas haciendo uso de distintos puntos focales en tu lente. Es decir, cada vez que hagas clic, cambias el foco de sitio (sin mover nunca la cámara). Una vez que tengas las tomas (pueden ser tantas como quieras), se apilarán en el ordenador en un único archivo. Digamos que cada foto participará con su porción de nitidez para conformar un foco colectivo. El pixel unido, jamás será vencido. Pero vamos por partes.


Fotografiando el objeto
  1. Colócalo en el fondo que has elegido y busca su mejor perfil. Si deseas, ilumínalo con flash, algún foco o bien, con luz natural, pero nunca cambies el tipo de iluminación en cada toma. Si deseas tener sombras suaves, utiliza algo que refleje la luz y te ayude a no tener mucho contraste. En mi caso mi antigua cámara maltratada y sucia me otorgaba grietas y polvo, asunto que me resultó suculento para exprimir toda la nitidez en cada centímetro de aquellas marcas de tiempo y olvido. Aproveché la luz natural y papel blanco como reflector. Es decir, no me compliqué la vida y aun así, logré tener una iluminación bastante decente.
  2. Encuadra la toma. No olvides trabajar con trípode. Para que el proceso posterior en el ordenador funcione, es necesario que cada fotografía que realices no cambie de posición.
  3. Utiliza todo en manual. La exposición en cada toma debe ser la misma. Un diafragma 8 puede ser una buena idea para evitar problemas con la difracción y selecciona un ISO bajo para tener la mejor calidad posible. La velocidad de disparo dependerá del resto de ajustes que has creado. Mi diafragma fue un 8, ISO 100 y un segundo y medio de velocidad.
  4. Realiza las tomas colocando tu punto focal en distintos sitios del objeto. Puedes enfocar lo que tengas más cerca de ti e ir modificando el foco al punto más lejano. Puedes tener seis fotos, o nueve o si eres paciente, muchos más archivos. Eso sí, mientras más tengas, mas harás trabajar a tu ordenador posteriormente. Yo comencé de adelante hacía atrás.

Trabajo digital
  • En mi caso, abrí los archivos en Bridge CC y sin modificar nada (es que hice muy bien las cosas al iluminar ;-) los pasé a Photoshop CC. Si necesitaras ajustar algo en Bridge, no olvides procesarlos a todos por igual.
  • Una vez que todos tus archivos están abiertos al mismo tiempo en Photoshop dirígete a Archivo-Secuencias de comando-Cargar archivos en pila.
  • Te aparecerá un cuadro llamado “Cargar Capas”. Elige la opción “Añadir archivos abiertos”; selecciónalos todos (en mi caso eran seis archivos) y sin dar clic a ninguna otra opción, da “ok”. El tiempo de trabajo de tu ordenador dependerá de cómo lo tengas dotado de memoria, procesador, etc.
  • Se creará un nuevo archivo con una capa por cada fotografía que has realizado. Selecciona todas estas capas y busca “alinear capas automáticamente” que encontrarás en Edición. Da clic a “automática” y “ok”. Se paciente, el ordenador puede necesitar un tiempo largo en terminar esta instrucción. Lo sé, los de Mac no tenemos ese tipo de problemas :-).
  • Lo siguiente es fusionar las capas. Para ello ve a Edición y selecciona “fusionar capas automáticamente”. Se abrirá un cuadro de dialogo: elige “apilar imágenes” y da “ok”.
  • Finalmente, tendrás tu foto con una profundidad de campo muy amplia. Puedes trabajar la foto final a tu gusto. Antes acopla las capas y venga, a modificar contraste, saturar, mover niveles… lo que desees.

En mi caso, desenfoqué todo el fondo gris con el filtro Desenfoque Gaussiano y modifiqué curvas. Eso sí, opté por no enfocar un detalle en el primer plano para crear algo de profundidad, aunque más bien deseaba seguir la filosofía de los indígenas Huicholes: siempre mantienen un pequeño error en su arte; dicen que sólo Dios puede hacer las cosas perfectas.

En un primer momento, puede ser que tantos pasos se te vengan encima y prefieras no volver a tener un objeto fotografiado con una profundidad de campo de campeonato. Pero la segunda vez que lo utilices, seguro que verás que se trata de una técnica que merece la pena utilizar para sacar algo más de provecho al lente con que cuentas. Como ves, no es necesario comprar cámaras de fuelle para tener un objeto nítido en cada una de sus esquinas. Es cuestión de aprovechar el laboratorio digital, donde la técnica y algo de magia, se unen a tu favor.

En poco más de dos décadas, Carlos Sánchez Pereyra, ha vivido de la misma manera, y la formula aún no se agota. La cámara decide algunos destinos que el alma viajera acepta. Sin embargo, los roles tienden a intercambiarse sin problemas. A partir de esta forma de vida, ha conformado también su ámbito profesional, lo que lo ha llevado a recorrer gran parte de América y Europa. Su reportajes se publican en diversos medios como National Geographic Traveler Latinoamérica y está representado por tres importantes agencias de fotografia relativas al tema, Getty Images, AGEfotostock y Axiom Photographic. En su web Fotouropa y en Facebook se pueden encontrar sus últimos trabajos.
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Categorías: Fotografía

Kirk Crippens

Fotógrafos en la red - Lun, 27/03/2017 - 08:00

Kirk Crippens es un fotógrafo estadounidense (nació en Dallas, Texas, en 1971, vive en el área de San Francisco). Una gran parte de su obra explora la Gran Recesión, con proyectos que buscan la exclusión, la pérdida de empleo, y el colapso de los constructores de automóviles, y otra parte se centra en series de retratos de grupos de personas en su entorno característico.

 

© Kirk Crippens

Biografía

Kirk Crippens tuvo un comienzo temprano con la fotografía, inspirado por su padre, y su abuelo, que era un fotógrafo militar retirado y que mantuvo un cuarto oscuro en su casa. Estudió fotoperiodismo en la Universidad de Texas en Austin, trabajando en prestigiosos periódicos de todo Estados Unidos.

Con sede en San Francisco desde 2000, centró ya sus esfuerzos en proyectos personales. Ha expuesto ampliamente desde2008 en exposiciones individuales y colectivas, siendo nombrado Top 50 Photographer en el Photolucida’s Critical Mass de 2010 y 2011, nominado para el Eureka Fellowship Program 2011-2013, nominado al premio Photolucida’s book y ha participado en el Festival Internacional de Fotografía de Lishui, China. Ha sido artista en residencia en RayKo Photo Center en San Francisco y en el Newspace Center for Photography de Portland, Oregón.

