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David Lykes Keenan

Fotógrafos en la red - Hace 2 horas 46 mins

David Lykes Keenan es un fotógrafo estadounidense (vive en Brooklyn, Nueva York) cuya obra consiste en fotografiar en blanco y negro a personas anónimas al azar usando una cámara pequeña y discreta. Ama a las personas a las que se acerca en sus fotografías. Son su conexión con la humanidad y su acertijo creativo.

© David Lykes Keenan


Por razones tanto dentro como fuera de mi control, he vivido más como testigo que como participante en mi vida: un voyeur.
Deambulo por las calles de las grandes ciudades entre personas que se han relajado en el caos, y en su mayoría no eran conscientes de mi presencia. Busco específicamente humor, ironía, patetismo, yuxtaposiciones inusuales, caras curiosas e historias reales o imaginarias. Todas estas cosas ocurren en mi camino, sin planificarlas, y se habrían evaporado en cuestión de segundos, si no hubiera estado preparado con mi cámara.


Biografía

David Lykes Keenan asistió a la Michigan State University y se graduó como ingeniero informático. Su primera aventura amorosa fue con una vieja cámara de la Alemania del Este, sus citas fueron experiencias emocionantes en un cuarto oscuro que su padre construyó en el sótano, y sus experimentos con adolescentes fueron en blanco y negro, y luego con película en color. A su mejor amigo de la época, una Nikomat, casi le olvidó mientras prosperaba como desarrollador de software. Pero finalmente volvió a la fotografía y vive a través de la lente otra vez.

Mientras vivía en Austin, Texas, fundó el Austin Center for Photography y pasó cuatro años construyéndolo y guiándolo a través de un lanzamiento exitoso. Cuando no está fotografiando, crea libros de fotografía suyos y de la obra de otros. FAIR WITNESS: Street Photography for the 21st Century es una monografía de su fotografía callejera, e In the Gutter es una pequeña mirada al libro de artista. Ha publicado también Look at Me, una exploración muy personal del deseo y el arrepentimiento.

Ahora, normalmente se le puede encontrar en una cafetería o en las calles de Ciudad Nueva York en busca de su próxima aventura fotográfica. Donde sea que esté, gran parte de su vida transcurre solo en cafeterías. Su compañero más confiable, una cámara Leica M, comparte su mesa. Solo vive completamente mientras deambula por la ciudad con su compañera, cazando.

Desde enero de 2007 ha estado publicando en sus galerías PAW (Photo a Week) una foto por semana. Esto le ha ayudado a convertirse en un buen fotógrafo y le sirvió de base para FAIR WITNESS. Publicar una imagen semanal, religiosamente, le ha permitido crear una estructura para observar su trabajo de forma regular, realizar ediciones y evaluaciones de las imágenes que había tomado, teniendo como objetivo que su PAW de cada semana tenía que ser mejor imagen que la de la semana anterior. Este proceso, incrementalmente a lo largo de los años, le ha ayudado a mejorar.

Sus fotografías han aparecido en numerosas revistas, se encuentran en numerosas colecciones y se han exhibido en diversos espacios públicos. David divide su tiempo entre Brooklyn, Nueva York, y Austin, Texas. Desde 2003, se ha reinventado continuamente como fotógrafo. En 2006, dejó  su negocio de software que había fundado 20 años antes para dedicarse a su pasión por la fotografía a tiempo completo.


Referencias

    Libros
    • Fair witness, 2015.
    • In the Gutter
    • Look at Me,
    • PISS.
    Categorías: Fotografía

    La Guía Completa para Limpiar Objetivos y Filtros Fotográficos

    DZoom - Hace 3 horas 15 mins

    La limpieza de nuestros objetivos y filtros debe ser intensiva y periódica. Pero ¿qué necesito para limpiar mi objetivo? ¿Me sirve cualquier cosa? ¿Cuál es la mejor manera de hacerlo? ¿Cómo de delicados son los objetivos? ¿Qué riesgos asumo al limpiarlos?

    Recuerda que, aunque nuestra cámara se quede obsoleta, nuestros objetivos pueden servirnos para futuras cámaras, por lo que nos interesa cuidarlos con mucho mimo para poder prologar al máximo su vida útil. Así que, no te pierdas esta guía completa para limpiar a fondo tus objetivos y filtros de forma correcta y segura. Hoy, ¡toca limpieza!


    El Entorno de Trabajo

    Hay dos elementos básicos a contemplar a la hora de elegir el mejor entorno para realizar nuestra limpieza: la limpieza y la iluminación.

    Debemos trabajar en un entorno limpio y sin polvo, de modo que el trabajo de limpieza que estamos realizando no empeore la situación y nuestro equipo se manche aún más. Evita por tanto los espacios al aire libre o los entornos donde haya corrientes de aire cargadas de suciedad.

    También es importante que el entorno de trabajo escogido cuente con buena luz, de modo que podamos ver con claridad si estamos realizando un buen trabajo de limpieza o si, por el contrario, nos estamos dejando el trabajo a medias.


    El Equipo de Limpieza

    No puedes utilizar cualquier tipo de tejido o líquido para limpiar tus objetivos y filtros. Si no los quieres dañar deberás hacerte con material especializado que cumpla ciertos requisitos. Lo cierto es que cada fotógrafo tiene su propio método y sus accesorios favoritos. Nosotros hemos seleccionado una serie de utensilios habituales que suelen ser de los más utilizados.

    Los elementos que componen nuestro kit son: la pera o soplador de aire, el pincel o brocha retráctil con almohadilla, las gamuzas de microfibra, el alcohol isopropílico y los guantes de látex. Puedes adquirir todos estos accesorios por separado, aunque estos kits de limpieza con estuche suelen ser muy económicos e incluyen todo lo necesario para limpiar correctamente tus objetivos y filtros (y tu cámara).

    El kit de limpieza de la foto, de la marca Neewer, es de buena calidad y tiene un precio muy asequible. Lo encontrarás en Amazon por unos 7 euros. Estos son otros kits de limpieza de este estilo que también encontrarás en Amazon:

    #1. Pera de Aire

    El objetivo principal de la pera es soplar aire cuando la presionamos para poder eliminar el polvo y otras pequeñas partículas sin tocar la superficie del objetivo o del filtro.

    En función de lo que quieras gastarte en tu equipo de limpieza, tienes varias opciones específicas y muy profesionales como la pera de aire Giottos Rocket Air, la pera limpiadora Hama o la bomba de aire smardy. Sus precios rondan los 10-15 € en Amazon.

    También puedes utilizar una pera de aire genérica de las que se encuentran en venta en cualquier farmacia, que será una opción mucho más económica.

    #2. Pincel o Brocha Retráctil

    La función de un pincel o una brocha es muy similar a la de la pera de aire. La usaremos para eliminar las partículas de polvo que estén aún adheridas a la superficie del objetivo o el filtro.

