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La libertad de panorama podría verse restringida en toda Europa

Xatakafoto - Jue, 02/07/2015 - 15:07

La libertad de panorama es un asunto importante para cualquier fotógrafo documental o de viajes, especialmente si este vive de su trabajo. Esta libertad consiste en poder fotografiar edificios históricos u obras de arte situadas en el espacio público, y puede verse seriamente aplastada por el Parlamento Europeo el próximo 9 de julio.

Este asunto es regulado por cada Estado y por ejemplo, en Italia no existe Libertad de Panorama por lo que es ilegal tomar y reproducir fotografías de obras públicas. En Francia tampoco existe esta libertad, con la única excepción de que en la fotografía aparezca el edificio como una coincidencia a la toma de la fotografía.

¿Te imaginas todos los monumentos de Europa censurados? Legislación única contra la libertad de panorama

Como comentábamos, hasta ahora la legislación de la libertad de panorama recaía sobre los Estados miembros, y por eso encontramos múltiples libertades a lo largo de Europa. Las graduaciones en esta libertad de panorama se dividen en un total de cuatro estratos:

1. La total libertad de panorama

Esto quiere decir que podrías fotografiar y reproducir cualquier edificio u obra de arte situado en la calle, además del interior de los espacios públicos. Reino Unido y Austria son los únicos países que han implementado esta regulación.

2. Libertad de panorama parcial

En este segundo estrato, está permitido reproducir fotografías de edificios y obras de arte situados en la calle, pero no los interiores de los edificios por motivos de seguridad contra el terrorismo, principalmente. República Checa, Alemania, Hungría o España son algunos de los ejemplos en este estrato.

3. Libertad de panorama para edificios

En tercer lugar, la legislación considera ilegal que hagamos una fotografía a una escultura, pero nos permite reproducir fotografías exteriores de los edificios públicos. Tan sólo Noruega, Finlandia, Dinamarca y Rusia se han incluído en esta sección.

4. Ausencia de la libertad de panorama

Aquí no encontramos libertad alguna para reproducir fotografías de edificios, monumentos ni obras de arte en el espacio público. Países como Francia, Italia y prácticamente toda Europa del Este excepto Moldavia, entre los incluídos.

L'Hemisferic, así como el complejo de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, quedarían fundidos a negro Reformando la legislación



El próximo 9 de junio (exactamente en una semana), el Comité de Asuntos Jurídicos del Parlamento Europeo votará una legislación común en el contexto de una reforma de la legislación de derechos de autor de la Unión Europea. Esto permitirá que muchas fotografías con licencias CC o de dominio público queden invalidadas y censuradas para respetar los derechos de autor de los escultores y arquitectos.

El 9 de junio puede que esta propuesta se convierta en ley, y para entonces cualquier fotografía de un edificio u obra de arte, deberá publicarse o imprimirse bajo licencia no comercial, que en CC equivaldría a una 'CC Reconocimiento-NoComercial' o 'CC BY-NC'. Debido a que plataformas como Wikipedia abogan por el uso de las imágenes con licencia completamente libre y pública (incluídos los usos comerciales), las imágenes a borrar se calculan en miles.

¿A quién afecta esta ley?



A todos los fotógrafos en general. Afecta especialmente a fotógrafos de viajes y documentalistas que hagan negocios con sus trabajos, o fotógrafos que simplemente quieran vender un print de algunas tomas de sus últimas vacaciones. Un fotógrafo aficionado también estaría incumpliendo la ley si imprime una fotografía de un monumento, y decide venderla a un céntimo, debido a que está haciendo un uso comercial de la imagen.

El vacío legal lo ocupan las redes sociales. Un turista que cuelgue una foto de un edificio en Instagram, Facebook o Twitter pasa a formar parte de las condiciones de uso de la plataforma, que normalmente dispone que pueden usar las fotografías alojadas en sus servidores para lo que quieran.

Asimismo, convocatorias solidarias como el Wiki Loves Monuments que pretende documentar todos los monumentos del mundo, vería todas sus fotografías de monumentos de Europa censurados en negro en el mejor de los casos.

