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Lo bárbaro: Espada y Brujería germana

DSLR Magazine - Hace 6 horas 35 mins

Lo de la Espada y Brujería”, que ahora se da en llamar “Fantasía Heroica” y, en los ochenta era denominado “Wizards & Warriors” en los libros de “elige tu propia aventura” o “Dungeons & Dragons” en los de rol, es algo en realidad netamente europeo. La ficción de aventuras lleva tirando de mitología para mostrarnos superhéroes desde los tiempos clásicos, como ya vimos; así, por supuestos, los oscurantismos y las fantasías de cuando La Edad Media y el Renacimiento no nos podían pasar por alto a la hora de nutrir relatos, novelas, cuentos y películas. Los norteamericanos, que nunca han tenido mitos clásicos ni medievo ninguno, no podían quedarse atrás y en seguida dieron a conocer al mundo este subgénero; pero el verdadero origen es, por supuesto, europeo del todo. Y si la miríada de literatura, juegos de rol, comics y demás merchandising con dragones y “tróles” han nutrido bien el siglo XX, el movimiento ha sido de ida y vuelta. Ellos sacaron el cuento chino de nosotros, y nosotros copiamos a sus culturistas –a su vez inspirados en nuestros peplums– para hacer vibrar al asistente con espadazos y magia.

¡Cónanes para dar y tomar! Europeos todos © Filmline, Leader Cinematografica, Visione Cinematografica, Filmirage, Metaxa Corporation, Cannon Films, Cannon Italia Srl

Todo el mundo conoce a los superhéroes del Rey Arturo gracias a filmes como Excalibur (John Boorman, 1981), producción netamente del Reino Unido. Y capital en la historia del cine son las dos películas del maestro Fritz Lang sobre los seres nebulosos de la mitología germana Los Nibelungos: la muerte de Sigfrido (Los Nibelungos Parte I) (Die Nibelungen: Siegfried (Siegfrieds Tod) (Die Nibelungen – Teil I). Fritz Lang, 1924) y su segundo capítulo Los Nibelungos: la venganza de Krimilda (Los Nibelungos Parte II) (Die Nibelungen: Kriemhilds Rache (Die Nibelungen – Teil II). Fritz Lang, 1924), pioneras en “tolkienismos” y “conaneo” donde las haya, inspiradores de locos, arrebatados y militantes de ultraderecha de Europa entera. Sin embargo, cinematográficamente hablando, el título primero en esto de la Espada y Brujería es Flema inglesa (Un alma reprobada) (L’épée du spirite – La espada del espiritista. Segundo de Chomón, 1910), producción francesa dirigida por nuestro Segundo de Chomón, al que también hemos visitado alguna vez en Albedo Media.

En L’épée du spirite la cosa va de un mosquetero con una espada mágica, en una suerte de Europa que no existe en un período sin especificar. La espada puede mover objetos a lo Jedi, hace la cama, pone la mesa y hace desaparecer cosas por corte. Un cortometraje de apenas cinco minutos que, si nos ponemos serios, es la primera película –sin bárbaros, eso sí– de Espada y Brujería.

Paul Richter como Sigfrido, el primer “Barbarian” del cine, en un fotograma de Los Nibelungos: la muerte de Sigfrido (Los Nibelungos Parte I) (Die Nibelungen: Siegfried (Siegfrieds Tod) (Die Nibelungen – Teil I). Fritz Lang, 1924) © Decla-Bioscop AG, Universum Film (UFA)

Los bárbaros en taparrabos llegarían en los ochenta, que es donde nos volvimos todos unos sinvergüenzas; pero la magia y la fantasía de la historia requeteinventada siguió probándose con mayor o menor tino. Italia, antes de los plagios y los remedos-disco, siguiendo una línea muy parecida a la que se ha inspirado hace poco Matteo Garrone, alumbró la exquisita La corona de hierro (La corona di ferro. Alessandro Blasetti, 1941), un Juego de Tronos a la italiana, colmado de connivencias y batallas en un reino inexistente, que se llevaría el premio a la Mejor Película Italiana en el Festival de Venecia de 1941.

“En el imaginario país de Kindaor, el malvado Sedemondo asesina a su hermano, el rey Licinio, para usurparle el trono y satisfacer su avidez…”

Así comienza este compendio de épica Shakespeareana, que mezcla el relato medieval italiano, con las leyes del cuento ruso que creara Vladimir Propp, con lo clásico-clásico –griego y romano–, el peplum, el thriller político con denuncia escondida, y la de Dios es Cristo. Una obra maestra del cine de ficción recreada en estudio, llena de figurantes reales, de acción y de violencia, con un reparto estelar que viaja desde el cómico Paolo Stoppa al boxeador Primo Carnera… Uno de esos clásicos del cine de los que molan, vamos.

Fotografía del rodaje de la mítica escena del simpático dragón de Los Nibelungos, con el maestro Lang (a la derecha, de blanco) preocupado por la verosimilitud de la cosa © Decla-Bioscop AG, Universum Film (UFA)

J.R.R. Tolkien, pionero en estos cantamañaneos ante quienes no conocen a Robert E. Howard, volvió a ponerse de moda en los setenta y, así, los ochenta comenzaron con otros dos títulos bastante importantes –y más o menos desconocidos, según lo generacional– en esto de la Fantasía Heroica: El dragón del lago de fuego (Dragonslayer. Matthew Robbins, 1981) y La espada invencible (Hawk the Slayer. Terry Marcel, 1981). Mucho slayer ahí coincidiendo.

El dragón del lago de fuego figura en este ranking por añadir más títulos que dejen clara la tendencia –pronto llegaría la serie de dibujos animados de Dragones y Mazmorras–, pero en realidad estamos ante un filme que, aunque una completa exquisitez, forma parte de la cinematografía norteamericana (concretamente, del cosmos de Walt Disney), pero La espada invencible sí que es una producción enteramente británica y, ¿por qué no decirlo?, bastante underground.

Peleas ochenteras contra dragones ¡sin ordenador! en ‘El dragón del lago de fuego’ (Dragonslayer. Matthew Robbins, 1981) © Paramount Pictures, Walt Disney Productions

Terry Marcel escribió, dirigió y produjo esta fábula de aventuras en comandita capitaneadas por el tal Hawk del título (John Terry), que ve morir a su padre y su novia asesinados por su propio hermano. Es de esas historias con su viaje iniciático de rigor, y su suma de compañeros paulatina, con su venganza de reglamento y su rescate de cautiva indefensa –en ésta, una religiosa, abadesa–. La cinta resultante es una más que digna producción de Serie B, eficazmente resuelta y, siendo el tiempo que era (mucho antes de que siquiera hiciera cine Peter Jackson), una obra singular y de todo punto original.

Si bien es cierto que no ha envejecido bien del todo, ya que lo glam y lo newromantic pesa demasiado, La espada invencible (Hawk the Slayer) se ha convertido hoy en uno de esos objetos de culto que no sacan en ediciones de Blu-Ray en castellano ni p’a Dios y que, en vídeo, igual la encuentra usted pero resobeteada y en caja de la grande. Una pieza para sorprender –en todos los sentidos– al “tolkenmaníaco” de hoy, que sin embargo, a pesar de contar con su maga y su arquero, no tiene bárbaro. Y bárbaro (barbarian en pitinglis) es lo que venido considerando “superhéroe” en este fascículo, como Conan o Red Sonja, o el hit de tebeo que usted considere.

Al bárbaro, no al europeo en general, que ya verán, sino al germano que nos toca, no lo veríamos de pleno hasta El señor de las bestias (The Beastmaster. Don Coscarelli, 1982), uno de esos objetos de riguroso rebañe surgidos tras el exitazo de Conan, el bárbaro (Conan, the Barbarian. John Milius, 1982) basada en el arrollador personaje creado por el antes citado R. E. Howard.

© Incorporated Television Company (ITC), Marcel/Robertson Productions Limited, Chips Productions Esta gente se pegó caminatas intempestuosas en el cine, años antes que la pandilla de El Señor de los anillos. En la imagen, de izq. a dcha.: los actores Ray Charleson, John Terry, Patricia Quinn, William Morgan Sheppard y Bernard Bresslaw, listos para la partida de rol © ITV/REX Shutterstock

Los USA coproducían con la Alemania del Oeste la peli que todos habrán catado en el televisor a temprana edad, sólo por estar protagonizada por el culturista estrábico de la serie V (Kenneth Johnson, 1983-1985), el sin par Marc Singer, aunque éste filme lo rodara mucho antes que la serie que lo catapultaría a la fama ochenter. Es esa en la que Dar, que así se llama el bárbaro esteroide que interpreta Singer, controla a todo tipo de bestia o alimaña al tiempo que hace el molinillo con la espada y reparte alguna que otra buena hostia —lo que viene siendo un bárbaro, pero con poderes—. El señor de las bestias estaba basada en una novela de lo más pulp del prolífico Andre Norton y, ahí donde la ven, clásico inamovible de modelo de videoclub fenecido (donde se encuentra el cine que mola de verdad), contó con dos secuelas más, todas protagonizadas por un Singer cada vez más decrépito —evidentemente, no va a rejuvenecer con los años el hombre—.

Dar el mazas volvía a ser el dios de la fauna en un medievo inexistente en El señor de las bestias 2: La puerta del tiempo (Beastmaster 2: Through the Portal of Time. Sylvio Tabet, 1991), la secuela de marras en la que, como su propio título indica, se mezclaba el cacao de la primera con los viajes en el tiempo.

Esta vez, Dar, el bárbaro que susurraba a los animales, tiene que viajar a través del tiempo para detener a su pérfido hermano, que pretende robar nada menos que una bomba atómica. En El señor de las bestias 2: La puerta del tiempo, eran los franceses los que se sumaban a la coproducción con Hollywood. Y a pesar de que esta secuela se hizo esperar lo suyo (casi nueve años), contó de nuevo con el suficiente éxito como para que se produjera una tercera: El señor de las bestias III: El ojo de Braxus (Beastmaster III: The Eye of Braxus. Gabrielle Beaumont, 1996), pero que ya no nos interesa porque es producción 100% USA.

Dar el barbarian (Marc Singer) achuchando a su… ¿”ligre”? preparándolo para cualquier repentino ataque © MGM, Leisure Investment Company, Beastmaster NV, ECTA Filmproduktion

Toda esta conanexploitation, que ya desarrollaremos bien en la entrega que viene, porque el tema nos permite separar por franjas europeas (hoy la germana y sajona, la semana que viene la mediterránea, y verán clara la diferencia y los porqués). Pero se pueden imaginar que no todo quedó en El señor de las bestias, sobre todo en cuanto metieron mano nuestros queridísimos italianos.