    Con el pincel no dañaremos la superficie, pero seremos más exhaustivos con la limpieza, pudiendo eliminar la suciedad más pegada. Lo más recomendables es utilizar un pincel de cerdas sintéticas, blando, y con una anchura entre 1 y 2 centímetros.

    Si optas por una brocha retráctil tendrás también la punta de carbono. Esta funcionalidad es ideal para limpiar con seguridad la superficie de tus objetivos y filtros si tienen manchas de grasa o huellas dactilares marcadas (siempre después de haber pasado el soplador y la brocha). En Amazon encontrarás brochas retráctiles de marcas como Hama, Adaptout o Rangers, por unos 7-11 €.

    #3. Gamuzas de Microfibra

    Las gamuzas de microfibra son ideales para dejar nuestros objetivos y filtros relucientes, puesto que son el tejido perfecto para limpiar superficies delicadas sin dañar, sin manchar y sin dejar residuos.

    Se trata de las mismas gamuzas con las que se limpian las gafas o las pantallas de un ordenador, tablet o smartphone. Las podemos encontrar en cualquier óptica o tienda de fotografía especializada. Es recomendable compra al menos un par de gamuzas, ya que utilizaremos una para aplicar el alcohol isopropílico y la otra para secar posteriormente.

    En Amazon encontrarás kits de gamuzas de microfibra de calidad a muy buen precio, como este pack de 7 gamuzas por solo unos 10€.

    #4. Alcohol Isopropílico

    Existen distintos productos que puedes utilizar para limpiar tanto los objetivos como los filtros. Aunque hay opiniones para todos los gustos, parece que el producto ideal para hacerlo es el alcohol isopropílico. Se trata de una sustancia apta para uso fotográfico porque no es abrasiva y se volatiliza con rapidez.

    Se puede encontrar en establecimientos especializados como farmacias o almacenes de productos de limpieza o de belleza. En Amazon puedes comprar fácilmente alcohol isopropílico por unos 10€.

    Eso sí, lo encontrarás normalmente en botes de medio litro o de un litro. Por lo que, lo más recomendable es que te hagas con un vaporizador pequeño (como el de la foto) para que lo puedas ir recargando a medida que lo vayas utilizando.

    #5. Guantes

    Por último, es esencial que utilices unos guantes de látex, que sean de tu talla. Los encontrarás de venta en farmacias, supermercados o cualquier tienda de ultramarinos. En Amazon encontrarás paquetes de guantes desechables de calidad aptos para esta tarea por unos 8 €.

    El objetivo de utilizar guantes es doble. Por un lado, te permitirán no dejar huellas si accidentalmente tocas el filtro o el cristal del objetivo accidentalmente. Por otro, y más importante, mantendrás las manos a salvo del producto que finalmente utilices para limpiar.

    Algunos guantes de látex de las farmacias vienen con polvos de talco. Asegúrate de los que compres no contienen talco, así no mancharás más ni el objetivo ni el filtro.


    El Proceso de Limpieza de Objetivos Paso a Paso

    Ahora vamos a ver cuál es el proceso de limpieza que debes seguir para limpiar tus objetivos y filtros. Queremos hacer hincapié en que utilices cada accesorio cuando sea su momento. El orden de los pasos es esencial y es muy importante que lo recuerdes.

    Piensa que, si pasas la gamuza sin haber utilizado primero la pera o la brocha para quitar las partículas de suciedad más grandes, es probable que se adhieran a la gamuza y las arrastres con ella. De esa forma estarás realizando una fricción sobre la superficie del cristal y lo más probable es que lo estropees o lo rayes.

    Paso #1. Soplado con la Pera de Aire

    Lo primero que haremos es eliminar partículas que pudieran estar depositadas sobre el objetivo y que pudieran rayar cualquiera de los elementos si frotamos sobre ellos. Para eliminar estas partículas, sujetaremos el objetivo con una mano y la pera de aire con la otra, soplando con la pera inclinada 45 grados, de un lado a otro, desde el centro hacia los bordes.

    Daremos la vuelta al objetivo para limpiarlo por el otro lado repitiendo la misma operación. Si no estamos satisfechos con el resultado, podemos repetir el proceso de nuevo por ambos lados. Debes tener cuidado cuando acerques la pera de aire, la tienes que mantener a suficiente distancia para no tocar con la punta el objetivo o el filtro.

    Es importante limpiar también la tapa del objetivo para que las posibles partículas que contenga no se depositen de nuevo sobre la lente al colocar la tapa. En el caso del filtro, el proceso y orden de limpieza también es el mismo.

    Paso #2. Limpieza con la Brocha o Pincel

    Una vez hayas soplado a conciencia con la pera de aire, ha llegado el momento de limpiar con el pincel. Así conseguiremos eliminar las partículas que hayan podido quedar en los bordes. Realiza suaves pasadas, sin presionar con demasiada fuerza. Ve repasando la superficie haciendo movimientos circulares, desde centro hacia los extremos.

    A continuación, repasa bien los bordes limpiando hacia fuera, para sacudir las partículas que hubieran podido quedar en el borde. Repite el proceso por los dos lados del objetivo. Realiza el mismo procedimiento con la tapa y con el filtro.

    Paso 3. Limpieza con la Gamuza y Alcohol Isopropílico

    Una vez hayas realizado una inspección ocular y comprobado que no hay partículas visibles que puedan rayar el filtro o el objetivo, ha llegado la hora de limpiar con las gamuzas de microfibra y el alcohol isopropílico.

    Para ello, es esencial que NUNCA vaporices el alcohol directamente sobre la lente o filtro. Debes empapar un poco las gamuzas para así poder controlar la cantidad de líquido que utilizas.

    Con la gamuza húmeda, ve limpiando la superficie con movimientos circulares, de dentro hacia fuera. Repasa bien los bordes, que es donde se suele acumular el polvo. Realiza tantas pasadas como necesites, hasta que veas que tanto el tu objetivo como tus filtros están limpios.

    Una vez lo hayas repasado bien, coge la segunda gamuza y seca bien el objetivo por los dos lados. Haz lo mismo cuando limpies el filtro y la tapa.

    Ya solo queda observar detenidamente el objetivo, el filtro y la tapa para comprobar que todo ha quedado perfectamente limpio. Finalmente, debemos guardar nuestro material cuidadosamente y almacenarlo de forma segura, lejos de la humedad y de la suciedad.

    Lo que NO debes Hacer Nunca Para Limpiar tus Objetivos y Filtros

    Ahora que ya tenemos limpios y relucientes nuestros objetivos y filtros, vamos a recopilar algunos consejos útiles sobre su cuidado básico.