La cúpula del Parlamento Federal Alemán se reducirá a un borrón negro ¿Los derechos de autor caducan?

Los derechos de autor tienen una caducidad, a partir de la cual esos edificios o monumentos pasan al dominio público. En el caso de, por ejemplo, la Torre Eiffel, los derechos de autor de Alexandre Gustave Eiffel caducaron hace muchos años, pero la Sociedad de Explotación de la Torre Eiffel aún conserva los derechos de explotación diurna, mientras que la iluminación nocturna de dicha torre se encuentra completamente restringida por los derechos de autor, ya que se instalaron en 2003.

La caducidad de los derechos de autor en España

En España, la protección de los derechos de autor de una obra duran toda la vida del autor ademas de 70 años desde su fallecimiento, en caso de que sólo sea un autor. En el caso de 'obras en colaboración', es decir, con más de un autor, serán 70 años desde la muerte del último de los autores. A partir de este punto sólo se disfrutará de los derechos morales de la obra (es decir, autoría e integridad de la obra que no presentan caducidad), quedando los de explotación () a disposición de cualquier persona.

Es por esto que si mañana muriese Paul McCartney y Ringo Starr, no podríamos disfrutar del catálogo completo de The Beatles hasta el 2 de julio de 2085, que es cuando caducarían todos los derechos de autor de la banda, con todos sus componentes fallecidos.

¿Qué puedo hacer para evitar esta reforma?

Protestar. En Twitter se ha organizado el hashtag #saveFoP y Wikipedia ha dispuesto de la lista de los eurodiputados a los que podemos enviarles una descripción del problema, con una guía de redactado en la parte superior de la página. En Change.org también se ha organizado una recogida de firmas, que ya han recopilado más de 186.000 de las 200.000 que se requieren.

Propuesta de Ley Oficial | Eur-LEX

En Twitter | #SaveFoP

En Wikipedia | Libertad de Panorama en Wikipedia

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Categorías: Fotografía

Nikon presenta dos teleobjetivos luminosos y un objetivo estándar

Xatakafoto - Jue, 02/07/2015 - 12:16

Nikon presenta hoy tres objetivos nuevos, entre los que encontramos dos teleobjetivos luminosos ultraligeros y un zoom de distancia estándar todoterreno de buena luminosidad. Con estos equipos, Nikon pretende aligerar la mochila del equipo sin sacrificar la calidad de imagen.

Concretamente, el modelo estándar es el NIKKOR DX 16-80mm ƒ/2.8-4 E ED VR, mientras que los dos teleobjetivos corresponden a un NIKKOR 500mm ƒ/4 E FL ED VR y a un NIKKOR 600mm ƒ/4 E FL ED VR. Encontramos en estos equipos una ampliación de la gama de cristales de Nikon además de algunas actualizaciones en los componentes básicos como son los cristales o el diafragma.

Aligerando la cristalería

Entre las grandes novedades en los dos teleobjetivos del fabricante nipón encontramos una novedad en el peso: el 500mm reduce su peso en 790 gramos —un 20% respecto a su predecesor; mientras que el nuevo 600mm lo reduce en un 25% que equivalen a 1250 gramos menos.

NIKKOR 500mm ƒ/4 E FL ED VR

Esto se ha conseguido gracias a un mejor diseño del equipo que emplea elementos de cristal de fluorita más ligeros además de una construcción en aleación de magnesio, complementados con recubrimiento nanocristal y elementos de ultrabaja dispersión para evitar las aberraciones cromáticas así como motor ultrasilencioso y estabilizador de imagen.

NIKKOR 600mm ƒ/4 E FL ED VR

En relación al 16-80mm, Nikon ha querido buscar la máxima versatilidad en un equipo de casi medio kilo que junto a los teleobjetivos, incorpora el revestimiento nanocristal, un elemento ED , diafragma electromagnético y un estabilizador de cuatro pasos que compensa la cerrada apertura en posición tele. En general, es un objetivo versátil y todoterreno pero que en posición tele podría haber mejorado un pasito el diafragma para hacerlo mucho más atractivo.