Sus proyectos tratan principalmente de retratos que identifican a la gente en su entorno particular, como en Hidden Population, una serie de retratos sobre reclusos de San Quentin, o en Portraitlandia, en la que utilizó una cámara fotográfica 4x5” con película sobre la gente de Portland, una rica ciudad estadounidense de Oregón, que se enorgullece de promover el individualismo, inspirado en una popular serie de comedia televisiva, Portlandia, que santifica a esta ciudad de 600.000 habitantes como centro de la política liberal y estilos de vida alternativos. Su mezcla de personajes imaginativos sugiere un alto nivel de reinvención personal y tiende a confirmar a Portland como un paraíso consumista.

Referencias

 

Libros
Categorías: Fotografía

Markus Andersen

Fotógrafos en la red - Dom, 26/03/2017 - 08:00

Markus Andersen es un fotógrafo australiano (nacido en Sídney, donde vive) cuya práctica artística engloba obras documentales, de retrato y conceptuales, que emplean todas las formas de fotografía analógica y digital.

 

© Markus Andersen

 

 

Biografía

Markus Andersen estudió arte en la escuela secundaria y su primera exposición a la fotografía como forma de arte fue el uso de una Nikon F M2 prestada y una lente de 50 mm para crear imágenes abstractas en negativo en color. Ojeando National Geographic y revistas de fotografía de niño quedó fascinado por la luz, la composición y el relato de historias.  Posteriormente estudió fotografía a tiempo completo, obteniendo un título del Sydney Institute Of Technology antes de convertirse en fotógrafo independiente.

Después de muchos años de pulsar botones para otros, tomó en 2012 la decisión consciente de comenzar a concentrarse en sus imágenes personales, así como en trabajos de filmación para exposiciones y libros.

Realiza rápidamente sus imágenes pero éstas revelan múltiples niveles de composición que Andersen captura a nivel intuitivo, buscando elementos que agreguen un estado de ánimo a la imagen y sus decisiones creativas las toman en un instante. Dispara rápido, con un encuadre determinado y se mueve rápido, como si intentara capturar un rayo en una botella, y fotografiando los elementos de luz, sombra y sujeto bailando juntos en unidad dentro del encuadre.

Su trabajo se ha exhibido en Nueva York, París, Estambul, Toronto, Sídney y el Reino Unido. Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas y públicas. El cineasta Rob Norton dirigió recientemente un mini documental titulado Into the Belly of the Beast sobre su trabajo callejero en Sídney y su filosofía subyacente.

Es miembro del colectivo Tiny Collectiv, una cooperativa internacional de fotógrafos de calle, con miembros en Nueva York, París, Estambul, Toronto, Zagreb, San Francisco, Los Angeles, Oakland, Atlanta y Sídney.

En su época más actual se ha centrado en 3 cuerpos de trabajo:

  • un proyecto de un año de duración en un suburbio de Sídney con una historia algo polémica, realizado con equipo digital y de película Fuji,
  • otro proyecto basado en las playas de la costa oriental de Sídney filmados enteramente con diversas cámaras Lomo y Diana con película de 35mm y 120, y
  • su trabajo de calle en blanco y negro con sus cámaras MP y M4 de Leica.

 

 

Referencias

 

 

Libros
  • Rage Against The Light, 2015/16.
  • Cabramatta: a moment in time, 2017.
Categorías: Fotografía

Descarga las fotos que necesites en RAW para practicar edición y retoque

Xatakafoto - Sáb, 25/03/2017 - 20:47

Un portal llamado Wesaturate ofrecerá a partir del 17 de abril la posibilidad de descargar fotos en formato RAW para aquellas personas que necesitan practicar el retoque digital y o no tiempo para hacer sus fotos o las que tienen no les sirven para lo que necesitan.

Lo primero que me vino a la cabeza al leer la información de este portal fue "si quiero una foto en RAW para practicar, ¿qué me impide a mí hacerla" y aunque mi razonamiento es correcto también lo es que no todo el mundo está tan ocioso como yo y que, a veces, al querer practicar cierto tipo de retoque no tienes la imagen más apropiada entre tus imágenes para hacerlo.

Aquellos estudiantes de fotografía de moda, y también los fotógrafos entusiastas a los que les gusta aprender a retocar, me entenderán cuando digo lo necesario que es aprender a hacer selecciones para separar el fondo y lo complicado que es en algunas ocasiones. A veces si intentamos seguir los consejos de los que saben podemos darnos cuenta de que no tenemos "la foto ideal" para practicarlo. Wesaturate propone un banco de imágenes enfocado al aprendizaje.

De momento los fotógrafos podrán descargar fotos RAW y JPG de forma gratuita bajo Licencia Creative Commons, además, poco a poco los gestores de la página irán engordando el portal con un blog en el que habrá consejos, trucos y técnicas de retoque y las imágenes que se usen en esos tutoriales podrán bajarse de la página.

La fecha estimada para el pistoletazo de salida de esta iniciativa es el 17 de abril, hasta entonces en la portada de la página los visitantes pueden dejar su correo electrónico para recibir los avisos y anuncios del portal y podrán, si quieren, descargarse una única imagen que los creadores han colgado como cortesía.

Más info | Wesaturate

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La noticia Descarga las fotos que necesites en RAW para practicar edición y retoque fue publicada originalmente en Xataka Foto por Chema Sanmoran .

Categorías: Fotografía

‘Small World’, un libro que recopila las icónicos y tiernas fotos de bebés de Anne Geddes

Xatakafoto - Sáb, 25/03/2017 - 11:00

¿Quién no ha visto alguna vez alguna de las famosas fotografías de bebés de Anne Geddes? Su estilo nos puede gustar más o menos pero no podemos negar el alcance que han tenido sus imágenes en todo el mundo. Para todos sus seguidores, Taschen lanza un volumen fotográfico titulado ‘Small World’ en el que se hace un repaso por toda la obra de esta fotógrafa australiana, incluyendo imágenes inéditas.

Corinne holding Alexander, 3 weeks, Auckland, 2001. Foto de Anne Geddes

Desde luego es indudable la popularidad de sus icónicas imágenes y el hecho de que cambiara la forma de fotografiar bebés en todo el mundo. Así, que sus fotos aparezcan en pósteres, rompecabezas, aplicaciones, calendarios o prendas de vestir en casi cualquier lugar del mundo es algo que ha estado al alcance de muy pocos fotógrafos de la historia. Por eso, ‘Small World’ puede ser una buena oportunidad de reconciliarse con el trabajo de una mujer que se ha afanado en captar la belleza, pureza y vulnerabilidad de los niños.