    Sobre todo, es importante señalar lo que NUNCA debes hacer, ni para ensuciarlos ni para limpiarlos de forma indebida:

    • No toques la lente con los dedos para no dejar manchas de grasa.
    • No limpies el objetivo con tu propia ropa o tejidos inadecuados que puedan dejar residuos o dañar la lente.
    • Jamás uses tu aliento para humedecer y limpiar la lente, podría colarse esa humedad en la lente y producir hongos.
    • Usa parasol para proteger aún más la lente de golpes o caídas (sobre todo los días de mucho viento)
    • No dejes la lente apoyada sobre superficies llenas de suciedad, polvo, arena, nieve o agua.
    Categorías: Fotografía

    Graciela Iturbide, la fotógrafa mexicana, recibe el V Premio Internacional de Fotografía Alcobendas

    Xatakafoto - Jue, 24/05/2018 - 22:43

    Esta semana ha venido Graciela Iturbide a Alcobendas, un municipio de la Comunidad de Madrid, para recibir el V Premio Internacional de Fotografía. Se la conoce como la señora, la doña de la fotografía mexicana. Y es una de las mejores fotógrafas que podemos disfrutar.

    Nació en Ciudad de México en 1942 con sueños de ser escritora. Pero su familia le cortó las alas. Al final se fue de casa y terminó en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Autónoma de México para convertirse en directora de cine. Pero el destino quiso que se cruzase con el gran Manuel Álvarez Bravo a finales de 1969.

    Gracias a él nació Graciela Iturbide fotógrafa. Y tenemos la oportunidad de tener la plateada santidad de la fotografía mexicana: Álvarez Bravo, Iturbide y el gran, desconocido fuera de las fronteras, Nacho López. A nivel internacional puede que la más reconocida sea ella.

    El Premio Internacional de Fotografía de Alcobendas

    Es un premio de carácter bienal. Nació con la idea de situar a la ciudad de Alcobendas en el mapa fotográfico. Además de su excelente colección y de la famosa escuela PIC.A, este premio permite que su nombre recorra todo el mundo. Y los premiados son excelentes ejemplos de la buena fotografía: Pierre Gonnord (2015), Philip-Lorca diCorcia (2103), Cristina García Rodero (2011) y Alex Webb (2009). Y todos están representados en la Colección de Fotografía Alcobendas:

    Graciela Iturbide

    Con un conjunto de más de 825 imágenes y casi 170 fotógrafos, la Colección de Alcobendas se muestra en itinerancia continua por las salas más prestigiosas nacionales e internacionales, con el anhelo de enriquecer, sensibilizar y ofrecer una referencia visual de la historia y la evolución de la fotografía española contemporánea.

    El premio está dotado con 10000€. Este año el jurado ha estado presidido por Juan Manuel Castro Prieto, Pablo Juliá, Laura Revuelta, Marga Sánchez, José María Díaz Maroto, Belén Poole y el alcalde de Alcobendas, Ignacio Gar´cia de Vinuesa.

    El trabajo de Graciela Iturbide

    Ella se desligó pronto (profesionalmente) de Álvarez Bravo. Quería ser ella, sin la huella del maestro demasiado profunda. Todos sus viajes le han marcado profundamente. Es una fotógrafa que no busca la grandiosidad sino que quiere a la gente. Es un matiz muy importante para lograr grandes fotografías.

    En todos sus viajes aprovecha para conocer a la gente, para acercarse a ellas, como una más. Y ante todo su sello es la complicada simplicidad en el buen sentido de la palabra: la composición, el blanco y negro y la mirada limpia. Y dedicarle tiempo, mucho tiempo a las cosas.

    Nuestra Senora De Las Iguanas Juchitan 1979

    Su primer viaje fue la documentación de los nómadas seris en el desierto de Sonora gracias al Instituto Nacional Indigenista. Uno de sus trabajos más importantes, de donde salió una de sus imágenes icónicas vino más tarde, en 1979, cuando tuvo la oportunidad de fotografiar durante diez años a la cultura zapoteca en Oaxaca. También podemos recordar su reportaje en el baño de Frida Khalo, en la casa azul...

    Mujer Ángel Desierto De Sonora México 1979

    Es autora de fotografías que hacen soñar a los estudiantes y levantan la nostalgia a los mexicanos que las recuerdan. Imágenes, que podemos ver en la exposición como 'Mujer ángel', 'Jano', 'Novia Muerte' o 'Nuestra Señora de las iguanas'. 'El señor de los pájaros'...

    Graciela Iturbide

    Es una maestra en todo. Nos hubiera encantado hablar con ella, mirar a sus ojos y comprobar que en su trabajo no hay nada de mágico, sino la pura realidad que escribió García Márquez. Pero nunca le digan eso.

    La exposición con motivo del premio y dentro de PhotoEspaña 2018, se puede ver hasta el 25 de agosto en el Centro de Arte Alcobendas en la calle Mariano Sebastián Izuel 9 de Alcobendas, Madrid. Seguro que si no la conoceis, nunca olvidareis sus trabajos. Y que los que tenemos la suerte de haber visto ya sus fotos, no nos quedará más remedio que pedir en el bulevar de los sueños rotos un tequila mientras canta una diosa de poncho rojo.

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    La noticia Graciela Iturbide, la fotógrafa mexicana, recibe el V Premio Internacional de Fotografía Alcobendas fue publicada originalmente en Xataka Foto por Fernando Sánchez .

    Categorías: Fotografía

    Panasonic presenta una actualización de firmware para las Lumix GH5, GH5S y G9, sus cámaras más potentes

    Xatakafoto - Jue, 24/05/2018 - 17:00

    Tal y como ha hecho Fujifilm, Panasonic también ha hecho público que lanzará varias actualizaciones del software interno de varias de sus cámaras del sistema LumixG. La diferencia es que las afectadas por Panasonic son las que conforman la parte alta de su catálogo, las Lumix G9, GH5 y GH5S, que con el nuevo firmware van a ver mejorado su rendimiento.

    Según Panasonic, las “nuevas actualizaciones de firmware proporcionan a los usuarios de Lumix mejoras importantes para la captura y edición de imágenes en una amplia variedad de escenarios, ofreciendo más opciones para ayudarles a capturar el momento perfecto”. En concreto, las mejoras van a afectar sobre todo al enfoque y a la calidad de sonido para la grabación de vídeo, además de incluir un nuevo modo de fotografía denominado L. Monocromo D.

    La Lumix GH5 es la que más novedades recibe a través del firmware 2.3, incluyendo mejoras en el rendimiento del autofocus (que ve incrementado el tracking para ofrecer un mejor seguimiento de los sujetos en grabación de vídeo), en el asistente de enfoque manual (que resultará más preciso gracias a una ampliación de hasta 20x) y en la visualización a través del visor y la LCD (que ahora mostrará imágenes más brillantes para facilitar el trabajo en situaciones de poca luz).

    Por otro lado, se ha incluido el Modo Noche que ya tiene la GH5S (en el que la pantalla muestra la información en rojo para evitar distracciones), se va a mejorar la calidad de sonido grabada (optimizando el rendimiento del micrófono que cancela el ruido interno) y se actualiza el rendimiento relacionado con las opciones de grabación con Like 709 y V-LogL. Por último, se añade el ya mencionado modo L. Monocromo D (que captura tonos aún más oscuros y un mayor contraste) y se mejora el de Efecto granulado.