Sitio Oficial | Nikon

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La relación de la pintura con la fotografía ha sido siempre un tanto peliaguda, podría compararse a con dos hermanas, de las cuales la mayor gozaba de todos los primores paternales hasta que nació la segunda, resuelta, ágil y capaz de desbancar el protagonismo de la primogénita en muy poco tiempo.

Categorías: Fotografía

Jörg Colberg

Fotógrafos en la red - Jue, 02/07/2015 - 08:00

Jörg Colberg es un escritor, fotógrafo y educador (nacido el 15 de febrero 1968 en Alemania, vive en Estados Unidos) que escribe sobre fotografía contemporánea, juzga concursos de fotografía y comisaría exposiciones. Es el fundador y editor de Conscientious, un premiado blog dedicado a la fotografía artística contemporánea.

 

Untitled, from American Pixels (2009-2010) © Jörg Colberg

 

Mi práctica como fotógrafo abarca una amplia variedad de enfoques trabajando con imágenes. En parte, esto se debe al hecho de que soy alguien que escribe sobre fotografía de forma regular, y veo mucha fotografía y pienso mucho en ella. Como consecuencia, la fotografía en sí misma ha llegado a significar un montón de cosas para mí, diversos aspectos que se excluyen entre sí, y hablan de cosas diferentes, pero sólo en la superficie. En realidad, lo que una fotografía es o de dónde viene, no me importa. Lo que hace, lo que uno siente cuando la contempla, eso es lo que me preocupa.

 

 

Biografía

Jörg M. Colberg después de una aburrida infancia y ser un joven geek, estudió física y astronomía en la Universidad de Bonn, obteniendo un doctorado en física (cosmología teórica) en el instituto Max Planck de Astrofísica. Se trasladó a los Estados Unidos en 2000. Después de una experiencia corta y poco satisfactoria en la industria del software, Colberg volvió como postdoctorado a la Universidad de Pittsburgh. Trabajó como investigador científico en astronomía hasta 2010.

Comenzó a interesarse en la fotografía en 1999.  Es fotógrafo autodidacta, y utiliza una variedad de enfoques para la creación de imágenes, desde la captura de imágenes mayoritariamente en película de formato medio, a trabajar con imágenes encontradas, de su archivo o apropiadas.

Su práctica artística deriva de tratamiento de las fotografías como parte de un repositorio, del que se pueden extraer para diferentes propósitos. Esta declaración es cierta tanto para las fotografías que toma con sus propias cámaras (su fotografía directa), como para las imágenes que se apropiar de otras fuentes (apropiación de trabajo/experimental). En su forma de trabajo, todas y cada una de las fotografías terminan viviendo en un archivo, antes de que se elijan para formar parte de un proyecto. Rara vez toma fotografías para usarlas inmediatamente. En cambio, produce fotografías sobre una base regular y las incluye en el archivo para luego trabajar con ellas más tarde.

Su blog, Conscientious, lo comenzó en 2002 para ir mostrando sus propias fotografías, y los primeros artículos eran cortos mensajes de texto (similar a los de Twitter). El primer artículo de calado fue un artículo sobre la fotografía de Steve Pyke. y el blog cambió para decir poco o nada acerca de su propia fotografía y hablar de la de otros, y realizar extensas entrevistas a fotógrafos, convirtiéndose en un referente mundial. Actualmente se ha transformado en Conscientious Photography Magazine.

Desde 2010 ha sido miembro de International Limited-Residency MFA Program de la Hartford Art School y profesor visitante asistente desde el año 2012. También ha trabajado como profesor visitante en el Massachusetts College of Art and Design y en la Rhode Island School of Design

Colberg ha publicado ensayos en revistas de fotografía como Foam Magazine, British Journal of Photography y Creative Review. Ha escrito prólogos para monografías de fotografía, comisariado exposiciones de fotografía y libros de fotos y juzgado concursos de fotografía.