Mientras, y para cerrar, se ha de resaltar otro más, no sólo por ser un bárbaro perteneciente a la Europa ésta de los rubios, sino por suponer un trabajo bastante fino y agradecible con este tipo de personajes. Me estoy refiriendo al bárbaro ruso Volkodav, creado por la autora de novela histórica, detectivesca, de fantasía heroica y mitología de espadas Mariya Semyonova para una saga de libros titulada Wolfhound (Волкодав). A Volkodav lo condenan a muerte, después de asesinar a todo su clan seminómada, los Perros Grises. Sin embargo, logra sobrevivir para vengarse del cabronías de Maneater (“come hombres”). Adopta el nombre por el que le conocen por ahí: Wolfhound y parte hacia la tangana segura y el desfaz hiperviolento.

Hay una peli, que hace justicia al personaje, de hace bien poco: Wolfhound, el guerrero (Volkodav iz roda Serykh Psov. Nikolai Lebedev, 2006). Y una serie de televisión, que actualmente continúa en emisión: Molodoy Volkodav (Oleg Fomin. 2007– ). En ambas producciones, Volkodav está interpretado por Aleksandr Bukharov que sobra explicar lo famosísimo que es en las antiguas repúblicas soviéticas.

Volkodav (Aleksandr Bukharov) pasándolas putas en Wolfhound, el guerrero (Volkodav iz roda Serykh Psov. Nikolai Lebedev, 2006) © Central Partnership

Y nada más, porque como ya les he dicho, el tema de la caradura de nuestra costa ya lo desarrollaremos en la siguiente entrega de super”euro”es. Un microcosmos de plagios que no puede comenzar con mejores títulos para exploits del tres al cuarto: Gunan, el guerrero (Gunan il guerriero. Franco Prosperi, 1982), que no suena a Conan ni n’a –y que encima tuvo la suerte de poder estrenarse antes que la de Milius– y La espada salvaje de Krotar (Sangraal, la spada di fuoco. Michele Massimo Tarantini, 1982), una de esas que no se saben luego cómo vender y terminan adoptando The Sword of the Barbarians como título internacional.

Verán qué bien que aprovechamos los europeos del sur lo que da dinero, asistirán al regreso del charlatanesco y liante Dino de Laurentiis, a la filial italiana de la Cannon Films haciendo de las suyas y montón de cosas más. Bárbaros cutres, figurantes que mueren muchas veces, espadas gordas, hachas antiergonómicas, “cónanes” paseando por Almería, La Pedriza, El Monasterio de Piedra o el desierto de Las Bárdenas Reales… Ya les digo, puro conanexploit.

Póster para el mercado anglosajón de La espada salvaje de Krotar (Sangraal, la spada di fuoco. Michele Massimo Tarantini, 1982), ¿para qué conformarse con un sólo título? © Filmline, Leader Cinematografica, Visione Cinematografica
Categorías: Fotografía

Joan Vilatobà el defensor de los fotógrafos

DSLR Magazine - Hace 7 horas 35 mins

Hoy nos ocupamos de uno de los tantos genios olvidados en nuestro país. Sin embargo en este caso su figura está siendo recuperada y quizás estas líneas ayuden a difundir un poco más su monumental legado artístico.

Uno de los últimos homenajes con el que se realzó la figura de nuestro protagonista ocurrió en 2014, cuando en el festival de Photoespaña una de las sedes participantes jugó extraordinariamente bien sus cartas.
Se trataba del Museo del Romanticismo, cuya temática lógicamente limitaba mucho la exposición, sin embargo decidieron mostrar la obra de Joan Vilatobà i Fígols (1878 – 1954), uno de los mejores fotógrafos de principios del siglo XX.

Sorprende que muchas de las obras de Vilatobà tengan ya más de un siglo

Su llegada al mundo se produjo un 15 de noviembre de 1878, en un momento convulso y en un lugar no menos activo a muchísimos niveles. La localidad de Sabadell donde vino a nacer era un importante núcleo industrial y en consecuencia un foco de actividad intelectual y social.

Tanto es así, que diversas publicaciones sitúan el hogar de Vilatobà en una familia vinculada tanto a la masonería como al espiritismo. Algo que no parece desencaminado teniendo en cuenta que décadas después, el gobierno de Franco tuvo como única consideración hacia el fotógrafo encausarle por el entonces delito de masonería.
Pero aún falta mucho para aquellos años, y no tantos para un episodio trascendental en la vida de Vilatobà y la de la España de 1898.

Las guerras en Marruecos, Cuba y Filipinas generaron llamamientos a filas de tantos jóvenes como se pudiesen conseguir o mejor dicho, tantos jóvenes como los que no pudiesen pagar la cuota necesaria para librarse del frente. Este trato de favor terminó desencadenando protestas convulsas, como sucedería con la Semana Trágica, pero desde luego nuestro protagonista –con apenas 20 años– no estaba dispuesto a quedarse en su tierra a comprobar cómo se solucionarían las cosas, y así, acompañado de su hermano José y del pintor Miquel Renom (y futuro fotógrafo) se exiliaron a Europa en busca de un futuro mejor.

El joven Joan Vilatobà posiblemente durante su estancia en Alemania a principios del siglo XX. Ara.cat

En realidad Joan también provenía del mundo de la pintura, como tantos otros fotógrafos, pero pronto cayó rendido ante los encantos de la fotografía entendiendo que ambos mundos se podían conjugar; en ese periplo europeo Vilatobà fue a parar a manos, posiblemente, de la persona mejor indicada en ese momento: el alemán Fritz Schmidt, profesor de la Karlsruhe Technische Hochschule (actual Universidad de Karlsruhe).

Este encuentro providencial ayudó a Vilatobà a conocer todos los secretos técnicos de la fotografía, pues además de desempeñar las veces de profesor, Fritz Schmidt hacía pocos años que había publicado un libro clave, Photographisches Fehlerbuch (“Errores fotográficos”).

El parecido con la pintura hace de las obras de Vilatobà uno de los mejores ejemplos del pictoricismo en España. El niño que posa es Rafael Molins Alaix (hijo de un discípulo de Vilatobá) y que llegaría a ser tambien un excelente fotógrafo. Colección de Rafael Molins Alaix

En este determinante libro y bajo su propia experiencia, el profesor Schmidt analizaba qué se podía hacer y qué no en el mundo fotográfico desde el punto de vista técnico. Una especie de catálogo de avances tecnológicos fotográficos. Algo que, sumado al bagaje artístico que ya traía aquel extraño alumno suyo venido de Cataluña, convirtió irremediablemente a Vilatobà en un fotógrafo pictoricista.

Pocos años después en 1903, cuando nuestro protagonista regresó de Alemania, lo hizo con un estilo lo suficientemente desarrollado como para publicar en Ilustración Catalana y montarse su propio estudio.

Un año más tarde y con motivo de una exhibición organizada por el Gremio de Fabricantes de Sabadell se ganó la admiración de Alfonso XIII quien quiso adquirir algunas de las fotografías, aunque no sin antes pagar el precio que estaba establecido al público, sin ningún tipo de rebaja por parte de Vilatobà, algo que sí hacían de manera común otros fotógrafos.

Por otro lado, había una explicación en regalar unas fotos a la familia real a la espera de algún suculento reportaje, tal como pasó años atrás con Laurent, Franzen y otros fotógrafos decimonónicos. Por el contrario, Vilatobà no solo no perdió la venta de aquellas fotografías si no que el propio Alfonso XIII le encargó realizar nuevas fotografías.

Las revolucionarias técnicas (por aquel entonces) utilizadas en el estudio de Vilatobà le ponían muy por encima de la mayoría de fotógrafos comerciales de aquella época.

No era para menos, el encanto de las fotografías pictoricistas de Vilatobà contaban con elaborados escenarios y una luz milimetrada al detalle para dar la sensación del ambiente melancólico y misterioso que se desprende de algunas pinturas.

Las temáticas nos remiten a episodios donde la narración es esencial, donde los modelos actúan con elaborados gestos y donde hasta el más mínimo detalle tiene un porqué. Fotografías como En qué punto del cielo te encontraré rememoran sus vinculaciones con el espiritismo, al igual que otras reflejan una absoluta maestría en el mundo del erotismo.

En quin punt del cel et trobaré? (En qué punto del cielo te encontraré) refleja como otras tantas fotografías su firme creencia en un más allá fruto de los conocimientos espiritistas que desde joven había adquirido Vilatobà. Galería A34

Pese a esta delicada labor donde se unen los conocimientos, la sensibilidad y la técnica (en el estudio de Vilatobà se usaba por ejemplo la goma bicromatada y el bromóleo) hubo algunos que se atrevieron a afirmar que la fotografía no era un arte. Era de esperar que a Vilatobà ese tipo de comentarios no le hiciesen ninguna gracia, respondiendo con aplastantes argumentos en un artículo titulado A los detractores de la fotografía.

En ese momento el éxito de Vilatobà era imparable, y así ganó el II Concurso de Fotografía de Ilustración Catalana, obtuvo el Diploma de Oro de la Exposición Nacional de Fotografía de 1905 y en 1919 expuso en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Los paisajes de Vilatobà dejan a un lado la identificación del lugar en pos del deleite artístico que genera la escena en sí. Los resultados hablan por sí solos. Museu Nacional D´Art de Catalunya

Sin embargo las contradicciones también empezaron a surgir, el triunfo conseguido en Madrid, no fue el mismo en Barcelona, y las corrientes modernistas empezaron a sepultar su peculiar estilo pictoricista. Tanto es así que en 1931 dejó a un lado la fotografía y retomó la pintura y la docencia.

Siguió vivo entre sus amistades, como Andrés Segovia con el que compartía afición con el flamenco, o Benlliure, Rusiñol o Sorolla, pero desde luego no recuperó su merecida fama, pasando en 1954 a formar parte de ese mundo tan presente en su obra, el mundo de los espíritus.