Un bebé convertido en girasol, o disfrazado de conejito, o sobre una alfombra de plumas… Sus retratos infantiles se han convertido en una marca por sí misma como se puede contemplar en este nuevo volumen de Taschen que hace un repaso a toda su obra, desde que empezara a finales de los 80. El libro, que cuenta con numerosas imágenes inéditas y que, según sus editores, se presenta no sólo como homenaje de “una estética caprichosa y entrañable, sino también de la filosofía subyacente en defensa de los más pequeños y vulnerables, quienes son, en definitiva, el futuro de la humanidad”.

Portada de la edición Italiana/Española/Portuguesa

‘Small World’, de Anne Geddes, es un volumen en tapa dura con un tamaño de 29 x 37,4 cm y 238 páginas y se podrá adquirir, a partir de mayo, en librerías o en la página web de Taschen por 49,99 euros.

Más información | Taschen

En Xataka Foto | ‘The Golden Decade’, el libro que recoge la herencia de la escuela fundada por Anselm Adams

Foto de portada | ack holding triplets Charleé B, Susanna, and Jaclyn, 9 weeks, Auckland, 1999. Foto de Anne Geddes

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La noticia ‘Small World’, un libro que recopila las icónicos y tiernas fotos de bebés de Anne Geddes fue publicada originalmente en Xataka Foto por Óscar Condés .

Categorías: Fotografía

Sofía Ayarzagoitia

Fotógrafos en la red - Sáb, 25/03/2017 - 08:00

Sofía Ayarzagoitia es una fotógrafa mejicana (nacida en 1987 en Monterrey, Nuevo León, donde vive). Una gran parte de su trabajo gira en torno a la intimidad y a los temas que surgen de ella, manteniendo el vínculo necesario entre el arte y la vida. Trata de explicar su viaje existencial y psicológico, mientras explora también la delgada línea entre los recuerdos, la ficción, el tiempo y el espacio.

 

© Sofía Ayarzagoitia

 

 

 

Biografía

Sofía Ayarzagoitia estudió fotografía en LCI en Monterrey,  fotoperiodismo en 2012 en la Escuela José Martí en La Habana, Cuba, y en 2015/16 realizó el Master Europeo de Fotografía Artística de IED en Madrid. Desde que en 2012 obtuvo el premio Casa de la Cultura de Monterrey, ha expuesto colectiva e individualmente en México, Polonia, … publicado su fotografía y conseguido ser en 2016 Foam Talent, ganadora de la competición de photobooks en La Fabrica en Madrid, una beca de la Chung Ang University de Corea del Sur y ganadora de la XVII Bienal de Fotografía Centro de la Imagen de Ciudad de México.

Sofía está interesada en la fotografía que tiene algo de perfomance pero que deriva del patrimonio documental. Esta frontera con la perfomance se extrae de la relación empática que comparte con sus sujetos fotografiados. Incluso aunque ella nunca aparezca en las fotografías, el trabajo siempre se refiere a ella, no sólo a través de textos, sino también a través de esta relación.

Every night temo ser la dinner es un diario fotográfico, a través de micro-narraciones no lineales, de vivencias recogidas por su cámara, en el que la fotógrafa recoge un total de once encuentros con hombres, realizados durante su estancia en Madrid entre 2015 y 2016. La maqueta ha sido publicada por La Fábrica y forma parte de su catálogo editorial

 

 

Referencias

 

 

Libros
Categorías: Fotografía

‘Xtumirada’, de Cuco Cuervo, retratos "manipulados" que nos abren los ojos ante el Síndrome de Down

Xatakafoto - Vie, 24/03/2017 - 14:51

Cuco Cuervo es un fotógrafo especializado en moda que está acostumbrado a que por delante de su cámara pasen personajes muy conocidos del mundo de la música, el cine, la televisión y el deporte. Un buen día, en un paso de peatones, se fijó en un chaval con Síndrome de Down y se dio cuenta de que el principal rasgo físico de estas personas eran sus ojos rasgados... Así que se le ocurrió una idea: ¿qué pasaría si intercambiáramos la mirada de un famoso con la de una persona afectada por esta discapacidad?

Tres años y mucho trabajo después, y con el respaldo de un montón de famosos y varias organizaciones relacionadas con esta discapacidad, aquella idea se ha materializado en ‘Xtumirada’, una serie de fotografías que es la base de una campaña de carácter solidario cuyo objetivo es "cambiar la forma en que la sociedad percibe a las personas con Síndrome de Down, invitar a la gente a desprenderse de prejuicios y falsos mitos, y abrir sus ojos ante las personas con este trastorno genético".

Se trata, como véis, de una serie de 150 retratos dobles de gran impacto. Y es que sin duda resulta muy llamativo ver cómo se mezclan rostros tan populares como los de Íker Casillas, Clara Lago, Antonio Orozco, Vanesa Romero, Sergio Ramos, Dani Rovira, David Bustamante o Arturo Valls con otros desconocidos y que presentan los rasgos característicos de las personas con Síndrome de Down.

Aquí os dejamos con una muestra de ellas pero todas las fotografías pueden disfrutarse en una exposición que estará abierta hasta el siete de abril en el edificio Castellana 81 de Madrid, y que viajará durante el próximo año por distintas ciudades españolas.

Cuco Cuervo | Página web | Instagram

En Xataka Foto | ‘Rimas de reojo’, un “poema de amor fotográfico” de Alex Webb y Rebecca Norris

Fotografías de Cuco Cuervo reproducidas con permiso del autor para este artículo

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Categorías: Fotografía

Marvel’s Iron Fist

DSLR Magazine - Vie, 24/03/2017 - 12:00

èEse reducto de entretenimiento que es Netflix, ahora que la tele de toda la vida agoniza lentamente, retoma su coalición con el monstruo multinacional del ocio ligero que es la Marvel/Disney. Y así, acaba de presentar a su cuarto superhéroe con serie propia, dentro de un plan de crossover que parece minuciosamente trazado. Ya están, desde el viernes pasado, los trece capítulos de la primera temporada de Marvel’s Iron Fist, creada por Scott Buck, con Finn Jones en la piel del indomable Puño de Hierro –como se ha llamado, de toda la vida de Dios, en la edición española de la colección–.