    En cuanto a la Lumix GH5S, el modelo más orientado de la firma a la grabación de vídeo, el nuevo firmware 1.1 está destinado a ofrecer varias de las mejoras comentadas de la GH5. En concreto las relacionadas con el AF, el nuevo modo L. Monocromo D y el renovado Efecto granulado, y también la mejora en la grabación de sonido. Además, se anuncia una mejora del control de los ajustes de vídeo relacionada con el Vector Scope.

    Por último, la Lumix G9 recibe el firmware versión 1.1 con seis novedades, cinco de las cuales (AF, MF, modos L. Monocromo D y Efecto granulado, calidad de sonido y mejoras en la visualización) ya las hemos comentado a propósito de la GH5. La única novedad que es exclusiva de este modelo, tope de gama para usuarios que básicamente buscan hacer fotos, es un cambio en el Modo de Alta Resolución que hará que los usuarios aprecien mejoras en el rango de apertura, de F8 a F11, además de en la corrección de movimiento.

    Las nuevas actualizaciones de firmware para las Lumix GH5, GH5S y G9 estarán disponibles para su descarga el próximo 30 de mayo a través de los siguientes links:

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    La noticia Panasonic presenta una actualización de firmware para las Lumix GH5, GH5S y G9, sus cámaras más potentes fue publicada originalmente en Xataka Foto por Óscar Condés .

    Categorías: Fotografía

    Brillo y color: Cómo conseguir el look veraniego POP en Photoshop

    Xatakafoto - Jue, 24/05/2018 - 15:00

    La temperatura aumenta, el sol está en alto y se acerca el verano. Así que es hora del color y el brillo en un nuevo tutorial para vosotros. Hoy os presentamos cómo obtener un look veraniego POP en vuestras fotografías.

    Lo más característico de este look es alcanzar naturalidad en los colores, aprovechando el rango de la imagen al máximo, mientras que hay que tratar de alcanzar colores más brillantes y vibrantes. Lo delicado de este equilibrio es que mucha saturación cae en un color roto.

    Como siempre, entre mejor sean las condiciones de la fotografía, menos trabajo habrá que realizar sobre ella. Usualmente este estilo aprovecha fondos muy parejos, como suele ser un cielo despejado o una superficie uniforme. Los tonos complementarios o en armonía van perfecto, aunque al aprovechar tanto el color, si la foto está sobrecargada de este, puede funcionar muy bien. Por demás, la idea es que el sujeto fotográfico sea el que destaque de manera natural en ese mar de color.

    ¡Pop!

    Para arrancar, vamos con la imagen de abajo. Como podéis ver, la imagen ya tiene colores brillantes que se juntan bien entre ellos. El trabajo será potenciarlos, ganar contraste y mantener un tono de piel natural. Las herramientas que utilizaremos principalmente os las hemos explicado antes, son: Capa de ajuste de curvas, tono/saturación y balance de color.

    El primer paso que haré será, con un ajuste de curva, cortar el punto de blanco y subir el punto de negro para controlar mejor el color y el contraste. Como podéis ver, he subido los brillos para potenciar más el amarillo y dejar un tono de piel más claro.

    Para seguir trabajando en la piel, he creado una capa de ajuste de balance de color. A medida que modificamos el color general es importante retomar la piel para que no se torne poco natural.

    Para comenzar a saturar el color es buena idea crear una capa de ajuste de Tono/Saturación, en el desplegable secundario de la capa podemos encontrar tonos específicos, que nos permitirán ajustar de manera fina el color sin tocar lo que no queremos. En este caso, el rojo y el amarillo.

    Con una capa de ajuste de Brillo/Contraste, ayudamos a ganar volumen, manteniendo detalle en la imagen.

    Finalmente, como el ajuste de Tono/Saturación modificó los mismos colores de la piel, para recuperar naturalidad en ella he creado una selección de esta y reajustado con otra capa HSL para afinar la piel.

    Abajo podéis ver el resultado final. Tenemos una imagen mucho más brillante y colorida, manteniendo un tono natural en la piel.

    Cuando veáis que los tonos no están funcionando, o queráis potenciar la relación de estos, siempre podéis utilizar la capa HSL para modificar el color de los elementos, o también podéis utilizar otro de los métodos alternativos que os hemos mostrado antes. Esto es particularmente bueno si queréis crear complementarios o armonía en fotografías de paisaje y arquitectura.

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    Imágenes | Sergio Fabara

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    Categorías: Fotografía

    ‘Montaña abierta’, de Cristiana Gasparotto, un viaje emocional e histórico por los "paisajes heridos" de la Primera Guerra Mundial

    Xatakafoto - Jue, 24/05/2018 - 12:00

    Cristiana Gasparotto es una italiana afincada en nuestro país que se crió en una zona montañosa que era frontera entre el Reino de Italia y el Imperio Austro-Húngaro cuando estalló la Primera Guerra Mundial. Ahora es fotógrafa y la ideóloga de ‘Montaña abierta’, un proyecto con el que esta artista pretende hacer un viaje a los paisajes heridos por aquella contienda coincidiendo con que se celebran 100 años de su conclusión.

    Se trata del primer proyecto seleccionado por el Programa Crisálida de Signo Editores, un plan de mecenazgo que subvenciona con 2.000 euros a proyectos relacionados con la cultura y las artes visuales. Este dinero lo usará Cristiana, fotógrafa y coordinadora de la Escuela de Artes Visuales Lens, para un proyecto que supone regresar junto a su padre a las montañas de Asiago “en busca de las huellas del paso del hombre […] y que es a la vez un viaje interior hacia sus propios recuerdos como esquirlas que quedan clavadas en la memoria”, según reza la nota de prensa.

    La propia autora cuenta como ”de niña mi padre me llevaba a las cumbres, donde conociendo las montañas, aprendí también la historia. En este vínculo emocional con la montaña y la historia reside el origen de mi proyecto que, por otro lado, aspira a tener un alcance general al tratar cuestiones universales, como la identidad, la vivencia del territorio y las huellas del pasado”.

    El proyecto comenzará el próximo mes de julio, que es cuando la fotógrafa viajará a Italia, y finalizará cuando se publique un libro en el que combinará imágenes y textos propios del proyecto. “Una de las principales dificultades a la hora de desarrollar un proyecto personal ―cuenta Cristiana― es su sostenibilidad económica […] El Programa Crisálida me permitirá cubrir los gastos de producción y posproducción asociados al desarrollo del proyecto. Por otro lado, gracias a la difusión del Programa, el proyecto tendrá más visibilidad.”