Categorías: Fotografía

La Fujifilm X-A3 ve la luz con 24 megapíxeles y los selfies como principal reclamo

Quesabesde - Hace 9 horas 14 mins
Actualidad La Fujifilm X-A3 ve la luz con 24 megapíxeles y los selfies como principal reclamo La nueva cámara se sitúa en el escalón más humilde del sistema X con una pantalla táctil y abatible en 180 grados fujifilm x-a3 25.8.2016  |  09:21 CET

Fujifilm ha renovado hoy la gama baja de su sistema X con la puesta en escena de la X-A3, que apunta al público joven con argumentos como los filtros de imagen o la toma de selfies.

Para este último cometido, la sucesora de la X-A2 cuenta con una pantalla de 3 pulgadas táctil y abatible en 180 grados, además de una empuñadura optimizada para su sujeción y disparo durante la toma de uno de estos autorretratos. Fujifilm también ha dotado a su nueva cámara sin espejo de tecnologías de autodisparo durante la captura de selfies cuando el retratado sonríe o aparece junto a otra persona.

Fujifilm X-A3 Fujifilm X-A3

Más allá de este reclamo, la X-A3 incorpora un sensor CMOS de 24 megapíxeles que prescinde de la tecnología X-Trans y un mecanismo de enfoque de 49 puntos desprovisto de tecnología de detección de fase. El rango de sensibilidades disponibles abarca desde 200 hasta 6.400 ISO, con valores no calibrados de 100 a 25.600 ISO.

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La conexión Wi-Fi y la captura de vídeo a 1920 x 1080 píxeles y 60p son otras de las prestaciones que ofrece la nueva Fujifilm X-A3, cuyo precio y disponibilidad no han trascendido todavía para el mercado europeo, si bien en Estados Unidos se habla de una tarifa de 600 dólares junto al zoom 16-50 mm f3.5-5.6 OIS II.

Fujifilm X-A3

Categorías: Fotografía

Los renovados 16-35 mm f2.8 y 24-105 mm f4 se suman al catálogo de formato completo de Canon

Quesabesde - Hace 9 horas 59 mins
Actualidad Los renovados 16-35 mm f2.8 y 24-105 mm f4 se suman al catálogo de formato completo de Canon Los dos zooms acompañan a la recién anunciada EOS 5D Mark IV. Estarán disponibles por 2.625 y 1.260 euros, respectivamente canon ef 16-35 mm f2.8 l iii usm 25.8.2016  |  08:36 CET

Tal y como ya habían adelantado las filtraciones, la nueva Canon EOS 5D Mark IV no ha llegado sola. Y es que la firma ha aprovechado este lanzamiento para renovar dos de sus zooms más populares dentro de la serie L para formato completo: el polivalente 24-105 mm f4 y el angular 16-35 mm f2.8.

Así, el zoom de 16-35 milímetros llega ya a su tercera generación con un diseño renovado y la promesa de ofrecer unos niveles de resolución acordes a los más recientes modelos réflex de la firma. Algo que, igual que en las últimas renovaciones de ópticas de Canon, señala directamente a las EOS 5DS y sus exigentes sensores de 50 megapíxeles.

Canon EF 16-35 mm F2.8 L III USM

El nuevo 16-35 mm f2.8 III L USM apuesta por un esquema de 16 elementos repartidos en 11 grupos, incluyendo 3 lentes asféricas y 2 elementos UD de baja dispersión. Más pesado que su predecesor (casi 800 gramos frente a 630), se mantiene la distancia mínima de enfoque de 28 centímetros. Canon sigue reservando el estabilizador de imagen para la versión f4 de este mismo zoom.

[PRECIO]2034,3414[/PRECIO] Canon 24-105 mm f4 II L IS

Tras 11 años en el mercado, el popular 24-105 mm f4 L de Canon puede presumir de seguir siendo la puerta de acceso de muchos fotógrafos a las ópticas de formato completo. Compañero habitual de las EOS 5D, la llegada de la Mark IV ha sido la excusa perfecta para poner al día este veterano zoom.

Una renovación que, de nuevo, pone el acento en un diseño optimizado (17 elementos en 12 grupos y 4 elementos asféricos) y unos resultados que se adaptan a las exigentes réflex de última generación. Además de mejoras en el enfoque, este zoom sellado y resistente al polvo también trae consigo una nueva generación del sistema de estabilización IS que promete hasta 4 pasos de mejora a la hora de disparar.

Canon 24-105 mm F4 L IS II USM

El diafragma de 10 palas y la distancia mínima de enfoque de 45 centímetros completan la lista de especificaciones del 24-105 mm f4 II L IS, que por cierto también aumenta su peso hasta los 795 gramos.

Según Canon Alemania, los nuevos 16-35 mm f2.8 y 24-105 mm f4 saldrán a la venta -respectivamente- en noviembre y diciembre por 2.625 y 1.260 euros.

Categorías: Fotografía

Canon EOS 5D Mark IV – 30,4 Mpx, Dual Pixel y vídeo 4K

DSLR Magazine - Hace 10 horas 5 mins

Confirmando los rumores que se venían escuchando desde hace unas semanas, ya ha llegado el relevo de la Canon EOS 5D tras cuatro años de éxitos. La última versión, la Canon EOS 5D Mark IV, incorpora como principales novedades un sensor de 30,4 Mpx gestionado por un nuevo procesador DIGIC 6+, enfoque por Dual Pixel CMOS, grabación de vídeo en 4K, pantalla táctil de mayor resolución, GPS y WiFi integrados, así como algo más de sensibilidad ISO y velocidad de ráfaga.

Canon EOS 5D Mark IV

Canon sigue apostando por un sensor tipo CMOS de formato 24 x 36 mm que aumenta la resolución hasta los 30,4 Mpx. Este nuevo sensor estará gestionado por el nuevo procesador DIGIC 6+ que, entre otras funciones, se encarga de aumentar la velocidad de ráfaga hasta 7 fps –6 en el modelo anterior– o gestionar la sensibilidad ISO hasta 32.000 como valor nativo –antes 25.600– y 102.400 forzado. Un nuevo algoritmo permitiría reducir el ruido con estos valores elevados.

El enfoque mantiene los 61 puntos de su predecesora ─41 de ellos en cruz─ pero incorpora el sistema Dual Pixel CMOS ya experimentado en otros modelos del fabricante. Con la novedad de que en esta ocasión se genera un RAW que permite posteriores microajustes de enfoque cuando el archivo se procesa con el editor de Canon o directamente en la cámara. Gracias a este sistema se podrán corregir ligeros desenfoques, modificar la profundidad de campo o reducir las “imágenes fantasma” y reflejos.

Tal y como se esperaba, la 5D Mark IV permite grabar vídeo en resolución 4K a 24 o 30 fps, Full HD a 60 fps y HD a 120 fps. Como novedad, de los vídeos 4K se pueden extraer fotogramas en formato JPEG con una resolución de 8,8 Mpx. Incluye también filtro anti parpadeo y la posibilidad de grabación de Time Lapse.

Canon EOS 5D Mark IV

La pantalla trasera, ahora táctil, aumenta su resolución hasta los 1.600 puntos manteniendo el tamaño de 3,2”.

Tampoco podía faltar en esta actualización la conectividad. La nueva Canon EOS 5D Mark IV incorpora WiFi, NFC y transmisión FTP. Además ahora integra GPS. La conexión USB se actualiza a la versión 3.0.

El lector de tarjetas mantiene su doble ranura –CF y SD–, descartando pues por el momento las nuevas CFast 2.0–. Aumenta, sin embargo, la velocidad de transmisión de datos de las mismas. Asimismo, la nueva cámara admite también baterías del tipo LP-E6N.

Canon EOS 5D Mark IV

Exteriormente, esta versión Mark IV se diferencia poco de la Mark III. Apenas un milímetro más estrecha y 60 g más ligera –pesa 890 g–, mantiene las líneas habituales de las EOS aunque incluye ahora un pequeño conmutador en la parte trasera junto al joystick. El precio de venta se estima en unos 3.800 €.

Categorías: Fotografía

Canon EF 24-105 mm f/4L IS II y EF 16-35 mm f/2,8 L III

DSLR Magazine - Hace 10 horas 15 mins

Simultáneamente con la presentación de la nueva Canon EOS 5D Mark IV se presentan dos nuevos objetivos, el Canon EF 24-105 mm f/4L IS II USM y el Canon EF 16-35 mm f/2,8 L III USM, versiones actualizadas II y III respectivamente, de las referencias anteriores.

Canon EF 24-105 mm f/4L IS II USM

Para el nuevo polivalente Canon EF 24-105 mm f/4L IS II USM se anuncian mejoras en la estabilización –4 puntos en lugar de los tres de la versión anterior– así como mejores revestimientos y dos palas más en el diafragma, que ahora ofrece un total de 10.

El nuevo “polivalente” de Canon, que se ofrece también en kit junto con la nueva EOS 5D Mark IV Canon EF 16-35 mm f/2,8 L III USM

En lo que respecta al nuevo Canon EF 16-35 mm f/2,8 L III USM, incorpora una nueva lente aesférica de doble cara, moldeada en vidrio óptico, que debería permitir superar el bastante deficiente rendimiento de la versión anterior de este objetivo en su relación centro-esquinas.

La nueva versión del 16-35 mm f/4 de Canon, debería superar las deficiencias de la versión anterior
Categorías: Fotografía

Canon oficializa su ya filtrada EOS 5D Mark IV

Quesabesde - Hace 10 horas 16 mins
Actualidad Canon oficializa su ya filtrada EOS 5D Mark IV Con 30 megapíxeles y vídeo 4K, la nueva réflex de formato completo costará unos 4.000 euros canon eos 5d mark iv 25.8.2016  |  08:19 CET

Hace ya días que los datos sobre la nueva Canon EOS 5D Mark IV son de sobra conocidos, así que a la compañía solo le quedaba poner el sello oficial a las especificaciones ya filtradas. Eso es precisamente lo que acaba de hacer, confirmando la llegada de la cuarta generación de esta conocida saga de formato completo.

Así, tal y como se esperaba, la EOS 5D Mark IV no solo se convierte en la primera de esta serie en ofrecer grabación de vídeo 4K, sino que también asume el papel de hermana pequeña de la EOS-1D X Mark II. De ella hereda, por ejemplo, el sistema de enfoque de 61 puntos (41 de ellos en cruz) o la pantalla táctil de 3,2 pulgadas.