Póster promocional de Marvel’s Iron Fist (Scott Buck, 2017) © Marvel Television, Devilina Productions, ABC Television Studio, The Walt Disney Company, Netflix

Hace quince años desde el accidente aéreo que hizo desaparecer a la familia Rand, propietarios de una de las multinacionales mayores del mundo, sobre la cordillera del Himalaya. Durante estos años, Rand Enterprises ha continuado con sus actividades, multiplicando sus beneficios… Pero en ese momento, un extraño forastero, con aspecto mendicante y modales obsoletos, aparece en Nueva York. Asegura ser Danny Rand, el vástago heredero del matrimonio. El pequeño Danny sobrevivió al accidente y, criado por unos monjes budistas de la ciudad secreta de K’un-Lun, ha vuelto de entre los muertos convertido en un experto en todos los estilos de kung-fú, en el arma viviente Iron Fist.

De esta manera arranca y se presenta al cuarto elemento en discordia que le faltaba a Marvel/Netflix por presentarnos. Tras dos temporadas de Daredevil, una de Jessica Jones y otra de Luke Cage, Marvel’s Iron Fist cierra el círculo preambular antes de la serie-crossover que se va a dar en titular The Defenders, y cuyo estreno aún no tiene fecha anunciada. La culminación de un proyecto televisivo de varios años con los que recrear un Universo Marvel diferente, sito en el interior del oficial, pero alejado de todo punto de las producciones de Kevin Feige.

Finn Jones interpreta al multimillonario Danny Rand, alias “Puño de Hierro” © Marvel Television, Devilina Productions, ABC Television Studio, The Walt Disney Company, Netflix

En estas, Iron Fist se sirve de los aciertos de sus predecesoras para deleitarnos con otra temporada completa que, si bien acaba de todo punto “abierta” –no voy a entrar en detalles, claro–, cumple su función de serie-eslabón sin arredramientos ni complejos de “hermana menor”. Así, podemos encontrar los mismos recursos que caracterizaban al resto de productos, haciéndolos despuntar en lo que a material dramático se refiere: un fotografía sin artificios en demasía, naturalista y cruda –obra, esta vez, de los habituales Manuel Billeter y Christopher LaVasseur–, unos personajes sufrientes con una trama dramática sita en la “vida real”, y una violencia explícita, no soslayada ni sublimada según la costumbre de los buenos justicieros enmascarados.

“Hay que darle crédito a Marvel por atreverse a hacer algo más oscuro”

Charlie Cox, protagonista de Marvel’s Daredevil

Para muchos, se ha perdido el esmero con el que cada coloso –Marvel y Netflix– venía construyendo las series de sus distintos muñecos, aunque para un servidor no llega a tanto. Simplemente queda más en evidencia –más aún que en la segunda temporada de Marvel’s Daredevil, frivolizada varios estadios para embutir “punisheres” y acercarla al concepto de la gran serie-evento; y más aún que las vueltas en espiral de Marvel’s Luke Cage– su condición de elemento cohesivo, de exordio para presentar al nuevo de la pandilla.

Luke Cage (Mike Colter), Daredevil (Charlie Cox), Jessica Jones (Krysten Ritter) y Iron Fist… “Los Defensores” de Netflix que vendrán © Marvel Television, The Walt Disney Company, Netflix

Es bien cierto que Daredevil tenía un look crudelísimo, cercano a la enajenación, muy a tono con las mejores etapas del personaje –que, daba la casualidad, suponían hitos en la historia del comic mundial–, que lo convertían en una suerte de delicioso The Wire (David Simon, 2002-2008) “frankmilleriano” y superheroínico. Como también es bien cierto que los setenteros homenajes, al noire en Marvel’s Jessica Jones, al blaxploitation en Marvel’s Luke Cage, plagados de referencias sociopolíticas, de ambigüedad moral y turbiedad generalizada, dotaban a las dos series siguientes de un empaque y una entidad de todo punto desmarcada del marvelismo “para todos los públicos”. Fuera de esta onda, Marvel’s Iron Fist, también es bien cierto, no aporta nada de nada. La historia, como ya hiciera en las viñetas, tan sólo viene a contribuir una vez más al mil veces repetido cuento del hombre blanco, puro como la nieve y con cualidades innatas, que se mete en berenjenales misteriosos fruto del llamado “terror amarillo” –no olvidemos que el tebeo es de los 70, pero no nos adelantemos–.

Esta temporada de Iron Fist, en su condición de link que no me cansaré de resaltar, viene a cubrir un hueco específico en el cumplimiento de la mitología –más bien, mitomanía– de su universo. Y, si bien aporta un cierto “aroma” al tinglado y sale airosa de una producción a todas luces más ajustada que sus predecesoras, cumple renqueante como parte de un pastel, tirando puntualmente de calzadores de buena fabricación, para meter lo que haya que meter. Pastel cuya guinda, ya veremos cómo va la cosa, supondrá ver a toda esta muchachada encarada a la Sigourney Weaver que, de momento, es lo único que se sabe de Los Defensores.

Para que se hagan una idea, resulta tan liviano y “a huevo” introducir al clan mafioso La Mano –que creara en los 80 Frank Miller para Daredevil y que ya conocerán los seguidores de su serie–, con torticero y “venga, sí” recuperar el personaje de Rosario Dawson; que, visto su peso en los anteriores títulos, tenía que estar “sí o sí”, consagrada ya como la “sidekick” grupal de los futuros Defensores –sólo faltaría que ahora se ausentase del evento–.

Nuevamente, Marvel’s Iron Fist aprovecha la temporada para presentar a otros superhéroes de reparto, como la letal Colleen Wing, interpretada por Jessica Henwick © Foto de Myles Aronowitz, Netflix Los créditos del opening perpetúan la tónica de las anteriores series, con una cuidada recreación en CGI que define al personaje © Marvel Television, Devilina Productions, ABC Television Studio, The Walt Disney Company, Netflix

Pero, antes de seguir citando personajes y elementos con nombre como de juguete, aprovechemos esta veta para hablar de la verdadera dificultad a salvar en la adaptación de un cómic tan intermitente e irregular como el de este Puño de Hierro.

El personaje nació de las mentes de Roy Thomas y Gil Kane, y en su momento fue editado por el guionista Christopher Priest. Su primera aparición aconteció en el número 15 de Marvel Premiere (1974), y el personaje tardó un tiempo en tener colección propia que, además, desaparecía y reaparecía según ventas allende las décadas. Precisamente con Luke Cage pondría una agencia de superhéroes a sueldo en la que posiblemente sea su mejor etapa, titulada Héroes de Alquiler. De esta empresa también formarían parte otros ínclitos que hemos visto en la saga Netflix. Algunos como Misty Knight, a la que vimos con el aspecto de Simone Missick en Marvel’s Luke Cage; o Colleen Wing, que en los tebeos era caucásica y pelirroja, y a la que han reinventado por completo –y con acierto– cobrando vida a través de la actriz Jessica Henwick. Hasta el mismísimo Daredevil repartió hostias con los Héroes de Alquiler en un intercambio continuo entre colecciones, números especiales, anuales, “Márveles” Team Up y demás carruseles del superhéroe; colecciones, más de cachondeo que otra cosa, para mantener en salmuera a los personajes que menos vendían. Vamos, que Danny Rand nació como secundario, y acabaría a lo largo de los años como marginal absoluto.