Junto con Andrés Marroquín Winkelmann, es uno de los fundadores de la editorial de libros de fotografía Meier & Müller.

 

 

 

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Canon, Tamron y Sigma han publicado unas listas de objetivos en las que avisan problemas de compatibilidad con las EOS 5Ds y 5DsR, nuevos buques insignia de Canon. Al parecer, el problema que presentan es la ausencia de enfoque automático al hacer uso del Live View.

De momento, Canon tan sólo ha publicado una serie de 'objetivos recomendados', dejando fuera de dicha lista objetivos como el Canon 70-200mm ƒ/4 L IS, Canon 50mm ƒ/1.8 II STM o el Canon 25-105mm ƒ/4 L IS USM. Sigma y Tamron han emitido un comunicado informando de la situación, además de incorporar su respectiva lista de objetivos que sí funcionan en las nuevas cámaras de Canon.

Parece ser que la descripción detallada del error indica que al activar el Live View, la función se activa para inmediatamente mostrar una pantalla en negro que impide ver la imagen. Es de esperar que con un cambio en el firmware de los objetivos el problema quede resuelto. La pega está en que debemos acudir al servicio técnico o en el caso de Sigma disponer de un dock station que cuesta 60€ en Amazon.

Podéis consultar todos los objetivos recomendados de Canon, así como los afectados para Tamron y Sigma.

Imagen de portada | Pete Slater

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Yannis Karpouzis, Descubrimientos PHE15: "La crisis paralela narra mi experiencia sobre la situación griega de los últimos años"

Xatakafoto - Mié, 01/07/2015 - 13:00

Con Grecia en boca de todos por su situación económica, hemos tenido el honor de entrevistar al reciente ganador del premio Descubrimientos de PHotoEspaña 2015, quién precisamente presentó su trabajo "La crisis paralela" bajo el manto de una problemática que ha azotado a su país en los últimos años.

Gracias a esta entrevista podemos conocer la fuente de inspiración para este trabajo, además de otros proyectos muy interesantes en los que está trabajando, incluso nos ha obsequiado con la visualización de dos fotografías inéditas de una de las series en la que está inmerso. Preocupado por la poética del paso del tiempo y cómo la fotografía juega su papel respecto a ello, os invito a leer lo que Yannis Karpouzis nos ha contado, en especial aquellos consejos que da a los jóvenes fotógrafos. Disfrutadla.

Tu trabajo "La crisis paralela" habla sobre tu país, Grecia, sobre la situación política, económica y social, ¿por qué encontraste inspiración en la fotografía para contar ese problema?

Mi serie hace una comparación entre el "tiempo muerto" de la crisis financiera y "el tiempo congelado" que la fotografía produce. La fotografía fue inventada en el siglo XX para describir el enorme flujo de información que comenzó a definir la vida urbana moderna. Hoy en día los medios de comunicación son mucho más complejos en la representación de vida cotidiana. Sin embargo, la fotografía conserva como privilegio su mayor desventaja: el tiempo fotográfico inmovilizado y pasado es el lienzo más adecuado para visualizar nuestros momentos congelados. La fotografía llega a su destino poético cuando narra la historia de los encarcelados, de esos hombres cuyo tiempo se gastó, de los hombres inmovilizados.

De la serie "La crisis paralela". © Yannis Karpouzis la fotografía conserva en su privilegio su mayor desventaja

¿Piensas que es importante ser parte del proyecto? Es decir, contar la historia desde una posición subjetiva, siendo parte dentro de la historia.

Toda persona que usa un medio creativo representa su vida, no importa lo que muestre. El "tenedor" de Andre Kertezs es un "autorretrato", una posición acerca de las posibilidades de la fotografía, un estado en el modernismo, una profecía del minimalismo, tal vez un diálogo con Malevich, pero también una página de su manuscrito personal. Y aún así es algo más que un tenedor y un plato.

De la misma manera el proyecto "La crisis paralela" es un documento de mi experiencia sobre la situación griega de los últimos años. Es simplemente la condición general de que vivo mi vida. Además, no creo que la fotografía, o cualquier otro medio, sea capaz de presentar una verdad general sobre el mundo, pero sobre todo refleja la mirada del artista.