    Por su parte, la Comisión de seguimiento de Signo Editores, responsable de haber elegido ‘Montaña abierta’, ha valorado su calidad, originalidad, viabilidad e interés social, así como “la sensibilidad de la autora a la hora de captar imágenes y relatar”. Según Cristina García, coordinadora del Programa Crisálida, “‘Montaña abierta’ capturó nuestra atención rápidamente. Cristiana nos proponía un viaje a los paisajes heridos por la Primera Guerra Mundial, pero en realidad nos estaba ofreciendo mucho más. Al tratarse de parajes que conoce bien, ligados a su infancia en Italia, encontramos un paralelismo entre la Historia y su propia historia que, sin duda, merece la pena conocer con mayor profundidad”.

    El Programa Crisálida tiene el propósito de “dar visibilidad a aquellos proyectos que tienen mucho que aportar al tejido de la cultural, pero que por falta de financiación no se desarrollan”. Así, en los próximos meses darán a conocer otros cinco proyectos elegidos para completar los seis que serán subvencionados. En total se otorgarán 12.000 euros a través de un programa que impulsa iniciativas creadas por residentes en España y “relacionadas con la cultura y las artes visuales: contenido audiovisual, diseño, fotografía, arquitectura, videojuegos o artes plásticas; así como todos aquellos proyectos que tengan un carácter educativo o divulgativo de la cultura visual”.

    Más información | Signo Editores | Cristiana Gasparotto

    En Xataka Foto | Los patrones en fotografía: Cómo localizarlos y aprovecharlos para lograr buenas imágenes

    Fotografías de Cristiana Gasparotto reproducidas con permiso del autor para este artículo

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    Categorías: Fotografía

    Joseph Vigier

    Fotógrafos en la red - Jue, 24/05/2018 - 08:00

    Joseph Vigier fue un fotógrafo francés (nacido en 1821 en Savigny-sur-Orge, fallecido en 1894 en París) que utilizó el proceso al calotipo de Talbot, alternándolo con el de Le Gray (papel encerado). Con estas técnicas, conseguía tonos cálidos del papel negativo, de un hermoso color que variaba del rosa al marrón, y que eran los más adecuados para representar con realismo los paisajes de las montañas, los valles áridos y las rocas, reforzando las texturas de la piedra causadas por los efectos atmosféricos.

    Lac d'Oo à Luchon, 1853 Joseph Vigier

    Biografía

    El vizconde Louis Jules Aquiles Vigier estudió en el Liceo Henri IV, donde fue compañero de clase de Henri d'Orleans, hijo del rey Louis-Philippe. De esta etapa nace una gran amistad con la familia de Orleans. Vigier les será fiel toda su vida, manteniendo fuertes lazos con la familia desde el exilio, tras la revolución de 1848 y la derrota de la monarquía.

    De familia noble y adinerada pues su padre era propietario de los Baños del Sena, fue alumno de Gustave Le Gray durante los años 1848 a 1850, ocupando un lugar singular entre los aficionados a la fotografía de la década de 1850. Utilizó el calotipo de Fox Talbot y los papeles encerados de Le Gray, así como el colodión húmedo y el colodión seco.

    Fue miembro fundador de la Société héliographique en 1851 Junto con su amigo Olympe Aguado, y también de la Société française de photographie en 1854, de cuya junta directiva formó parte entre 1857 y 1862, año en que abandonó la sociedad.

    En 1850 viajó a Sevilla y se instaló probablemente en el palacio de San Telmo en casa de su amigo, el Duque de Montpensier. Se ha traído todo su equipo fotográfico para realizar una pieza única, un álbum con vistas de la ciudad, un regalo exclusivo para su anfitrión, el cuñado de Isabel II. El álbum, realizado entre 1850 y 1851 como indican las imágenes, es una pieza de inestimable valor, con 29 calotipos. Su aportación a la fotografía del paisaje y de naturaleza es quizás de lo más interesante que se haya producido en España en esa época.

    En 1852 se fue a Inglaterra, estando presente en Londres con Fenton y Le Gray en la primera exposición consagrada exclusivamente a la fotografía en la Society of Arts, y realizando retratos fotográficos de la familia real francesa en su exilio en Claremont: el rey Louis-Philippe, la reina Amélie, sus hijos (duque de Nemours) y sus nietos en posados, cada uno sentado de pie o cerca de una mesa , algunos en frente de una tela pintada con la decoración exuberante de flores, el príncipe de Condé montado a caballo, …

    En verano de 1853, viajó a España pasando por los Pirineos (Luchon, Cauterets, Pau), donde realizó varios cientos de escenas en papel negativo. Subió al puerto de Benasque con todo un pesado laboratorio fotográfico a cuestas que debía superar los 100 kilos, y tomó las primeras fotografías del macizo de la Maladeta y su glaciar. A finales de año, publicó el Album des Pyrényes una colección de 38 imágenes a partir de negativos papel, que actualmente pertenecen a la colección del Musée d’Orsay. Estas fotografías, tomadas a lo largo de una expedición fotográfica personal y sin ningún tipo de apoyo logístico, impactaron en Inglaterra y Francia por su belleza.

    En febrero de 1854, mostró seis de ellos en Londres en la exposición de la Royal Photographic Society, que entusiasmó al público y a la reina Victoria. Participó en las dos primeras exposiciones organizadas por la Société française de la photographie en París, en 1855 con vistas de los Pirineos y en 1857 con vistas del Dauphiné de 1855 en papel negativo, un castillo de Savigny de 1856 en colodión seco, un caballo según la naturaleza en colodión húmedo.

    El nacimiento de un hijo en 1859, la gestión de sus tierras, los viajes y sobre todo la evolución de los procesos fotográficos a partir de 1860 lo desviaron definitivamente de su práctica. En 1872, después de haber vendido su castillo de Grand-Vaux en Savigny-sur-Orge, adquirió el de Lamorlaye, cerca de Chantilly, donde disfrutó de su pasión por los caballos lo que le llevó a ser uno de los promotores de las carreras ecuestres y la cría de caballos de carreras pura sangre de origen inglés.

    Muchas de sus fotografías están en la ahora famosa colección de la Duquesa de Berry.

    Referencias
      Libros
      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
      • Eclats d'histoire, 2003.
      • Album des Pyrénées.
      Categorías: Fotografía

      Fujifilm anuncia una actualización de firmware para las X-A5, X-A3 y X-A20, la gama baja de la Serie X

      Xatakafoto - Jue, 24/05/2018 - 07:30

      Coincidiendo con la presentación de la Fujifilm X-T100, la firma nipona ha anunciado que publicará próximamente actualizaciones de firmware para las Fujifilm X-A5, X-A3 y X-A20, un modelo no comercializado en España. Las nuevas actualizaciones serán lanzadas en junio y ofrecerán varias mejoras de uso, destacando la inclusión del nuevo algoritmo PDAF de enfoque y la posibilidad de grabar vídeos de mayor duración.

      Se trata por tanto, de unas actualizaciones que afectan a prácticamente toda la gama baja de las cámaras sin espejo con objetivos intercambiables de Fujifilm y ha sido implementadas basándose en los comentarios recibidos por parte de los usuarios de la Serie X.