Muchos de los enemigos de tebeo de Puño de Hierro son otros flipados de las artes marciales, ansiosos por desposeerle de su título y reclamar su poder para hacer maldades. Por supuesto, todos acaban pillando a base de bien –nunca muertos– porque Danny es un arma viviente –no dejarán de oírlo, en cada capítulo–. Es un samurái rubio que ha conseguido una iluminación mágica derrotando al dragón Shou-Lao, que le ha regalado plena autonomía y control sobre su mente, su cuerpo y su espíritu. Pega tollinas como panes de hogaza con su mano luminosa y, a mala leche, es capaz de hacer temblar el mismísimo suelo. Lleva un dragón tatuado en el pecho –eso cabe en la serie que nos ocupa–, y un pañuelo-pirata a lo Tortuga Ninja con agujeros para ver igualitos que el Spiderman ese.

No podía faltar la enfermera Claire Temple (Rosario Dawson), tan dispuesta como siempre a apuntarse a un bombardeo © Marvel Television, Devilina Productions, ABC Television Studio, The Walt Disney Company, Netflix Como tampoco podía faltar la presencia de la veterana Wai Ching Ho, que de nuevo da vida a la enigmática y pérfida Madame Gao, líder de “La Mano” © Marvel Television, Devilina Productions, ABC Television Studio, The Walt Disney Company, Netflix

Vamos, que Danny Rand, ya desde su comienzo, era hijo del aprovechamiento del exploit cinematográfico imperante: el del cine de artes marciales. Sus pintas y colorines de mamarracho tenían sobrada cabida –la misma que la facha de Luke Cage– porque eran los setenta. A Bruce Lee ya le habían brotado veinte primos imitadores, y hasta en el último pueblo de La Mancha, la gente salía de los cines excitadísima, buscando un árbol al que pegarle una buena patada. Iron Fist es hijo absoluto de su tiempo, y sólo desde esa óptica –más bien caleidoscopio– puede observarse con objetividad el material nodrizo.

El personaje fue creado por Roy Thomas y Gil Kane, y su primera aparición tuvo lugar en el número 15 de Marvel Premiere, en 1974.

Sería precisamente Brian Michael Bendis, y digo “precisamente” porque su nombre no ha dejado de salir en toda esta colección de artículos superheróicos –se podría decir que, en términos autorales, desde hace diez años, Bendis es Marvel–, quien desempolvaría al personaje en su afán por resucitar -otra vez, precisamente– a Luke Cage, llevándolo, ni más ni menos, a la alineación de Los Vengadores en la colección donde comenzó a hacerse su prestigio como guionista imprescindible de la editorial. Más tarde, en la llama Era heroica de la editorial, y aún de la mano de Bendis, Puño de Hierro continuaría enriqueciéndose como carácter de ficción llegando hasta lo impagable. Claro está que toda esta maravilla es inadaptable –para que se hagan una idea, en la coalición de Vengadores de ese momento, Iron Fist está con gente como Spiderman o Lobezno… imposible en el audiovisual–, que sólo puede entenderse desde su rifirrafe intrínseco, desde su desparrame absoluto de personajes y mezcolanza de géneros que la complicidad de las colecciones septuagenarias de cómic permiten. Una locura, eso sí, que permitió traer al personaje de nuevo a primera línea.

De ahí, a llevarlo a la pantalla, con actores de carne y hueso, con sus leyes sociales que la propuesta del proyecto dicta –las de la vida, hay policías y los edificios no se pueden caer al tún-tún, básicamente– … hay un trecho. Un trecho muy difícil de superar. La crítica se ha deshecho en improperios, aludiendo al carácter más inverosímil de la propuesta. Muchos se han quejado de lo naif y tontunero, pero muy pocos se han parado a pensar en que dicha pobreza envuelta de disparates ya estaba en el material original –el tebeo– y que la adaptación del mismo era una tarea más ardua que ir a K’un-Lun un par de veces y volver.

De izquierda a derecha: los actores Tom Pelphrey, Finn Jones y Jessica Stroup en un fotograma de Marvel’s Iron Fist © Marvel Television, Devilina Productions, ABC Television Studio, The Walt Disney Company, Netflix

Y oigan, miren, no creo que se haya hecho mal. Si hacen el esfuerzo de no compararla con el resto, verán que el esmero es el mismo. Sólo que el personaje a adaptar “jugaba a la contra”. Y más, saber darle ese toque de original a la cuestión “superheroil”, y hacerlo desde una premisa tan hilarante como esta.

Qué gran premisa es, la del héroe queriendo reclamar su identidad privada. En Marvel’s Iron Fist, el protagonista ya es un héroe con nombre psicotrónico aceptado hasta por los malos –aquí no hay identidad secreta que valga– en el momento en el que comienza la serie. Su lucha será por recuperar su verdadero yo, oficialmente fallecido quince años atrás, el multimillonario y accionista mayoritario de Rand Enterprises al que todo quisque da por muerto. Todo el mundo sabe que ese chico rubio de pelo ensortijado que acaba de llegar a la ciudad es el prodigioso Iron Fist; ahora, sólo le quedará por demostrar que es Danny Rand. Y, mientras tanto, dormirá en un parque y andará por ahí descalzo, con la barba sin arreglar, comiendo mal, y sin duchar ni nada.

Y, desde luego, la gran trama secundaria que se extiende a lo largo de toda la temporada, y que entronca con la hamartía más profunda del personaje, exactamente igual que pasara con el Matt, la Jessi y el Luke, sigue siendo pura jauja. Sagaz, la manera de fabricar una “femme fatale sin querer” como el que supone Joy Meachum –y al que da vida Jessica Stroup–; mucho brillo en la ejecución del carismático David Wenham como pater familias, pero más brilla aún el riquísimo y versátil Tom Pelphrey en su composición de sociópata millenial. Una trama espeluznante, tan inquietante como llena de giros que, no por esperados menos violentos, de la que no les voy a contar absolutamente nada pero que tiene tanto sabor a las tramas made in Wall Street como al más puro Cronnenberg.