¿Cuál es la situación más dura que has vivido tomando tus fotografías para este proyecto?

Melancolía. Generalmente viajo a los límites de la ciudad para trabajar con mi Hasselblad. Allí encuentro la expansión de los horizontes claros, los cielos y los depósitos de chatarra. Pero los límites de la ciudad son enormes y se encuentran vacíos. Nos recuerdan a la relación que tenemos con las personas.

los límites de la ciudad son enormes y se encuentran vacíos De la serie "La crisis paralela". © Yannis Karpouzis

Háblanos de tu carrera, ¿qué estudiaste?

Estudié ingeniería civil en la Universidad Técnica Nacional de Atenas, escribiendo mi tesis acerca de cómo la historia del arte explicaría las formas de modernismo en pintura, fotografía y cine. El título era "Bauhaus. Una forma de la Modernidad". Luego continué mis estudios con un máster sobre "Las vías digitales en el arte", en la Escuela de Arte de Atenas. Ahora estudio otro máster sobre "Teoría espacial" en la Escuela de Arquitectura de Atenas. He estudiado, en paralelo a todo ello, Cine y Fotografía en otras instituciones.

¿Qué es para ti la fotografía?

Comencé a tomar fotos con la ilusión de conservar momentos como realmente sucedían. Sin embargo, pronto me di cuenta de que aquello que buscaba no podría suceder: las fotografías de mis momentos más felices se han convertido en una carga y en lugar de congelar el flujo del tiempo, constantemente me recuerdan que el tiempo pasa. El "tiempo" que la fotografía representa es "tiempo congelado", ya que siempre se refiere a momentos pasados ​​que no pueden ser revividos.

las fotografías de mis momentos más felices se han convertido en una carga

¿Estás trabajando en otros proyectos en este momento? Háblanos de tus proyectos futuros.

Sí. En primer lugar continúo mi trabajo en el proyecto "La crisis paralela". También sigo mi trabajo sobre la película inacabada de Walter Anversen "Polar Horizons". Todo ello puede verse en mi página web. También tengo la intención de hacer un proyecto relacionado con la historia de Europa, del cual os comparto dos fotografías inéditas.

Fotografía inédita @Yannis Karpouzis Fotografía inédita @Yannis Karpouzis

¿Algún consejo para los jóvenes fotógrafos?

Sí, bastantes: Eugene Atget, Walker Evans, Andre Kertesz, Garry Winogrand, Henry Cartier Bresson, Robert Frank, Diane Arbus, Roy de Carava, Lee Friedlander, August Sander, Paul Strand, Brassai, Julia Margaret Cameron, Dorothea Lange, Josef Koudelka, Bill Brandt, Brassai y otra vez Eugene Atget, Evans, Bresson. El éxito enorme y temprano de Jeff Wall o Andreas Gursky puede ser una trampa muy dura para los jóvenes (o no tan jóvenes) que no han entendido la (moderna) historia de la fotografía.

Felicitamos a Yannis por su premio y por todos los logros conseguidos pese a su corta carrera, y le agradecemos esta entrevista que nos ha concedido, donde con ese halo de melancolía nos ha recordado que la fotografía puede congelar el tiempo, pero es incapaz de hacernos revivirlo físicamente, sólo sensorialmente poniendo en funcionamiento nuestra memoria.

Fotógrafo Yannis Karpouzis

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Muere Charles Harbutt, uno de los presidentes más importantes de Magnum

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A sus 80 años ha muerto Charles Harbutt, uno de los presidentes de Magnum más representativos por su contribución a la fotografía documental y al descubrimiento durante la década de los 70 a grandes talentos como Mary Ellen Mark, Jeff Jacobson o Alex Webb.

Admirador de la fotografía documental tradicional, decidió enmarcar su estilo en la fotografía documental empujando sus límites de la técnica para crear imágenes mágicas empleando el paisaje urbano, las siluetas o las superposiciones.