Canon EOS 5D Mark IV

Además de apostar por un nuevo sensor CMOS que eleva la resolución hasta 30,2 megapíxeles (22 en la generación anterior), en la larga lista de novedades de esta SLR también figuran dos prestaciones que hasta ahora no se habían visto en la saga EOS 5D: la conexión Wi-Fi integrada (una de las peticiones más recurrentes de los usuarios) y un módulo GPS.

Acompañado del procesador Digic 6+, el nuevo CMOS de formato completo ofrece una velocidad de disparo de hasta 7 fotogramas por segundo y permite trabajar con un rango de sensibilidades de 50 a 102.400 ISO (incluyendo los valores forzados).

Canon EOS 5D Mark IV Canon EOS 5D Mark IV

Más allá del renovado sistema de enfoque tradicional, el enfoque por contraste también estrena la tecnología Dual Pixel CMOS ya vista en otras réflex de la firma. Además de prometer un funcionamiento mucho más rápido al trabajar desde la pantalla o grabar vídeo, en este caso se añade otra novedad: la posibilidad de usar la información de este sistema de doble píxel para generar un archivo RAW de mayor tamaño y que, junto al programa Canon Photo Professional, permite realizar ajustes en el enfoque y bokeh de la imagen.

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El vídeo vuelve a ser uno de los puntos clave de una cámara que está llamada a ser un nuevo referente en este terreno, tal y como ya ha ocurrido con sus predecesoras. En este sentido, además del estreno de la resolución 4K a 24 y 30 fotogramas por segundo, también figuran los clips Full HD a 60p y de hasta 120 fotogramas por segundo a 720. Tampoco faltan los controles manuales, la conexión de audio y micro y la codificación 4:2:2.

Con un peso cercano a los 900 gramos, la EOS 5D Mark IV sigue apostando por dos ranuras para tarjetas SD y CompactFlash, descartando los rumores sobre el salto de Canon a las tarjetas CFast.

Canon EOS 5D Mark IV

Respecto al precio y la disponibilidad, la nueva réflex llegará a las tiendas a partir de mediados de septiembre por 4.000 euros sin objetivo, según Canon Alemania. Un dato que echa por tierra los rumores iniciales que hablaban de un coste inferior a la EOS 5D Mark III en el momento de su lanzamiento, que fue de unos 3.300 euros.

Categorías: Fotografía

Frederic Lezmi

Fotógrafos en la red - Hace 10 horas 36 mins

Frederic Lezmi es un fotógrafo alemán de origen libanés (nacido en 1978, en Lahr, Alemania, vive y trabaja en Colonia) cuyo trabajo ha intentado mostrar los aspectos culturales del mundo árabe y de cómo son vistos desde una perspectiva occidental y ahora busca lo que está “entre” ambos mundo,  mostrando gente de mundos cambiantes, dentro o delante de lugares arquitectónicos, reales y artificiales, públicos y privados, consiguiendo que Oriente y Occidente se superpongan, con una diferencia regional, pero en una globalización más integradora.

 

© Frederic Lezmi

 

 

Biografía

Frederic Lezmi creció en Dakar, Ginebra y la Selva Negra. Después de un año como asistente de fotógrafo alemán Wolfgang Zurborn en la galería Lichtblick en Colonia, estudió Comunicación Visual y Fotografía en la Folkwang Hochschule de Essen y consiguió un master en Bellas Artes en la Académie Libanaise des Beaux Arts en Beirut, Líbano. Desde 2006, ha trabajado como asistente de Markus Schaden en Colonia y desarrollando numerosos proyectos de libros y exposiciones.

Además obtuvo varias becas del Servicio de Intercambio Académico Alemán (DAAD), con una residencia en Estambul, y de la VG Bildkunst.

Su serie Arabian Prospects ganó varios premios y fue exhibida en todo el mundo. Su primer libro Beyond Borders consiguió el Premio BFF-Promoción, así como el Premio Reinhart-Wolf 2009 al mejor trabajo fin de carrera en fotografía. Está diseñado como un acordeón plegable de 11 metros y fue nominado para el Photobook Award de Kassel y el Deutsche Börse Photography Prize

Su trabajo ha recibido numerosos premios de fotografía y ha realizado numerosas exposiciones. Su primer libro Beyond Borders fue publicado en 2009. Desde 2010 es miembro de la agencia fotográfica alemana Laif.

 

 

Referencias

 

 

Libros
  • Taksim Calling, 2013
  • Poor Politicians – Beirut, 2011
  • Poor Politicians – Pristina, 2011
  • Beyond Borders – Arabic Edition, 2010
  • Beyond Borders, 2009.
Categorías: Fotografía

Fujinon XF 23 f/2 R WR

DSLR Magazine - Hace 11 horas 34 mins

De acuerdo con el calendario previsto, Fujfilm acaba de lanzar el nuevo Fujinon XF 23 mm f/2 R WR para sus cámaras de la serie X, con una distancia focal equivalente de 35 mm.

Fujinon XF 23 f/2 R WR disponible en plata y negro.

Pensado para fotografía callejera por distancia focal, se trata de un objetivo pequeño y ligero, en la línea del ya conocido XF 35 mm f/2 R WR protegido contra la intemperie que ofrece una alta velocidad de enfoque.

El Fujinon XF 23 f/2 R WR se entrega con un parasol específico que combina eficacia con mínimo volumen.

Con seis grupos a partir de diez lentes, dos de ellas asféricas, pesa tan solo 180 g con un diámetro de filtro de Ø 43 mm para unas dimensiones de Ø 60 mm x 51,9 mm, y permite una distancia de enfoque mínima de 22 cm. El diafragma de nueve palas ofrece una apertura circular.

Pensado para la fotografía callejera, la X-Pro2 puede ser una buena compañera de este nuevo objetivo.

Disponible en negro y plata, incluye parasol a juego, que interfiere lo mínimo posible con el visor de la X-Pro2 en su modo óptico. A ello se suma la opción de un parasol metálico accesorio “con ventanas”, al más puro estilo de óptica para cámara telemétrica clásica. Se prevé que se encuentre a la venta a finales de octubre a un precio todavía por determinar, pero que podría ser del entorno de los 475 € según el cambio actual yen/euro.

Categorías: Fotografía

Fujifilm X-A3

DSLR Magazine - Hace 11 horas 35 mins

Fujifilm anuncia la nueva versión de uno de sus modelos de acceso a la serie X, la Fujifilm X-A3 que viene para actualizar la X-A2 presentada a principios del año pasado, con la principal novedad del aumento de resolución, de 16 a 24,3 Mpx.

Pocos cambios externos en la Fujifilm X-A3.

Se ha mejorado sustancialmente el sistema de autoenfoque, incluyendo ahora un detector de ojos para obtener buenos retratos, probablemente, una de las opciones preferidas por los usuarios de esta cámara, de gran éxito en Asia. En este sentido, la pantalla de 3”, táctil, se puede articular a 180º para facilitar los autorretratos, además de incluir un modo específico para esta disciplina fotográfica.

La pantalla trasera se puede abatir 180º para facilitar los autorretratos.

Además de la detección de ojos, se ha mejorado el rendimiento de todo el sistema de enfoque, especialmente el enfoque continuo cuyo campo de puntos se puede ampliar.

Disponible en 3 colores, se ofrecen como opción muñequera y semi-funda a juego.

La sensibilidad se ha aumentado hasta IE 25.600 en modo expandido (6.400 ISO en modo estándar) y se incluyen nuevos modos de película que se pueden utilizar para la grabación de vídeo. Incorpora también obturador electrónico capaz de lograr tiempos de obturación de hsta 1/32.000 s así como un sistema estabilizador que ayuda a minimizar la trepidación.

Sin visor electrónico, la X-A3 supone el acceso a la serie X.

Exteriormente se diferencia porque se ha reducido la cobertura de símil cuero, mostrando ahora un área metálica alrededor del objetivo. De acuerdo al sector de público al que va dirigido, además de negro se ofrece en rosa y marrón.

Los diales se mantienen en su lugar en la nueva Fujifilm X-A3

Las “A” son las únicas de objetivos intercambiables de la serie X que incorporan un sensor con el patrón Bayer en vez del X-Trans que ha hecho famosa esta serie en Fujfilm.

Sensor CMOS APS-C de 24,3 Mpx para la nueva X-A3.

Aún está pendiente de confirmar la disponibilidad en nuestro país así como el precio de lanzamiento y los kits de oferta.

Categorías: Fotografía

Fujifilm aumenta su oferta angular con un 23 mm f2 más ligero

Quesabesde - Hace 11 horas 36 mins
Actualidad Fujifilm aumenta su oferta angular con un 23 mm f2 más ligero Construido en metal y con una focal equivalente a 35 milímetros en paso universal, complementa al 23 mm f1.4 con un peso de solo 180 gramos y resistencia al agua fujinon xf 23 mm f2 r wr 25.8.2016  |  07:00 CET

No hay de momento rastro de esa rumoreada Fujifilm de formato completo, pero la compañía no ha dejado de hacer los deberes ante la inminente celebración de Photokina. Y lo ha hecho aumentando su catálogo de objetivos para el sistema X con el Fujinon XF 23 mm f2 R WR, una nueva opción menos luminosa y más compacta que el aplaudido 23 mm f2 R, con el que por cierto comparte el parasol metálico LH-XF35-2.

Con una distancia focal equivalente a 35 milímetros, el nuevo objetivo –que estará disponible en negro y plata- rebaja el peso de su hermano mayor de 300 a 180 gramos sin renunciar a la construcción metálica y a un diseño robusto, tal y como sostienen desde la compañía. Es además resistente al polvo, a temperaturas de hasta 10 grados centígrados bajo cero y al agua, convirtiéndolo en una pareja de baile ideal para las nuevas X-Pro2 y X-T2.

[PRECIO]6832[/PRECIO]

El nuevo Fujinon cuenta con un motor de enfoque por pasos que –según Fujifilm- promete un funcionamiento silencioso y tiempos de respuesta muy altos en combinación con las anteriormente mencionadas cámaras. Está compuesto por diez elementos distribuidos en seis grupos, incluyendo dos lentes asféricas.

Fujifilm no ha desvelado todavía el precio del nuevo 23 mm f2, cuya versión en negro llegará a finales de septiembre. Para la versión plateada habrá que esperar hasta enero de 2017.