Y el personaje sigue siendo el que es, y por ello las críticas le lloverán también al pobre Finn Jones, Loras Tyrell de Juego de tronos que escupe las frases más adacadabrantes mientras hace aspavientos de Locomía entre ataque esquizoide y venada calenturienta, sin más afán que el conflicto para rellenar metraje. Y, en honor a la justicia, ante semejante Kung-fu-hipster, este muchacho sale airoso.

Los detalles para el fan “marvelzombie” no faltarán. Incluido el escandalóso uniforme original del comic (a la derecha), justificado de manera exquisita © Marvel Television, Devilina Productions, ABC Television Studio, The Walt Disney Company, Netflix ¡No tema! Abundan las secuencias de acción con sus coreografías de artes marciales, sus armas blancas, sus stunts y su todo © Marvel Television, Devilina Productions, ABC Television Studio, The Walt Disney Company, Netflix

Las citas al universo cinemático –al “grande”, me refiero– vuelven a recordarnos que también existen Iron Man, Hulk y compañía; la Dawson vuelve a “soltarlas” para ir abriendo boca, y la abogada Jeri Hogarth, que ya jugara con y contra Jessica Jones, también repite, de nuevo interpretada por Carrie-Anne Moss.

A este respecto, mucho más no se puede exigir. Se ha conseguido hacer cohesionar esta serie con las demás, a pesar de su inferioridad. Sin embargo, no se ha conseguido lo más fácil: la cohesión consigo misma. Esa falta de adherencia, más allá de hacerse notar, desinfla las tramas por momentos, hace centrar la atención en las carencias y en las vueltas de relleno –que toda serie tiene, dicho sea de paso–, y diezma de manera fatal, el ritmo. Ritmo que no deja de sufrir altibajos constantes. ¿Se debe quizá esto a una ausencia de… por llamarlo de algún modo, “estilo editorial”, marcado e inflexible? Poco bueno augura la cantidad de nombres entre los créditos en el apartado de realización. Porque en Marvel’s Iron Fist, otra cosa no, pero directores… Desde veteranos de Jessica Jones como John Dahl, quien también se ha cascado alguno de la forzosamente comparable Arrow (2012-en emisión) y rodara aquella rareza recomendable con Nicolas Cage y Dennis Hopper titulada Red Rock West (1993), el “regente” de Daredevil Andy Goddard (en sus episodios nos encontramos con las que quizá sean las mejores peleas del bloque), o el rapero reconvertido en cineasta RZA, cuyo filme como director/protagonista/debutante se titula El hombre de los puños de hierro (The Man with the Iron Fists . RZA, 2012), y que ya demostraba amar el rollo de las katanas y las artes marciales desde sus tiempos de Wu-Tang Clan. Estos, entre todo un popurrí de cineastas profesionales y artistas por encargo como Farren Blackburn, Uta Briesewitz, Deborah Chow, Miguel Sapochnik, Tom Shankland, Stephen Surjik… y un largo etcétera. Cada director, un capítulo.

Si pica… es que cura © Marvel Television, Devilina Productions, ABC Television Studio, The Walt Disney Company, Netflix

Quizá sea tal batiburrillo de directores el que haga que la cosa cojee por donde les digo. El nivel de las secuencias de acción difiere mucho de un capítulo a otro –ninguna, por supuesto, al nivel de Daredevil–, y los recursos narrativos, algunos incluso excesos como la pantalla partida por mor del viñeteado jamás conseguido, ni siquiera se repiten en un catálogo de estilos y referencias que hacen oscilar el tono producto, haciendo difícil ganar al espectador por simpatía. Por momentos, se ha de decir todo no pequemos de pacatos, se echa en falta una mirada con férrea impronta que haga una exposición adecuada. Exposición que sí está, y repetida, en el guion.

Con todo, ya les digo. Ni es tan mala como han sentido los decepcionados, ni se podía dejar al margen a este Señor Rand, por razones que desalentarían de todo punto al lector. Ni pasa nada de nada, porque todo está levantado en pos del evento Defensores. No nos vayamos a engañar ahora, que hace años que las superproducciones de Hollywood son una gran serie. Ya era hora de una gran serie, compuesta por otras series.

Lo que viene siendo “írsete la mano” © Marvel Television, Devilina Productions, ABC Television Studio, The Walt Disney Company, Netflix

Y bueno, los planes a largo plazo es lo que tienen. Así que… habrá que esperar a ver. Tiempo tienen, y material también. Tienen “la netflix” repleta de “márveles”.

Categorías: Fotografía

Atomos Ninja Inferno – Grabador externo 4Kp60

DSLR Magazine - Vie, 24/03/2017 - 11:00

Atomos, compañía especializada en accesorios para vídeo y cine, ha anuncia el nuevo grabador externo Ninja Inferno, con unas prestaciones equivalentes a su hermano de alta gama Shogun Inferno pero con la mitad de precio de este, especialmente indicado para los usuarios de la Panasonic GH5.

Ninja Inferno © Atomos

En efecto, tal como destacada Atomos en su nota de prensa, el Ninja Inferno permite eliminar las limitaciones internas de grabaciones de la Panasonic Lumix GH5 y aprovechar el potencial de su modo 4K 60p con una reproducción de color 4:2:2 de 10-bit en formatos ProRes o Avid DNxHR, a la vez que permite la monitorización HDR. Tal como señala la compañía, se trata de una combinación –Ninja Inferno + Panasonic GH5– muy potente a la vez que asequible –menos de 3.000 €– para aquellos usuarios que deseen producir en 4K HDR.

Ninja Inferno © Atomos

El Atomos Ninja Inferno dispone de una conexión HDMI 2.0 de tamaño completo para poder gestionar las señales 4Kp60, así como otro HDMI de salida para transmitir estas señales hacia otro monitor o visor externo. Además, su robusta carcasa dispone de espacio para dos baterías que se pueden intercambiar en caliente –hot swap–, así como una conexión para corriente alterna. Su pantalla LCD calibrada de 7″, con una alta luminosidad de 1.500 nits, dispone de una resolución de 1.920 x 1.200 píxeles, y permite visualizar las grabaciones tanto en formato Rec.709 como en HDR.

Ninja Inferno © Atomos

A parte de la mencionada Panasonic GH5, el Atomos Ninja Inferno acepta también las señales 4K DCI de otros cámaras como la Panasonic GH4 o la Sony FS7, pero también es compatible con los modos 4Kp30 de la Sony A7S, Sony A7R II o Canon 5D Mark III.

El precio del nuevo Atomos Ninja Inferno es de 995 $ –impuestos no incluidos–.

Más información en la nota de prensa oficial y en la página de producto del Atomos Ninja Inferno.