Durante los primeros veinte años de su carrera trabajó como fotógrafo para revistas y publicaciones de todo el mundo y en 1959 fue invitado por Castro para documentar la Revolución Cubana. Pasó a colaborar para Magnum en 1964 donde no tardó en ser elegido Presidente en dos ocasiones, etapa en la que descubriría grandes talentos de la fotografía documental.

Ya en 1981 dejaría la mítica agencia junto a otros compañeros para embarcarse en otro proyecto, Archive Pictures, que pretendía desarrollar los proyectos personales, exhibiciones y libros de sus componentes. Posteriormente pasará a la docencia en la Parsons School of Design en Nueva York, además de impartir workshops hasta el día de su muerte.

Su estilo, haciendo equilibrios entre lo real y lo imaginario, entre lo que es verdad y lo que es mentira, entre el sueño y la lucidez, se balancea para crear situaciones que nos recuerdan a aquellos 'momentos decisivos' de Cartier-Bresson que Harbutt tanto admiraba. Jeff Jacobson comenta sobre el trabajo del difunto presidente...

Empujó la fotografía documental hasta el límite de la realidad reconocible. Era muy importante para él mantener firmemente un pie en la realidad. Con su inteligencia, era poco paciente para intelectualizar sobre eso de que la idea es primaria, y la imagen se crea para corresponder una idea pre-existente

En una entrevista para BlakeAndrews, al preguntarle qué le diría a su yo del pasado si pudiera viajar en el tiempo, responde...

Qué gracioso. He pasado la mañana con uno de mis nietos adolescentes que es pintor, escultor, artista grafitero y fotógrafo y quería saber algo más. Le he dicho que tome cualquier fotografía que quiera de la forma que quiera. Tan sólo recuerda que lo único que importa es lo que la cámara ve y cuándo lo ve. Y búscate otra forma de ganarte la vida.

Sitio Oficial | Charles Harbutt

Fuente | PDNOnline

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David Johndrow

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David Johndrow es un fotógrafo estadounidense (vive en Austin, Texas) con más de 30 años de carrera, que imprime él mismo sus copias. Busca texturas en el mundo de la naturaleza, realizando fotografías a corta distancia  y/o con macros.

 

© David Johndrow

 

Una cosa que me esfuerzo en todas mis imágenes es la simplicidad extrema. Rindo mucha atención a la luz y el contraste del medio ambiente. Mediante el uso de enfoque selectivo, soy capaz de aislar los detalles sutiles que no se ven normalmente, mientras que al mismo tiempo intento transmitir la presencia efímera de los sujetos.

 

 

Biografía

David Johndrow ha sido fotógrafo desde 1982. Después de estudiar fotografía en la Universidad de Texas, montó su propio laboratorio en casa, trabajó en un fotolaboratorio, y después comenzó a realizar trabajo comercial, así como una obra más personal en lo que llamaríamos fotografía artística.

Durante muchos años ha sido dueño de su propio laboratorio fotográfico donde se especializó en la impresión personalizada en blanco y negro.

Su serie Blue Alembic, se compone de cianotipias de fotogramas de objetos de vidrio que ha recogido a través del tiempo. Cada imagen es un estudio de la textura y el diseño del objeto, así como la calidad cristalina de las sombras grabadas emitidas por el sol.

En su serie Terrestrials, combina su pasión por la jardinería y la fotografía y muestra fotografías de naturaleza macro de animales y plantas que habitan en su jardín de Hill Country, Texas. Trabaja normalmente con una Hasselblad con película de 120, que posteriormente edita en su ordenador, para conseguir los negativos con los que positivar en gelatina de plata, platino/paladio, cianotipia, gumoil y.goma-bicromatada, que es su medio favorito.

Su trabajo ha sido incluido en diversas exposiciones en EEUU y en varias revistas internacionales como Black and White Magazine y Silvershotz. Sus fotografías son parte de la Wittliff Collection of Southwestern and Mexican Photography, así como de numerosas colecciones privadas.

 

 

Referencias
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