      En concreto, la nueva versión del firmware 1.10 de la Fujifilm X-A5 permitirá al modelo más reciente de esta gama incluir el nuevo algoritmo PDAF que ha estrenado la X-T100, gracias a lo cual mejorará la velocidad y precisión del enfoque automático. Además, también se incluye una optimización del algoritmo de procesamiento de vídeo que permite ampliar el tiempo de grabación en unos 30 minutos, independientemente de la calidad de vídeo elegida (aunque con un límite de cuatro gigas por archivo). Además, se mejora la salida HDMI y se modifica el uso del modo de disparo con el temporizador de intervalos, funcionalidad que producía problemas.

      Por su parte, las versiones 2.21 y 1.11 del firmware de las Fujifilm X-A3 y X-A20 (respectivamente) van a permitir que el modo de disparo con el temporizador de intervalos mejore y arreglar un problema que hacía que, en algunos casos, la cámara interrumpiese el disparo durante la secuencia. Como hemos comentado, la X-A20 es un modelo que no se ha comercializado en nuestro país pero que es muy similar a la X-A10, por lo que es muy posible que sirva también para esta última.

      Más información | Fujifilm

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      La noticia Fujifilm anuncia una actualización de firmware para las X-A5, X-A3 y X-A20, la gama baja de la Serie X fue publicada originalmente en Xataka Foto por Óscar Condés .

      Categorías: Fotografía

      Fujifilm X-T100, la nueva cámara sin espejo de la serie X que presume de sencillez, ligereza y estilo

      Xatakafoto - Jue, 24/05/2018 - 07:00

      Los rumores de los últimos días se han confirmado y hoy Fujifilm hace oficial el lanzamiento de una nueva cámara sin espejo a la serie X: la nueva Fujifilm X-T100 (no confundir con la X100T). Se trata de una cámara que abre una nueva gama (la más sencilla de las X-T), con su sello de identidad en cuanto a diseño retro, propio de la serie X, llega con un tamaño muy comedido y tecnología para llegar a un mercado amplio, que busque una cámara para todo, pequeña y, también, bonita.

      Se trata de un modelo sencillo y asequible en aras de atraer a un público que busca algo diferente a una réflex común, con mejor diseño pero sin renunciar a prestaciones de última tecnología en fotografía digital. Así, encontramos que llega con un sensor de 24,2 megapíxeles (mismo CMOS de la también sencilla X-A5), función avanzada de reconocimiento de escena automático, con pantalla táctil de ángulo variable, visor electrónico y también conectividad a través de Bluetooth (de bajo consumo).

      Características principales

      Sensor

      CMOS 24,2 megapíxeles

      Sensibilidad ISO

      200-12.800 (ampliables a 100-51.200)

      Obturador

      mecánico y electrónico (que permite hasta velocidad de disparo de 1/32.000 segundos)

      Velocidad de ráfaga

      hasta 6 fps (y hasta 26 capturas en JPEG, con tarjeta UHS Speed Class 1)

      Visor

      OLED de 2,360k puntos y cobertura 100%

      Pantalla

      LCD de 3 pulgadas, 1,040k puntos, ajustable en varios ángulos y capacidad táctil

      Vídeo

      4K (3840x2160 15p)

      Dimensiones

      121 x 83 x 47,4 mm

      Peso

      448 g

      Precio

      699 euros (con el XC15-45 mm F3.5-5.6 OIS PZ)

      La X-T100 presume de ligereza y pesa solo 448 gramos, pero sin renunciar a una construcción sólida, con revestimiento de aluminio anodizado y un aspecto cuidado y elegante. Precisamente su diseño es uno de sus puntos fuertes, porque se presenta con variedad de opciones: plateado oscuro, negro (y en dorado champagne que parece no estará disponible en España). Además, encontramos que incluye tres diales en su parte superior, siendo similar la serie X-T.

      Según cuentan desde Fujifilm este nuevo modelo incorpora un sistema de autoenfoque con detección de fase y un algoritmo de nuevo desarrollo para lograr un AF inteligente y veloz. También incorpora el modo SR+ Auto mejorado para combinar reconocimiento de escenas y sujetos.

      Se ha optimizado su autonomía y permite alcanzar hasta 430 capturas con una carga completa de la batería sumistrada.

      Su objetivo habitual en el kit será el XC15-45 mm F3.5-5.6 OIS PZ, pero se puede usar cualquiera del catálogo de la montura que ya asciende a un total de 26 objetivos, entre ópticas de focal fija y zooms.

      Con su enfoque a usuarios de todo tipo, no podían faltar los modos de simulación de película (11) y variaciones de los filtros avanzados (17) para los que gusten de aplicar estilos creativos y aprovechar las diferentes reproducciones de color que ya hemos visto en modelos anteriores, y tan propios del fabricante.

      Precio y disponibilidad

      Su precio de lanzamiento junto con el Fujinon XC15-45mm es de 699 euros y estará disponible el próximo 18 de junio de 2018 en negro y plateado oscuro.

      Más info | Fujifilm

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      Categorías: Fotografía

      El manual gratuito con los consejos de la agencia Magnum para los nuevos fotoperiodistas

      Xatakafoto - Mié, 23/05/2018 - 21:00

      El año pasado la famosa agencia Magnum cumplió 70 años. Parece que llegamos tarde para recordarlo, pero nuestra intención es recuperar uno de los documentos más interesantes que hemos encontrado en los últimos tiempos sobre el mundo del fotoperiodismo: la guía gratuita 'Wear Good Shoes. Consejos de los Fotógrafos de Magnum'. Desde la agencia lanzan una serie de consejos para todos los fotógrafos que quieren empezar o que no saben qué camino seguir.

      Lo primero es poner el enlace para conseguir semejante manual. Es una colaboración entre Lens culture y Magnum para asesorar a todos los fotógrafos que lo necesiten. En principio parece orientado a los que están en las escuelas formándose, pero tenemos que asumir que los buenos fotógrafos siempre tienen que aprender. Es, en definitiva, para todos los que nos colgamos una cámara al hombro.

      Es un conjunto de fotografías y citas de la mayoría de los miembros de la mítica agencia que crearon cuatro de los fotógrafos más importantes del siglo XX: Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, George Rodger y David “Chim” Seymour. La idea es ofrecer:

      una amplia selección de consejos y trucos de los fotógrafos de Magnum, desde el aprendizaje de este arte hasta cómo encontrar tu propia visión, voz y pasión, arriesgando y siendo coherente con tu trabajo enfocado hacia tus objetivos.

      'Wear good shoes'

      Usa buenos zapatos. Para mi es uno de los mejores consejos que se pueden dar para ser un buen fotógrafo. Todavía me sorprendo cuando veo a muchos con sandalias por la calle y su boina ladeada. No creo que lleguen muy lejos... al menos hasta la siguiente manzana donde está la cafetería más cool de su barrio para que les vean con la máquina encima de la mesa.