Categorías: Fotografía

Un simulador de cámaras en Realidad Virtual y una aplicación para hacer Bullet Time: así son los proyectos de Canon Labs

Xatakafoto - Vie, 24/03/2017 - 11:00

Imaginemos que desde casa pudiésemos probar los cuerpos de los últimos modelos de cámaras y objetivos de Canon antes de decidirnos a comprarlos o que queremos hacer tomas al estilo Mátrix desde muchos ángulos sin complicarnos, pues Canon Labs lo ha hecho posible.

Si en 2015 Canon nos sorprendía con un prototipo para realidad virtual un tanto extraño, a finales del año pasado lanzó este prototipo del que ya se conocen todos los detalles.

Canon VR Simulator

Se trata de un simulador de realidad virtual de cámaras de fotos y objetivos Canon para Oculus Rift.

Esta herramienta nos ofrece la posibilidad de probar una serie de cámaras Canon sin salir de casa, tan solo mirando a nuestro alrededor con las Oculus Rift, una vez que encontramos la composición que nos guste, escogemos los parámetros que más nos interesan y veremos como quedaría la foto si tuviésemos el equipo seleccionado.

Dentro de la aplicación elegiremos entre tres cámaras y tres objetivos

El llamado "Camera Simulator by Canon Labs" permite a los usuarios elegir entre tres cámaras y tres objetivos y, a continuación, le ofrece un control total tanto de la velocidad como de la apertura e ISO. La aplicación puede descargarse gratuitamente en la página de Oculus.

Bullet Time

El concepto "Bullet Time" lo empezó a utilizar, y de hecho es una marca registrada, por Warner Bros en marzo de 2005 por un efecto utilizado en la película y el videojuego The Matrix, aunque su desarrollo ya lo había utilizado por primera vez Michael Gondry en el videoclip de la canción "Like a Roling Stone". El término hace referencia a las imágenes multiángulo que ofrece una visión continua a cámara lenta de una misma acción.

Para conseguir este efecto en la popular cinta de los hermanos Wachowski se utilizaron varias cámaras a diferentes alturas que rodeaban al personaje, todas las cámaras grabando a la vez, no puedo imaginarme el trabajo que tuvo que hacer el montador en postproducción.

Canon Labs está trabajando en una herramienta que, una vez instalada en varios dispositivos los sincronizará y permitirá que, mediante la toma de varias fotografías, se consiga un efecto inspirado en el de la película.

La aplicación aún está en fase testeo, se puede solicitar una versión para probarla en la página web de Canon Labs, pero para ello habrá que registrarse primero.

Más info | Canon Labs

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Categorías: Fotografía

Netflix rescata la última cinta inacabada de Orson Welles

DSLR Magazine - Vie, 24/03/2017 - 10:00

Los amantes del cine clásico están de enhorabuena. El gigante del streaming, Netflix, ha acordado financiar el último proyecto cinematográfico del que está considerado uno de los mejores directores de cine de la historia, Orson Welles. El creador de las inolvidables “Ciudadano Kane” y “Sed de Mal” dejó inacabado el largometraje “The Other Side of the Wind” antes de morir, y muchos han sido los intentos de recuperarlo, pero las trabas que impusieron los altos costes de financiación han impedido que el proyecto pudiera finalizarse.

Tras una participación de casi 3.000 personas y una recaudación de 400.000 dólares, el crowdfunding que pretendía financiar el proyecto se quedó aún muy lejos del objetivo de financiación, fijado en 1 millón de dólares. Aun así, se especulaba con el rumor de que Netflix financiase el resto de la campaña de micromecenazgo, así como con el hecho de que Frank Marshall y Peter Bogdanovich –los productores que encabezan el proyecto– hicieran un largometraje documental sobre la recuperación de la película.

Cartel original de la película © Netflix

Pero no ha sido hasta ahora que Netflix ha confirmado la obtención de los derechos de distribución y explotación del film. Y es que tanto a Frank Marshall como a Peter Bogdanovich les une algo más que la admiración por Welles y su cine. El primero trabajó como productor de la película original en los 70, y el segundo aparece en algunas escenas de la misma, por lo que han convertido esta campaña de crowdfunding casi en una batalla personal con el fin de mostrar al mundo esta cinta, manteniendo intactas las intenciones artísticas del aclamado director americano.

Fotograma de “The Other Side of the Wind” © Netflix

Aunque aún no hay fecha oficial de estreno, sí que se ha confirmado el comienzo del proceso de digitalización de los negativos originales. ¡Ahora sólo queda esperar!

Categorías: Fotografía

Corsair One – ¿El Mac Pro en ordenador Windows PC?

DSLR Magazine - Vie, 24/03/2017 - 09:00

Corsair, una de las compañías líderes en memorias y componentes de ordenadores, ha anunciado la comercialización de su Corsair One, el primer ordenador enteramente construido por el fabricante, con unas prestaciones de alta gama y un diseño compacto al estilo del Mac Pro de Apple.

Corsair One © Corsair

Conocida por muchos usuarios por sus módulos de memoria RAM, pero también por otros componentes como chasis o fuentes de alimentación, la firma californiana ha decidido aunar sus años de experiencia en el sector para ofrecer una potente plataforma orientada a la exigente industria del gaming. Anunciado oficialmente el mes pasado, el Corsair One está equipado con la séptima –y última– generación de procesadores Intel Core i7 y con las tarjetas gráficas Nvidia GeForce GTX 1070 y 1080 de altas prestaciones, características que, según la firma, lo hacen idóneo no solo para videojuegos, sino también para la edición 4K y las aplicaciones de VR (realidad virtual).

Corsair One © Corsair

Sin ser tan compacto como el Apple Mac Pro –16,7 x 16,7 x 25,1 cm–, el Corsair One tiene un tamaño bastante reducido, con una base de apenas 20 x 17,6 cm y una altura de 38 cm. Su diseño –exterior mecanizado en aluminio– retoma algunas de las características de este primero, como su énfasis en un modo de operación lo más silencioso posible, gracias a su sistema de refrigeración líquida –tanto para la CPU como para la GPU– que consiguen emitir apenas 20 dB cuando está inactivo. Asimismo, este potente sistema de ventilación permite asegurar una gran capacidad de overclocking, lo que permitirá –para aquellos usuarios que así lo deseen– elevar la frecuencia de sus procesadores.

Corsair One © Corsair

Por otro lado, y a diferencia del ordenador de Apple, el Corsair One ha optado por utilizar componentes estándares de la industria, como la place base de formato mini-ITX, los módulos DRAM de altura completa o el uso de tarjetas gráficas de formato también completo, lo que permite garantizar la evolución de la plataforma, según explica la compañía.