Fujinon XF 23 mm f2 R WR

Categorías: Fotografía

El esperado módulo de Hasselblad para el Moto Z reaparece en una filtración

Quesabesde - Mié, 24/08/2016 - 12:09
Actualidad El esperado módulo de Hasselblad para el Moto Z reaparece en una filtración Dotado con un zoom de 10 aumentos y un flash de xenón, redobla la apuesta de Lenovo por la fotografía móvil foto: lenovo Alberto Ballestín 24.8.2016  |  12:09 CET

Hasselblad estará presente en IFA 2016, y todos los indicios apuntan a que el fabricante sueco dará a conocer su peculiar cámara modular para los teléfonos Moto Z durante la feria de Berlín, que abrirá sus puertas a finales de agosto.

Protagonista de varias filtraciones anteriores, este interesante accesorio ha vuelto a aparecer en los medios chinos, permitiendo echar un vistazo más detallado a su diseño exterior. Ninguna de las imágenes tiene la calidad acostumbrada en los materiales de prensa, por lo que cabe suponer que se tratan de infografías de uso interno.

Foto: Lenovo

De grosor considerable (si bien en conjunto minimizado por la singular delgadez del Moto Z, que presume en su versión Force de ser uno de los smartphones más finos del mundo), el módulo de cámara de Hasselblad se diferencia de los ofrecidos para el LG G5 o el antiguo Lumia 1020 por el hecho de que es algo más que una empuñadura.

Así, de acuerdo con las últimas filtraciones, incorporará nuevas prestaciones fotográficas a la gama Moto Z, como un zoom óptico de 10 aumentos, controles físicos y un flash de xenón cuyo rendimiento debería ser muy superior al de tipo LED integrado de serie en los teléfonos.

Foto: Lenovo

Complementos similares lanzados por otros fabricantes incorporan una batería secundaria para ampliar la autonomía del dispositivo al que están conectados, pero por ahora no hay información alguna al respecto.

Aunque la colaboración entre Moto (Lenovo) y Hasselblad puede parecer una primicia, lo cierto es que el reputado fabricante de cámaras también trabaja desde hace tiempo con Vertu, cuyos exclusivos teléfonos móviles (el más barato de ellos ronda los 4.000 euros) cuentan con cámaras afinadas de alguna forma no detallada por la firma de Gotemburgo.

Una asociación con Moto permitiría a Hasselblad llegar a un nuevo tipo de consumidor, siguiendo en cierto modo los pasos de Huawei y Leica, cuya alianza se plasma en el smartphone Huawei P9.

Categorías: Fotografía

Ayn Rand y los superheroes

DSLR Magazine - Mié, 24/08/2016 - 11:00

Ayn Rand siempre dijo que había nacido en el único país donde una mujer como ella, amante del individualismo, no iba a poder sentirse jamás cómoda. Su imagen tiene cierta heroicidad, no dudó en ser duramente crítica con cualquier postulado político que anulara su individualidad y cuestionara su objetividad. Además, ha salido últimamente a la palestra como parte iconográfica que repele el capitalismo interino y al individuo de a pie que puja por la ausencia de sus propios valores. Y para el director Zack Snyder, ella es parte de su filmografía superheroica.

Vale, quizá tildarla de superheroína y meterla en el paquete filmográfico del Snyder sea exagerar. Pero el director de Man of Steel, Batman v Superman: Dawn of Justice y Watchmen quiere llevar al cine una de las obras cumbres de la escritora rusa, El manantial, según ha afirmado en una entrevista. La realidad es que cuando nos atrevemos a mirar con ojos menos dispersos la obra del cineasta, hay más de Rand de lo que imaginábamos en ella. Y no nos escuece tanto elucubrar sobre una adaptación de un director tan poco convencional, a pesar de que el grueso de su obra esté –aparentemente– ausente del peso al que podría suponerse una adaptación moderna de este libro.

Snyder en el set de “Batman vs Superman” con los actores protagonistas. Warner Bros

Ya existe una adaptación previa a la novela, con Gary Cooper dirigida por King Vidor (1949) y que la propia Rand guionizó en su exilio americano –viajó a ver a sus tíos a EEUU y no volvió a su amada y odiada Rusia hasta mucho tiempo después–. Un Cooper protagonista que tenía sus más y sus menos con sus diálogos, quizá porque no comprendiera la luminosidad objetivista que pretendía trasmitir Rand. O eso o que no estaba de acuerdo con lo que le obligaban a decir. Fuera como fuese, la primera película pone en la pista de lo que podríamos esperar de una adaptación de Snyder.

Pero es que realmente hay algo de Rand en el cine de superhéroes de Snyder. ¿No es acaso Superman un objetivista nato, un hombre plegado a su idiosincrasia única y letal? ¿No es Batman v Superman una lucha contra la anulación del individuo, su poder y el beneficio de los pocos ante los muchos? Batman trata de detener a Superman con su cerebro como último y único recurso –y su multimillonario bolsillo–. Rand apuntaba que el cerebro es el único arma con el que el hombre es escupido al mundo y será la única con la que podrá contar en todos los momentos de su vida con la confianza de que nadie va a poder robársela. El que la premisa desigual de esa batalla entre ambos parta con la certeza de que Batman solo tiene su astucia para combatir al ser más poderoso del universo. Y ha de pararle los pies, desoyendo toda advertencia y ante la publicidad negativa y el consejo amistoso. Como el protagonista de El manantial.

Ayn Rand en Nueva York, 1964. Revista Time.

En realidad es una premisa simplista, pero una premisa acertada al fin y al cabo. Que la obra de Snyder esté empapada de Rand no acaba aquí. Watchmen contiene personajes parejos que recuerdan al pensamiento de la escritora. El Dr Manhattan es un adusto y estático protagonista que trata de eximirse de ayudar a la raza humana por no encontrar una razón que lo justifique. Es el ser más poderoso del universo y sin embargo necesita una razón para utilizar sus poderes en favor los seres con los que antes compartía especie. El pesimismo y la unicidad del Dr Manhattan incidían en su individualismo, en cierto giro al nihilismo y una incapacidad –ni necesidad– de decisión que la autora rusa reflejaba cuando decía “si no hay razones para moverse, no me moveré“.

Rand sostenía que el único capitalismo posible era el que permitiera a los demás practicarlo. Es decir, la laissez-faire, el “permitir hacer“, la no intrusión en los asuntos económicos de los demás. Pero esto incluía también la confianza en que el otro haga uso de la razón para poner en práctica una serie de acciones que le hagan respetar ese sistema. Algo que Christian Felber ve reflejada en las premisas de su Economía del bien común, una suerte de ideario económico sustentado en la confianza en el ser humano para mantener un sistema de no excesos y control mutuo.

Un solitario Dr Manhattan sopesa en soledad si ayudar al ser humano es beneficioso para él mismo. Alan Moore y Dave Gibbons,

Quizá el que Watchmen hable del pesimismo y de la confianza tengan más que ver con Rand de lo que pensamos. La incapacidad –infinitamente demostrada– del ser humano en no poder confiar en sí mismo nos remite al individualismo de Rand, al no poder confiar más que en el cerebro propio, en el razonamiento unitario del individuo. Y es que otro de los postulados de Rand es el egoísmo, la necesidad de serlo y la única y verdadera herramienta de supervivencia que tiene el hombre. Esa unicidad del Dr Manhattan a veces nos lleva a ver el egoísmo en él, implícito y sin matices, y cuando es así ese egoísmo no deja que resida en él nada negativo. El objetivismo de Rand estipula como máxima que el hombre tiene derecho a vivir para sí mismo, sin sacrificarse por los demás ni sacrificando a los demás por él. El egoísmo que aquí resuena lo hace desde las vísceras, más cercano al ñu que abandona a su manada para correr y no ser cazado por cocodrilos que al que piensa en sí mismo con análisis en un caso que pondría en mal lugar a los suyos. Sin embargo, no olvidemos la razón como último arma del hombre para afrontar los cambios del mundo. En ello, Rand insiste tanto como puede.

La rebelión de Atlas, su obra más reconocida (y según varios estudios la segunda obra más influyente en el pensamiento crítico americano de este siglo después de la Biblia) es una novela que retrata el colapso del sistema tal como está establecido. El personaje principal trata de mantener a flote su empresa mientras que todos los que apoyan y refuerzan sus estrategias empresariales y sus postulados desaparecen sin causa aparente llevando poco a poco a la tragedia en forma de colapso financieros. Hay quien dice que Rand anticipó la crisis de 2008 –que aunque no lo parezca, sí que ha terminado: nuestra actualidad es nuestra nueva normalidad postcrisis– en esta novela. No andan muy desencaminados. La catarsis financiera es una amalgama catalizadora de todo el pensamiento “randiano”, un fin último y justificado, un egoísmo mal entendido y la vergonzosa incapacidad del hombre de no ser racionalmente útil. Hay algo bastante de esa catarsis última en las películas de Snyder.

Los futuros suicidas de ‘300’. Frank Miller.

Todas llevan a desembocar a una serie de acontecimientos que se van hilvanando y rumiando durante el desarrollo de la película. Las consecuencias son aún más terribles y dolorosas porque hablamos de seres con superpoderes, con una fuerza descomunal o con unos recursos enormes. Es como si pequeños acontecimientos señalaran que algo no va bien, que el asunto se está torciendo, que no están haciendo bien las cosas. Batman es incapaz de explicar a Superman como es debido el problema que supone la existencia del extraterrestre, y éste no puede dar a entender a los demás la necesidad y las consecuencias de no estar o de no haber estado en la Tierra. La ausencia de un razonamiento sosegado, el egoísmo no entendido, todo va tomando forma y adentrándose en terrenos peligrosos que posiblemente podríamos habernos ahorrado –algunos piensan que incluso podríamos habernos ahorrado la entrada del cine–. Todo se encamina, así pues, a un clímax cuyo camino está repleto de miguitas de pan quemado.

300 es el paradigma de lo que está mal desde el principio y que mal acabará. Sabemos que todo acto está destinado a terminar con los trescientos hombres muertos en el desfiladero ante las tropas de Jerjes en el desfiladero de las Termópilas. Aquellos hombres están muertos antes de empezar la película. Lo que se presupone un acto de valentía y de sacrificio al espectador se le antoja de primeras como un suicidio temporizado, se sienta en la butaca sabiendo el final, y exime a su conciencia de las dolencias derivadas de meterse en la piel de quienes van a morir dentro de una hora y media. O no, que a veces estos ejercicios funcionan. Quizá por eso Snyder, por lo que pudiera pasar, se atrevió a meterle un “twist” visual a su cinta, un paso a la izquierda en el mundo de la diversión visual, como hicieran las hermanas Wachowski con Matrix. Un arrojo de nata montada en un pastel cuyo sabor ya conocemos. La sombra de Rand es alargada, como pueden comprobar. Pero, además, los 300 son un tapón para la economía destructora y capitalista que representa el todopoderoso Jerjes, que bien podría ser la cabeza invisible de una mega-corporación que pretende ampliar sus dominios por todo el mundo.