      Una de las páginas del documento

      Un buen calzado, una buena bota de montaña, de suela gruesa consigue mejores fotografías que la cámara más cara del mercado. Con esta premisa fundamental se desarrollan a lo largo de 63 páginas los consejos y las fotografías de los casi 92 fotógrafos que han enseñado su forma de ver las cosas.

      Y lo más enriquecedor es que cada uno piensa de una manera. Cada uno ha sido capaz de llegar lejos con sus propios pensamientos e ideas, por lo que a lo mejor es bueno hasta ir con sandalias por el mundo con la cámara al cuello.

      Está dividido en 5 partes:

      1. Aprendizaje
      2. Visión y Voz
      3. Pasión
      4. Determinación
      5. Arriesgarse

      Se podrían escoger muchas citas pero, para animaros a leerlo, voy a poner una por capítulo. Pocas veces veremos una recopilación tan motivadora.

      Invierte en ello todo tu tiempo durante al menos 5 años y luego decide si tienes lo que se necesita para conseguirlo. Muchos grandes talentos abandonan al principio; el gran agujero negro tras los cómodos años en la escuela o universidad es el asesino número uno del talento del futuro. Carl De Keyz

      Siempre intenta ser honrado contigo mismo. Por ejemplo, ¿es la idea de ser fotógrafo más interesante para ti que la propia fotografía? Si es así, piensa en convertirte en actor. Si de verdad te importa la fotografía, no te rindas. Intenta entender y disfrutar del hecho de que la fotografía es un medio único. Respeta y trabaja con las limitaciones de la fotografía y llegarás mucho más lejos. Donovan Wylie

      Profundiza, sigue tus instintos y confía en tu curiosidad. Susan Meiselas

      Céntrate en un proyecto durante mucho tiempo. Sigue trabajando en él mientras aprendes, incluso si crees que ya está terminado. Es la única forma de aprender lo que pienso que son algunas lecciones vitales que deben aprenderse sobre la narrativa y cómo combinar imágenes. Mikhael Subotzky

      Comete tus propios errores. Necesitas construir tu propia experiencia y nadie puede decirte realmente lo que debes hacer. Sohrab Hur

      Creo que es una de las lecturas más recomendables para llevar siempre en el teléfono o en la tableta cuando te falta la inspiración o nada te motiva para levantarte con la cámara.

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      Categorías: Fotografía

      Baffest 2018, el Festival de Fotografía de Barakaldo sólo para mujeres, arranca con Cristina de Middel como cabeza de cartel

      Xatakafoto - Mié, 23/05/2018 - 19:00

      Bajo el lema “NosOtras” y con la presencia de la última Premio Nacional de Fotografía como autora más destacada de su programa, ha arrancado Baffest 2018, la tercera edición de este evento exclusivo para féminas que llenará de fotografía las calles de Barakaldo hasta el 17 de junio. Cristina de Middel comparte la Sección Principal del festival con Bego Antón, Elisa G. Miralles, Mar Sáez, Sara Merec y Teresa del Romero.

      A estas seis fotógrafas destacadas se unen el mismo número de fotógrafas emergentes vascas que concurren a la Sección Certamen y, cómo no, la muestra se complementa con un montón de actividades paralelas siguiendo la idea de acercar la fotografía a todos los ciudadanos y ciudadanas. Por cierto que este año el festival, que sigue estando organizado por el ayuntamiento de Barakaldo y la productora cultural Fotopop, se encuadra dentro del programa ‘Rutas Singulares’ de la Unión Europea.

      Una representación de las fotógrafas participantes en la Sección Certamen en la inauguración del Baffest 2018.

      Según los organizadores, esta edición de Baffest se va a caracterizar por un carácter social de todas las propuestas escogidas y un denominador común: la mujer. Para la alcaldesa de Barakaldo, Amaia del Campo, este festival es “una oportunidad para sacar a la calle temas en ocasiones tabú y realizar una mirada crítica de ellos a través de la fotografía”. Como decíamos al principio, las exposiciones van a girar en torno al lema “NosOtras”, “enfatizando que hombres y mujeres formamos parte de una misma sociedad, por lo que todo lo que les afecta a ellas, también les implica a ellos. Todos formamos parte de un Nos.”

      Sección Principal y Certamen

      Ya hemos comentado que la sección principal del certamen incluye seis nombres, lo que supone un incremento del número de participantes (el año pasado fueron cuatro) entre los que, según la nota de prensa, se encuentra “una muestra de la mejor fotografía contemporánea del estado”.

      De la serie 'Gentlemens´s club' de Foto de Cristina de Middel

      En concreto, en la Sección Principal se va a poder disfrutar de las exposiciones ‘Gentlemens´s club’ de Cristina de Middel (centrado en los usuarios de prostitución); ‘Wannabe’ de Elisa González Miralles (sobre las imposiciones sociales que aceptamos como propias); ‘Haiek Danak Sorginak’ de Bego Antón (sobre las mujeres que eran sentenciadas por no cumplir con lo establecido); ‘Vera y Victoria’ de Mar Sáez (una historia de amor entre dos mujeres, una de ellas transexual); y ‘La Isla Ignorada’ de Sara Merec (sobre un periódico que retrata a mujeres lesbianas).

      Por su parte, la Sección Certamen, que tiene la pretensión de dar cobertura y visibilidad a las fotógrafas vascas, reunirá el trabajo de seis nuevas creadoras. Entre ellas compitieron por conseguir la plaza de fotógrafa invitada en la sección Principal del año que viene, honor que el jurado ha otorgado por unanimidad a Ura Iturralde. El trabajo de esta fotógrafa se podrá disfrutar, en la principal arteria comercial de Barakaldo, junto al de Jennifer Custodio, María Sánchez, Sara Berasaluze, Helena Cancelo y Arantza Elejabeitia.

      Resto de actividades

      En cuando a las actividades paralelas, al tratarse de un festival abierto y participativo, todas ellas serán gratuitas y para todos los públicos. Entre otras habrá varias visitas guiadas por los escenarios del Festival comenzando por este próximo domingo con una que tendrá la asistencia de varias de las fotógrafas que exponen sus instantáneas. Por supuesto tampoco faltarán los talleres, que este año serán tres, más una masterclass y un akelarre fotográfico (todos ellos gratuitos aunque con inscripción previa).

      Una instantánea de la inauguración de Baffest 2018.

      A destacar la clase maestra que realizará la fotógrafa Mar Sáez sobre cómo afrontar un proyecto fotográfico, o la que dará Helena Goñi, ganadora de la primera edición del Baffest, junto al fotógrafo Joaquín Gómez-Selva. También tenemos que hablar de una nueva edición del Txikifoto, donde los menores de 10 años en un taller impartido especial para su edad, y el acto Foto Solidaria, consistente en la venta de pequeños marcos con fotografías donadas por diferentes artistas y colectivos y cuya recaudación tiene fines sociales, que dará carpetazo al Baffest 2018 el día 17 de junio.