Corsair One © Corsair

El nuevo ordenador de Corsair está disponible en dos configuraciones, ambas con procesadores Intel Core i7-7700 –con refrigeración líquida– y con 16 GB de memoria DRAM DDR4 de la propia marca. La configuración básica, bajo el nombre de Corsair One, viene equipada con la tarjeta gráfica Nvidia GeForce GTX 1070sin refrigeración líquida–, con un disco duro HDD de 1 TB y con un disco de estado sólido SSD de 240 GB, a un precio de 1.800 $ –impuestos no incluidos–. La configuración más avanzada, Corsair One Pro, equipa una GTX 1080 –con refrigeración líquida–, un HDD de 2 TB y un SSD de 480 GB, por 2.200 $ –impuestos no incluidos–.

Más información en la nota de prensa oficial y en la página de lanzamiento del Corsair One.

Categorías: Fotografía

Estas son las fotos ganadoras del Days Japan Photojournalism 2017 con el español J.M. López como tercer premio

Xatakafoto - Vie, 24/03/2017 - 09:00

Days Japan International Photojournalism Awards es uno de los certámenes anuales más prestigiosos de fotoperiodismo y en su decimotercera edición se han presentado fotógrafos de 84 países, siendo uno de los ganadores el español José Manuel López

Hace tan solo nueve meses que José Manuel López fue liberado del secuestro que sufrió junto con otros dos fotoperiodistas españoles: Antonio Pampliega y Ángel Sastre en Alepo, Siria. Nueve meses en los que ha seguido trabajando y ha conseguido ganar uno de los premios internacionales de fotoperiodismo más imnportantes.

本日、DAYS国際フォトジャーナリズム大賞2017の最終審査会でした! 結果は近日中に発表です。乞うご期待!

Una publicación compartida de DAYS JAPAN Official (@daysjapanofficial) el 13 de Feb de 2017 a la(s) 2:15 PST

Primer premio

DAYS JAPAN International Photojournalism Awards 2017 1st Prize "The Golden Division fight against the Islamic State organization" Photo by Laurent Van der STOCKT/Le Monde https://www.daysjapanphotoawards.com/2017awards A young girl,  inhabitant of Cogjiali, is panicking while Iraqi Special Operations Forces (Isof 1,Golden Division, CTS) are entering in the courtyard of her house of the eastern district of Mosul, looking for IS members, equipment and evidences. Her grandfather was shot by mistake few minutes before on the top of the roof. The Iraqis Special Operations Forces (Isof 1, Golden Division, ISF) are searching houses of Cogjali, a eastern district of Mosul. Young and adult men are quickly interviewed. Most of the time, civilians feel insecure while fighters of lsof, still under the threat of snipers and car bombs, feel being in hostile territory. Mosul, Iraq, November 2, 2016 #iraq #mosul #laurentvanderstockt #daysjapanawards #photojournalism

Una publicación compartida de DAYS JAPAN Official (@daysjapanofficial) el 20 de Feb de 2017 a la(s) 7:43 PST

"The Golden Division fight against the Islamic State organization" Fotógrafo: Laurent Van der STOCKT/Le Monde.

Segundos premios

"Rescued from the rubble". Fotógrafo: Ameer ALHALBI / AFP

DAYS JAPAN International Photojournalism Awards 2017 2nd Prize Rescued from the rubble Photo by Ameer ALHALBI/AFP DAYS国際フォトジャーナリズム大賞2017  2位「シリア・アレッポ 瓦礫からの救出現場」アミール・アルハビ/AFP https://www.daysjapanphotoawards.com/ameeralhalbi Syrian men carrying babies make their way through the rubble of destroyed buildings following a reported air strike on the rebel-held Salihin neighborhood of the northern city of Aleppo, on September 11, 2016. Air strikes have killed dozens in rebel-held parts of Syria as the opposition considers whether to join a US-Russia truce deal due to take effect on September 12. 空爆後、瓦礫に埋もれていた赤ん坊を助ける男性たち。アレッポ北部のサリハン地区。2016/9/11 #aleppo #syria #daysjapanawards #photojournalism #ameeralhalbi

Una publicación compartida de DAYS JAPAN Official (@daysjapanofficial) el 20 de Feb de 2017 a la(s) 9:15 PST

"President Duterte’s bloody anti-drug campaign". Fotógrafo: Daniel BEREHULAK

10月号掲載 フィリピン麻薬戦争 ドゥテルテ大統領は就任以来、麻薬撲滅策を強行し、数千人以上が警察や自警団に殺された。恐れをなした麻薬密売人や常習者ら数十万人が出頭したため、刑務所は収容者であふれかえり、劣悪な環境に陥っている。 超過密刑務所を捉えたこの写真をAFPが配信し、世界にひろまったおかげでフィリピン政府は刑務所を新設すると発表せざるを得なかった。 #phillippinesprison #philippines #drugdealer #rodrigoduterte #duterte

Una publicación compartida de DAYS JAPAN Official (@daysjapanofficial) el 28 de Sep de 2016 a la(s) 2:37 PDT

Terceros premios

"After the battle in Kobane" Photo by JM LOPEZ

"The colors of hope" Photo by Saber Nouraldine / EPA

"Cattles of the Nuclear Power Plant Epidemic" Photo by Yohei KOIDE / Mainichi Shimbun

Premios especiales del jurado

"Rehabilitating Chimpanzees - A Labour of Love" Photo by Dan KITWOOD / Getty Images

"Turkey's Hidden War" Photo by Emin OZMEN / Agence Le Journal

"The story of Idomeni" Photo by Alexandros AVRAMIDIS

"The skidding of precious wood in Myanmar" Photo by Jean-François MUTZIG /Biosphoto

"Kalash Tribe : On the verge of extinction" Photo by Sarah CARON

"Life inside FARC guerrillas during their last days in the Jungle" Photo by Federico RIOS

Premio del público y premio de los editores

Tanto los lectores de la revista Days Japan, como el público en general, también votaron por sus fotos favoritas, aunque este premio se dio a conocer más tarde, el 2 de marzo, los ganadores fueron Aris Messinis de AFP con esta serie de imágenes de migrantes rescatados en la costa Libia y Yoshifumi Kawabata con este reportaje sobre los refugiados del Sur de Sudán en Uganda.

Por su parte los editores entregaron un premio especial al espectacular trabajo de Alessio Romenzi que ofrece una perspectiva diferente; la lucha del ejército Libio contra ISIS en la que "no van a capturar prisioneros"

Más info y todas las fotos | Days Japan

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