Gary Cooper protagonizó la cinta de “El manantial” en 1949. Este extracto ilustra todo de lo que estamos hablando:

La inocencia parece ser algo que los detractores de Rand lanzan contra ella de manera sentenciosa. Por ello es posible que en muchas ocasiones se le haya tachado de “filosofía para adolescentes”. Posiblemente por su idealismo que accede a sentimentalizar algo cuya premisa es una ausencia de sentimientos en favor de la razón, y que sin embargo no puede ser materializada como realidad sustancial si no se basa en la confianza plena en el individuo. Puede que sea de las pocas personas que escribió su obra y definió su pensamiento siendo egoísta y generosa al mismo tiempo.

Y, a todo esto, Snyder quiere adaptar El manantial de Rand. Esta viene a ser la historia de un hombre que quiere hacer las cosas a su manera, sin viciarse ni contaminarse de lo establecido. El protagonista es Howard Roark, un arquitecto que tiene ideas modernistas y que lucha por mantener su estilo y su genuinidad ante los que pretenden alcanzar el éxito con formas más ortodoxas, desacreditando lo distinto y lo más novedoso. Rand se reflejó totalmente en su protagonista. Snyder parece también hacerlo. A veces recuerda al protagonista de la gloriosa novela El filo de la navaja de Somerset Maugham en su intento por no supeditarse a lo establecido, pero, a diferencia de Roark, pasando por un sendero espiritual. Porque Rand, como ya hemos reiterado, solo se tiene a sí misma para salir adelante, y no puede confiar ni en Dios, ni en Superman, ni en el Dr Manhattan.

¿Recuerdan al personaje de Sawyer en la serie “Lost”? Egoísta, irónico, objetivista, inteligente y poco solidario. Fíjense en lo que está leyendo. Lostpedia. © ABC Series

Quizá valga la pena traer aquí parte del epílogo que dedicó Leonard Peikoff a la novela en su edición estadounidense en 1992: “Esto puede sonar inocente. Pero ¿nuestra vida tendrá realidad alguna vez? ¿Vamos a vivir alguna vez a nuestro nivel, o la vida siempre va a ser algo más, algo diferente de lo que debería ser? Una vida real, simple y sincera, e incluso inocente, es la única vida donde realmente puede encontrase toda la grandeza potencial y la belleza de la existencia humana. ¿existen razones reales para aceptar la alternativa que tenemos hoy en día? Nadie a demostrado realmente la vida (de hoy), como realmente es, con su verdadero sentido y sus razones. Si no es un bello cuadro ¿cuál es el sustituto?

¿Les extraña ahora que Snyder quiera adaptar la obra de Ayn Rand?

Categorías: Fotografía

Configuración y operación de cámara en cinematografía digital (X)

DSLR Magazine - Mié, 24/08/2016 - 10:00

Cuando se iniciaron las emisiones de televisión en Estados Unidos -exclusivamente en blanco y negro- hubo que idear un instrumento de prueba para medir la señal de vídeo de modo que fuera posible realizar los ajustes y verificaciones pertinentes. A este instrumento se le denomina monitor forma de onda (WFM).

Monitor Leader mostrando la imagen y el monitor forma de onda configurado para separar la señal de luminancia y las de diferencia de color (crominancia)

A su vez, a finales de la década de 1950, los ingenieros se vieron obligados a agregar el color a la ecuación. Era necesario, por tanto, desarrollar otro instrumento para ajustar y verificar la porción de la señal de vídeo dedicada a los valores de crominancia. A este segundo instrumento se le denomina vectorscopio. En conjunto, ambos suponen la mejor manera que tenemos de saber que las imágenes de vídeo están dentro de una serie de parámetros correctos para nuestras necesidades.

Vectorscopio

Hay una gran cantidad de posibilidades de uso de estos osciloscopios especializados con diferentes señales de prueba. Por regla general se utilizan para mostrar y entender las barras de color, bien desde la propia cámara o bien desde un dispositivo externo para ajustar la amplificación del procesado de la señal y comprobar que la salida de vídeo es la adecuada. En cualquier caso, tales instrumentos resultan también muy útiles a la hora de evaluar el vídeo procedente de una cámara o de un conmutador.

Monitor forma de onda (WFM)

Las funciones analógicas de un monitor forma de onda no son relevantes para el trabajo de un director de fotografía porque este trabaja en el ámbito digital de ese instrumento. Sin embargo, las incluimos en este artículo para que el lector sepa lo que representan cuando las vea. Las marcas más prominentes son las líneas horizontales que van desde el valor de 100 en la parte superior al de -50 en la parte inferior. Destaca el grosor de la línea de subdivisión que encontramos aproximadamente a un tercio de la escala si empezamos desde abajo y que se corresponde con el valor equivalente a cero. Estas unidades representan grados IRE (iniciales del Instituto de Ingenieros Radioeléctricos estadounidense, la organización que creo este estándar y que se convertiría con posterioridad en el IEEE -Instituto de Ingenieros Eléctricos y Electrónicos). La porción de la escala correspondiente a vídeo es la que va desde el valor de cero al de cien. La zona debajo de cero se usa para visualizar señales de sincronización para la emisión profesional analógica.

Valores IRE de una señal de vídeo analógica en un monitor forma de onda

El estándar digital no depende del habitual establecimiento de las negros en 7.5 IRE, propio de la señal analógica. Los niveles de negros en alta y ultra-alta definición llegan hasta 0 IRE. Existen dos líneas situadas por encima de 100 (a 110 y 120 IRE) denominadas área de superblancos donde pueden situarse los picos más fuertes (destellos del sol o de objetos muy brillantes, por ejemplo). Lo que percibimos como blanco en un monitor no equivale a 100 IRE en realidad. Suele encontrarse entre 75 IRE y 85 IRE dependiendo del contenido visual de la imagen. Debemos pensar en los valores de 100 IRE y superiores no como blancos, sino como zonas de altas luces que son perfectamente normales dentro de una imagen.

Echemos un vistazo ilustrativo a una carta de color DSC Labs Chroma Du Monde expuesta apropiadamente.

Carta de color DSC Labs Chroma Du Monde

En el monitor forma de onda vemos la señal resultante de la carta mentada que muestra once pasos en la escala de grises cruzada desde 0 IRE hasta más o menos 100 IRE. Las líneas de la escala de grises son lineales y conforman una intersección cerca del 50% dentro de la escala. Los colores del perímetro de la carta aparecen como líneas de valores de color a través de la región intermedia de la representación en el monitor forma de onda.

Representación de los valores de los tres colores primarios de la carta DSC Labs Chroma Du Monde en un monitor forma de onda (imagen cortesía de Abel Cine)

Ahora probemos con una señal de prueba más compleja a partir de barras de color. Esta es la señal de prueba estándar que se usa para calibrar magnetoscopios, cámaras y monitores (como ya vimos en un artículo anterior). Aunque ha habido muchas variaciones distintas de barras de color a lo largo de los años, el formato actual que emplearemos es resultado de amplísimas investigaciones y experiencias prácticas. Las versiones más comunes de barras de color a nivel global son las SMPTE RP 219-2002 y la ARIB (Association of Radio Industries and Businesses). Ambas incorporan idénticos valores, pero la versión de la ARIB es más reciente y más específica para la alta definición.

Barras de color ARIB

Ya hemos hablado del orden de los parches en las barras de color. No obstante, lo repetiremos aquí para que el lector no tenga que estar consultando dos páginas a la vez. Los parches de color están dispuestos en cuatro filas. La fila superior comienza con una tira de gris al 40%, seguida por otras de blanco, amarillo, cian, verde, magenta, rojo y azul -todas ellas al 75%- y una última de nuevo de gris al 40%. Corresponden a los tres colores-luz primarios (rojo, verde y azul) y tres colores complementarios denominados secundarios (amarillo, cian y magenta). A menudo también se les denomina colores aditivos y sustractivos respectivamente. Estos colores están rodeados por las dos tiras de gris mencionadas.

La segunda fila incluye cian al 75%, enfasado al 75%, blanco al 75% y azul al 100%. La tercera fila incluye amarillo al 100%, una gradación del negro al blanco y un rojo al 100%. Las dos se emplean para la calibración de monitores.

La última fila muestra un parche gris oscuro (al 15%), un parche negro (0%), un súper blanco (100 IRE), otro negro absoluto (0%) y a continuación cinco pequeños parches de negro denominados PLUGE (Picture Line-Up Generation Equipment) con valores de -2%, 0%, +2%, 0% y +4% respectivamente. Le siguen otro parche negro al 0% de mayor tamaño y -por último- otro parche gris oscuro al 15%. La señal de luminancia de una carta ARIB tiene este aspecto en un monitor forma de onda:

Representación de valores de luminancia de las barras de color ARIB en un monitor forma de onda

Esta visualización facilita la muestra de toda la gama de niveles de blanco y negro y de los parches PLUGE. Todos ellos son de vital importancia para configurar los monitores de manera correcta.

El parche blanco en la parte inferior izquierda de la señal de las barras de color SMPTE está situada justo sobre la linea de 100 IRE y los parches negros están justo en la línea de 0 IRE. Estos valores representan una señal de vídeo adecuadamente ajustada. Cuando reproduzcamos las barras de color desde una cámara, un soporte de almacenamiento o un archivo este es el aspecto que deberían tener dichas barras.

Para configurar un monitor a partir de esta carta, debemos utilizar el gran rectángulo blanco en la fila inferior como referencia del nivel de blancos más alto. A continuación, las barras PLUGE nos proporcionan cuatro niveles de negro para configurar el nuestro. Hay que ajustarlo arriba o abajo hasta que apenas se pueda distinguir la tira de +2% y la de 4% sólo sea ligeramente más visible.

En nuestro próximo artículo entraremos en más detalle acerca de la utilización del vectorscopio.

Categorías: Fotografía

Terror en el laboratorio

DSLR Magazine - Mié, 24/08/2016 - 09:30

Como conmemoración del 200 aniversario de la famosa velada alrededor del fuego que compartieron Mary Shelley, Lord Byron, Percy Shelley y John Polidori en Villa Diodati, el Espacio Fundación Telefónica nos trae “Terror en el laboratorio: De Frankenstein al Dr. Moreau”, una exposición que hará las delicias de los amantes del género, freaks y curiosos en general. Dividida en tres bloques, la muestra repasa los antecedentes de la literatura de terror y analiza los grandes temas que trata el género, poniendo de manifiesto las preocupaciones humanas al respecto.

El público asistente podrá disfrutar de la proyección de trailers y películas relacionadas con la exposición. Foto: © Mario Sánchez

El primero de esos bloques está referido al “monstruo” y se centra principalmente en dos famosísimos libros: “Frankenstein”, de Mary Shelley, y “La isla del Dr. Moreau”, de H.G.Wells. Y es que fue con la ópera prima de Shelley cuando se introdujo al mundo una figura que a la postre sería muy representativa para la cultura popular: el mad doctor, es decir, el científico loco. Posiblemente ayudado por el rechazo a la tecnología que había en la época, el libro de Mary Shelley presenta dos personajes principales que, a su vez, son contradictorios. Por un lado, el bonachón monstruo creado por el Dr Frankenstein, que pese a su enorme corpulencia y fuerza sobrehumana no quiere hacer daño a nadie. Por el otro, la figura del propio Dr. Frankenstein representa ese miedo natural a lo desconocido, y en este caso, a las capacidades de la ciencia. En cuanto a la obra de Wells, cabe destacar la presencia de uno de los temas más turbadores de la época: la vivisección, es decir, la práctica médica con animales vivos. Por aquel entonces, incluso Darwin estaba en desacuerdo con la idea, aunque posteriormente abriría muchas puertas a lo que hoy conocemos como fisiología animal.

El segundo bloque trata el problema del “doble”, el gemelo malvado, aquel monstruo que osa suplantar nuestra identidad y así engañarnos para robar nuestras mejores posesiones, incluso nuestra vida. Este tema existencial ha sido tocado por muchos artistas a lo largo de la historia –¿Quién no recuerda a Donald Sutherland señalando con el dedo en la escena final de La invasión de los ultracuerpos?–, pero fueron Robert Louis Stevenson y H.G. Wells los pioneros en la materia. Con “El extraño caso del Dr. Jekyll & Mr. Hyde”, Stevenson desdobló la personalidad del protagonista para hacer crecer un ego reprimido que se vería convertido en el malvado Mr. Hyde. H.G. Wells, por su parte, publicó en 1897 “El hombre invisible”, que no sólo recogía esta idea, sino que le dio una vuelta más de tuerca otorgándole un poder extraordinario como es el de la invisibilidad. No sólo era capaz de colarse en cualquier espacio sin ser visto, sino que manipulaba la refracción de la luz para engañar así a sus víctimas.

Detalle de la colección de figuras de Sara Torres. Foto: © Mario Sánchez

En el último bloque el tema a tratar es el de “El autómata”. Recogiendo conceptos de la historia de Shelley y mezclándolos con las de Wells y Stevenson, fue el cineasta Fritz Lang quien llevó a la gran pantalla por vez primera este concepto. En la celebérrima “Metrópolis”, Lang narra la historia de un barrio suburbano de una megalópolis del S.XXI en la que la desigualdad entre los obreros y la clase intelectual que tiene el poder es cada vez más patente. Es un robot el que incita a estos obreros a formalizar la revuelta violenta, sustituyendo a la pacificadora María, que arenga a los trabajadores a que la revolución parta desde el amor y el respeto. De nuevo aquí repasamos el concepto de la suplantación de identidad, quizá uno de los mayores miedos innatos del ser humano.

La exposición cuenta con multitud de artefactos usados como atrezzo en las películas protagonistas, además de una conjunto de figuras de coleccionismo cedidas por Fernando Savater y pertenecientes a su esposa. Estará disponible para acudir a verla hasta el 16 de octubre en la segunda planta del Espacio Fundación Telefónica en Madrid, con entrada gratuita.

Categorías: Fotografía

Por Qué No Deberías Limitarte a un Único Tipo de Fotografía

DZoom - Mié, 24/08/2016 - 09:00

¿Recordáis cuáles fueron vuestras primeras fotos con una cámara? Sí, la cámara réflex. O la compacta tal vez. Creo que podría adivinarlas: unos retratos a tu pareja, que andaba distraída por ahí. O a un buen amigo que se prestó para que le hicieras fotos. Fotos que ahora notarías un tanto subexpuestas, con el punto de foco errático en varias de ellas. Tal vez por ahí también habría algunas fotos de atardeceres. Y de gatos o palomas callejeras. ¿Qué cómo lo sé? Porque todos hemos empezado así.

¿Y desde entonces? ¿Han variado tus fotos? El caso es que muy a menudo no varían tanto. Es común que nos quedemos en lo conocido y lo que tenemos más a mano, repitiendo lo mismo porque nos ha gustado desde el principio. Vamos aprendiendo algunas cosas nuevas para mejorar esas fotos. Retratos. Y atardeceres, con suerte. Pero, ¿y todo lo que te estás perdiendo?

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Al igual que en toda profesión y campo de estudio, la base de conocimientos sobre la que ejerces toda actividad es la que determinará tu capacidad de responder ante una situación nueva o resolver una que ya se ha dado pero con otros matices. Por ello un ingeniero estudia todas las ciencias, desde Química hasta Electrónica, aunque en su desarrollo profesional sólo vaya a dedicarse a las Estructuras. Y un médico, durante los años de su residencia de especialización, rota por todos los departamentos, desde Cardiología hasta Traumatología, aunque su especialidad sea Interna. ¿No preferirías que te atendiera un médico que conoce de todo antes que uno que sólo ha estudiado una cosa?

Pues pasa igual con la Fotografía. Aunque nos especialicemos en una disciplina, tener una sólida y completa base de todas las posibilidades fotográficas nos hace mejores fotógrafos por la amplia perspectiva que nos aporta. Aunque te dediques, por poner un ejemplo, a la fotografía de retrato, ¿crees que no tiene nada que aportarte el saber buscar las líneas y la geometría de la fotografía de arquitectura? ¿O que no puedes aprender nada sobre la búsqueda de la máxima nitidez propia de la fotografía de paisajes? ¿O sobre el control de la iluminación y el ruido que se aprende de la exigente fotografía nocturna? ¿Alguna vez has forzado la imaginación tanto como para aportarle un significado conceptual?

Si te sale todo bien a la primera, es que no estás haciendo nada nuevo

Por ello, aunque tu portfolio muestre aquellas fotos de las que te sientes más orgulloso y sirvan más al propósito del cliente al que te muestras, creo que es muy importante que el archivo de fotos “personales” o el de “probando cosas nuevas” esté lleno de fotos de todo tipo, aunque sean malas. Que esté lleno de intentos fallidos, de pruebas de esa técnica rara que leíste por internet, de imágenes inútiles pero instructivas de aquella vez que le diste la vuelta al objetivo para ver qué pasaba, de aquélla que probaste un tubo de extensión para fotografiar un insecto, usaste un filtro inventado por ti, saliste a la calle con una vieja cámara de los 50, hiciste fotos a las estrellas con flash y sin flash e intentaste sin éxito imitar ese efecto intenso de Photoshop que viste a un fotógrafo famoso.

Todo ello, aunque no puedas mostrarlo para demostrar que eres un buen fotógrafo, te hace mejor fotógrafo. Aumenta tu conocimiento y expande tus posibilidades. No se trata de cambiar tu estilo, pues encontrar tu propia seña de identidad es una máxima a perseguir, sino de nutrirlo de nuevos elementos. Nuestra creatividad será la que decida con qué dejarse influir y qué descartar, pero lo fundamental es no privarla de tener esa oportunidad de avanzar. Y, quién sabe, quizás descubras que esa disciplina que al principio no te llamaba nada la atención, después resulta que te gusta mucho más que todo lo que hacías hasta ahora.

Por supuesto, nadie puede ser un experto en todos los campos. Ni puede, ni le gustarán todos los tipos de fotografía. Tras explorar la gran variedad de tipos que hay y habiendo sentado las bases de nuestro conocimiento, nuestro gusto por unas más que otras hará que le dediquemos más tiempo y nos enfoquemos en las que disfrutamos. Y que con el tiempo acabemos convirtiéndonos en todos unos expertos del tema, llegando a ser identificados con un estilo personal dentro de esa especialidad.

@media only screen and (max-width: 760px) { .dzsense { display:none; } .dzsense-responsive { display:block !important; font-style:italic; } } Si te gustaría aprender a hacer fotos geniales, este curso es para ti: AHMF31: el curso de fotografía de dzoomPero quien mucho abarca poco aprieta

Sin embargo, por otro lado hay quien opina que la especialización debe comenzar cuanto antes y enfocarte únicamente en tu estilo de fotografía. De hecho, es la filosofía que se inculca en la inmensa mayoría de las academias y escuelas de Fotografía que he conocido, donde se enseñan apenas fundamentos de funcionamiento de la cámara, iluminación y tratamiento de imagen y poco después ya te dirigen hacia una única vertiente, normalmente moda o reportaje. Su objetivo es la pronta profesionalización y conseguir que sus alumnos sean más competitivos en el difícil mundo laboral de los fotógrafos.

Y es muy cierto que para poder ser un fotógrafo de profesión y vivir bien de ello, hay que destacar. Tener un portfolio brillante y lleno de experiencia en el campo que pide tu cliente, y a éste, si es de una firma de ropa, muy probablemente no le importen ni interesen tus fotos de paisaje nocturno. Y si es una pareja que busca fotógrafo para su boda, seguramente tampoco le interesen tus fantásticas fotos conceptuales. Luego, ¿para qué perder tiempo en hacer estas fotos cuando lo podrías invertir en la disciplina en la que te interesa ser el mejor? Cuanto más tiempo le dediques a un estilo concreto, mejor serás en ello.

Es una postura que, personalmente, comprendo y respeto, pues efectivamente hay grandes profesionales, muy buenos en su campo, que no hacen más que fotografías de lo suyo. Pero, ¿cuánto se están perdiendo? ¿Cuánto se están limitando? ¿No corren el riesgo de encasillarse?

Para quien lo que le gusta es el camino y el disfrutar de la Fotografía, poner límites a su práctica es como levantar muros a los lados de la carretera: quizás llegarás a tu destino antes, pero te habrás perdido la inmensidad y belleza de los distintos paisajes que hay hasta llegar al él. Y si es tu caso el de que amas la Fotografía como un placer, te invito a conocerla desde la perspectiva más alta posible.

Guillermo D. Cobelo. La Coruña (1970). Fotógrafo, no profesional; autodidacta, por convicción; desde que era niño, cuando utilizaba la cámara de su padre durante los viajes que realizaban. En permanente búsqueda de oportunidades y retos, para fotografiar lo desconocido. Su objetivo es seguir aprendiendo y mejorando la calidad de sus fotografías.  Si tuviese que elegir dos tipos de fotografía, elegiría la de producto y el paisaje. Y los retratos, como no. Lo encontrarás en su blog, La luz del Tiempo, Facebook o Twitter.

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Categorías: Fotografía

Wing, un slider tan suave que parece motorizado

DSLR Magazine - Mié, 24/08/2016 - 09:00

Edelkrone parece decidida a inventar productos tan útiles como sorprendentes y que–además– no sea necesario invertir grandes cantidades de dinero para hacernos con ellos. A priori ya estas características pueden interesar a muchos, pero si eres aficionado al vídeo y estás pensando en comprar un deslizador para la realización de tus planos y te lo estás pensando por el precio de los motorizados, espera a ver esto.

Se trata de un producto pensado para un usuario avanzado que necesite un resultado profesional en los desplazamientos de cámara de sus planos, y la novedad frente a otros productos tales como los deslizadores motorizados al uso es que no necesita de railes, ni electricidad, ni mucho espacio para ser utilizado y mucho menos para ser transportado.

Se trata del Wing, un accesorio que se monta en un único trípode y que nos permite realizar suaves movimientos en los planos, y al no estar motorizado no hay ruidos molestos que interfieran en la grabación, pero –sorprendentemente– es tan suave que parece que el plano se ha obtenido montando la cámara en un deslizador con programador.

Ultimamente el uso de las cámaras sin espejo para la grabación de vídeo va en aumento, siendo cada vez más amplia la oferta de accesorios pensados para facilitar el trabajo de los operadores que trabajan con este tipo de formato. El Wing sigue esta misma estela y está pensado para poder ser utilizado con cámaras de hasta 1,5 Kg. Pese a su tamaño compacto (14,7 X 4,5 X 6,6 cm) nos permite realizar trávelings de hasta 40 centímetros. Está fabricado casi en su totalidad en aluminio y pesa poco más de medio kilo. 

Su precio es igual de sorprendente, pues estamos hablando de poco más de 219 euros y pese a que está disponible para ser pre-encargado ya en la página del fabricante, no nos llegará hasta pasado el 26 de septiembre, fecha oficial de su lanzamiento.

Más información en la página de Edelkrone

Categorías: Fotografía

Hoy hace 5 años: Ruven Afanador

Fotógrafos en la red - Mié, 24/08/2016 - 08:00

Ruven Afanador es un célebre fotógrafo colombiano (nacido en 1959 en Bucaramanga, Colombia, vive en Nueva York) que es uno de los fotógrafos de personajes y moda más cotizados del mundo, un talento de extraordinaria imaginación, poderosa visión y profundo sentido de sí mismo. Su extensa obra se distingue por un opulento clasicismo avivado por un punto de vista irreverente y un asombroso lenguaje visual, iluminado por la extravagante emoción de su herencia latinoamericana, matizado por una exquisita elegancia.

© Ruben Afanador

 

Desde mi primera toma supe que la fotografía era mi pasión. Fascinado, dediqué todo mi tiempo a desarrollar mi forma de mirar.

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

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Android 7.0 ya está disponible

Quesabesde - Mar, 23/08/2016 - 11:40
Actualidad Android 7.0 ya está disponible Conocido como Nougat y cargado de mejoras a nivel de usuario, el renovado sistema operativo inicia su despliegue aterrizando en los dispositivos Nexus foto: google Alberto Ballestín 23.8.2016  |  11:40 CET

Los propietarios de un dispositivo Nexus están de enhorabuena. Google ha dado el pistoletazo de salida a la más reciente versión de Android, que como ya es tradición llega en primicia a sus propios dispositivos antes de ir extendiéndose progresivamente a otros teléfonos y tablets basados en la plataforma. Apodado Nougat (nombre adoptado tras sondear a los usuarios), Android 7.0 aterriza con un buen puñado de novedades.

Si bien esta actualización no brindará cambios inmediatamente evidentes si ya se está familiarizado con Android 6.0, las mejoras no son escasas ni menores. Además de los ya más que conocidos nuevos emojis, Nougat incorpora soporte para la ejecución de aplicaciones en paralelo usando una interfaz multiventana, controles de notificaciones avanzados y un menú superior configurable para acceder rápidamente a otras opciones del teléfono aparte de las configuradas de serie.

Foto: Google

Además de estos cambios de relativa notoriedad, Nougat mejora la experiencia de usuario permitiendo cifrar archivos de forma individual, amplía el número de parámetros cubiertos por la copia de seguridad automática de Google para guardar perfiles más completos, hace posible cambiar el tamaño de iconos e imágenes en el sistema (en lugar de únicamente las fuentes) y optimiza el rendimiento de los juegos gracias al soporte para la API Vulkan.

Por último, cabe señalar que Android 7.0 viene con un modo especial que permite desactivar todas las notificaciones del trabajo para desconectar totalmente durante los momentos de relax.

Nougat ya puede ser descargado por los usuarios de un teléfono Nexus 5X, Nexus 6, Nexus 6P y Nexus 9 y el tablet Pixel C. Próximamente también estará disponible la actualización para el reproductor Nexus Player.

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Cuando hacer lo incorrecto es lo correcto

Quesabesde - Mar, 23/08/2016 - 10:48
Actualidad Cuando hacer lo incorrecto es lo correcto Eduardo Parra 23.8.2016  |  10:48 CET

Ya ironizaba al respecto Uderzo en el clásico "Las doce pruebas de Astérix": enfrentarse a la burocracia es uno de los entuertos más movedizos y frustrantes de nuestra sociedad. Para evitar esa jungla de papeleo, Txuma Campos, un ciudadano que se hizo con una cámara extraviada, decidió utilizar el poder de las redes sociales y buscar a sus dueños con la ayuda de Twitter. Y como rezan los odiosos clickbaits que tan de moda están últimamente: lo que sucedió después te sorprenderá.

"Estoy intentando localizar a esta pareja. Han perdido una cámara de fotos en Pamplona y me gustaría devolvérsela." Así rezaba un tuit lanzado por Txuma Campos que, como tantas otras historias, amenazaba con convertirse en un cuento de hadas fotográfico de los de final feliz y moraleja colaborativa para seguir manteniendo la fe en la humanidad. Cámara extraviada y persona honrada que buscaba cómo devolverla. Hasta ahí, todo perfecto.

Este consultor y diseñador, como a sí mismo se define, nos cuenta cómo empezó esta retorcida historia: "Hace unos días mis padres se encontraron una cámara pequeña en un parking de Pamplona. En su momento dejaron unas pequeñas notas escritas con su número de teléfono en los parabrisas de los coches aledaños, pero nadie se puso en contacto con ellos. Cuando me lo contaron a mí, empezamos a hablar sobre la manera más sencilla de localizar a los dueños para devolvérsela."

Tras ese primer intento fallido, Campos podía haberse quedado con ese regalo inesperado del destino, pero lejos de hacerlo decidió dar un paso más para entregar la cámara a sus legítimos dueños. Así, tras valorar llevarla a la policía o la oficina de objetos perdidos, decidió utilizar las redes sociales.

"Se me pasa por la cabeza el tema de la privacidad -explica-, y aunque sé que puede haber un cierto riesgo, creo que hay muchas más posibilidades de que el dueño se sienta bastante agradecido. Así que me parece un riesgo razonable, y decido echar un vistazo rápido a algunas fotos de la cámara. Entre las últimas veo un selfie que se han hecho, y decido publicar el tuit."

Puesto que esta es una de esas historias de las que todo el mundo quiere formar parte, la foto no tardó en viralizarse y en pocas horas ya había superado el millar de retuits. Cinco días después ya rebasaba los 5.000.

"En aproximadamente 12 horas conseguí encontrar una persona en común. Le di mi número de teléfono, y en cuestión de minutos me llamó el dueño de la cámara. Aproveché para pedir disculpas si le parecía poco adecuado haber publicado la foto en Twitter, pero su comentario fue que no había ningún problema. Al contrario: están encantados y muy agradecidos de poder recuperarla."

Borrar el mensaje

Pero no todas las reacciones al tuit de Campos fueron para aplaudir su gesto. Todo lo contrario. Mientras algunos deslizaron con sorna la posibilidad de que los fotografiados no fueran una pareja formal y que había el riesgo de destapar un idilio, otros denunciaban que se acababa de compartir una foto personal de la pareja sin permiso y que Campos debía borrar el mensaje.

"Hay que tener muy poca vergüenza para poner fotos de una cámara que no es tuya", decía un tuitero

Por supuesto la discusión fue a más. "Hay que tener muy poca vergüenza para poner fotos de una cámara que no es tuya", decía un tuitero. Otro señalaba con humor que "ahora me pierdo yo, la Guardia Civil sube una foto mía y cuando me encuentran les denuncio porque no salía bien".

Aunque la normativa indica que el cauce correcto cuando uno se encuentra un objeto que no es de su propiedad es entregarlo en la oficina de objetos perdidos (y esperar unos dos años para convertirse en legítimo propietario del hallazgo si no aparece el dueño), este no es siempre el camino más eficiente. Así lo hacía ver algún tuitero: "Venga ya. ¿Cuántos habéis ido a objetos perdidos de la policía a ver si tenían algo vuestro? Así mejor."

La historia acabó como debía: con los fotografiados y dueños de la cámara perdida localizados y la máquina de camino a su hogar. Lejos de los presagios menos optimistas, Txuma Campos difícilmente habría cometido un delito: aunque en efecto compartió una foto personal sin permiso, no hubo ni perjuicio ni intención de causarlo ni interés lucrativo. Como mucho, podría considerarse una infracción de la Ley Orgánica de Protección de Datos.

"Sinceramente, no tengo muy claro si lo que he hecho es lo más adecuado, pero me parece mucho más efectivo haberlo hecho así. Y bien está lo que bien termina", remacha Campos.

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