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      Categorías: Fotografía

      Canson amplía su gama Infinity con tres nuevos papeles para fotos e impresiones artísticas y “fabricados en forma redonda”

      Xatakafoto - Mié, 23/05/2018 - 15:00

      Una de las marcas más prestigiosas de soportes para impresiones fotográficas ha presentado tres nuevos papeles, los PrintMaking Rag, Aquarelle Rag y Velin Museum Rag. Se trata de tres soportes en forma redonda para combinar “la calidad constante de los papeles hechos a máquina (fourdrinier), con el carácter individual de los papeles hechos a mano”. Así, los nuevos soportes se sitúan como la principal referencia en su gama Canson Infinity de papeles para bellas artes.

      Esta gama data de 2008 y reúne lo que Canson considera “los mejores papeles de arte del mundo” una gama de soportes de alta calidad resistentes al envejecimiento, creados especialmente para la impresión de bellas artes. Siguiendo esta idea, los nuevos papeles pretenden ofrecer “un carácter único e inigualable al arte de las reproducciones y la fotografía con un soporte que permite “imprimir en el mismo papel que la ilustración original [con lo que] es posible obtener el mismo matiz y autenticidad para la impresión final”.

      Así, siempre según la firma, se trata de soportes que ofrecen una estabilidad superficial excelente y una atractiva textura superficial. Además, tienen una textura ligeramente reducida “para fines de impresión de chorro de tinta de alta gama sin afectar la capacidad de impresión del chorro de tinta del papel al mantener una estructura de recubrimiento sin cambios”.

      De los nuevos soportes, el más destacado es el PrintMaking Rag, un papel que Canson define como “extraordinario y emblemático, ideal para bellas artes y fotografías”. Se trata de un papel fabricado en algodón 100%, con 310 gramos/metro cuadrado de gramaje y un color “un blanco puro único, sin blanqueantes ópticos, y un tacto incomparable, fino y sedoso”. Pensado especialmente para la publicación de arte y fotografías mediante impresión de inyección de tinta.

      Por su parte, Aquarelle Rag es un papel de algodón 100% auténtico con “una estructura única, la textura y el tono blanco puro que los artistas exigentes esperan de un papel de arte tradicional”. Este soporte cumple con los requisitos y estándares más exigentes en lo que se refiere a sus cualidades de resistencia al envejecimiento y conservación.

      Por último, Velin Museum Rag se ha creado específicamente para su utilización en arte digital e impresión de fotos y es un papel “naturalmente resistente al envejecimiento, tiene un grano fino único, una estructura lisa y un blanco puro sin blanqueantes ópticos”. Cualidades que le hacen, siempre según Canson, ideal para imprimir fotografías de alta gama o arte digital y otros usos en galerías y museos.

      Esos tres papeles están disponibles en diferentes formatos, tanto en hojas de tamaños estándar como en rollos y se pueden adquirir en tiendas especializadas y distribuidores que se pueden consultar en la web de la firma.

      Más información | Canson

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      Categorías: Fotografía

      'Cities and Memory': Cuando la fotografía y el sonido nos transportan por el mundo

      Xatakafoto - Mié, 23/05/2018 - 12:00

      Con la fotografía podemos capturar lugares para dejar que vivan en la memoria colectiva por siempre. Gracias a ella, podemos conocer aquellos lugares que han sido transformados por la época, que no hemos conocido en persona y que pasan desapercibidos día a día. Una imagen puede crear sensaciones y crear preguntas sobre lo que está ocurriendo en aquel lugar.

      Es ahí donde la fotografía puede complementarse con otras sensaciones. Es por ello que el proyecto creado por el compositor Stuart Fowkes es tan cautivante. Con vosotros: ‘Cities and Memories’.

      ¿Cómo suena el mundo?

      Como reporta The Verge, este proyecto nace cuando el músico cuestiona el rol del sonido en la forma en que las personas consumen el contenido. Usualmente, esta mezcla de imagen y sonido nos traslada al vídeo, pero Fowkes “quería sonido e imágenes estáticas, y ver la imágen casi como una pintura”, y así el concepto de fotografías sonoras llega al núcleo de este proyecto. Según el compositor “el sonido es un sentido descuidado” y como personas pensamos que debe ser ver para creer. Sin embargo, él cree que la importancia del sonido es mayor ya que “el sonido es el primer sentido del que somos conscientes [...] escuchamos sonidos antes de nacer, antes de ver, es íntimo, cercano e importante”.

      ‘Cities and Memories’ es un trabajo colaborativo con personas alrededor del mundo. Un proyecto donde las personas crean un mapa sonoro del mundo a través de grabaciones y mezclas de audio. Como sub proyectos, Fawkes crea actividades en la comunidad como el de 'Sound Photography' que nos trae acá hoy.

      En este, Fawkes pidió a voluntarios alrededor del mundo enviar fotografías que él agrega a una base de datos. Luego, los artistas sonoros toman esas imágenes y graban sonidos o crean mezclas para acompañar el sentimiento y/o el contexto para ellas, dependiendo de cómo hacen sentir o pensar al sonidista.

      El resultado son poderosas mezclas musicales o grabaciones documentales que acompañan la imagen. Le agregan un valor y una llamativa experiencia que permite darle más tiempo al espectador de analizar la fotografía mientras identifica la relación de esta y el sonido.

      El poder que tiene esto nos puede mostrar elementos sencillos como la imagen de arriba, que parte de lo que Fawkes siente al ver una imagen tomada a través de una ventana de su antiguo hogar. Gizmodo presentó el proyecto hace un par de años con el punto de vista de la experiencia que es estar dentro de un metro en Inglaterra. Wired presentó el proyecto con el potencial documental que tiene este durante las protestas, mostrando imágenes de protestas sobre Brexit y la campaña de Trump acompañadas con los gritos de los protestantes. Aquellas magníficas imágenes documentales se potencian, mientras el espectador usa su imaginación para unir oído y visión en su propia representación mental.

      Un mapa sonoro

      El proyecto cuenta con alrededor de 2.000 sonidos que están localizados en un mapa sonoro. En este encontrarán grabaciones y mezclas desde una ciudad como Zagreb, a un país como Kyrgyzstan o a un continente entero como África. Todo gracias a la colaboración de más de 500 sonidistas y fotógrafos que han compartido imágenes para inspirar.

      ‘Cities and Memories’ es un proyecto abierto, en el cual cualquier persona que esté interesada en darle un sonido al mundo quiera colaborar. La curaduría del proyecto es realizada por Fawkes. No duden en visitar la página de 'Cities And Memory' para escuchar este mar de grabaciones y conocer más sobre cómo colaborar en el proyecto.

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      Imagen de portada | Stuart Fowkes (Web, Instagram, Twitter)

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      Categorías: Fotografía

      Algirdas Seskus

      Fotógrafos en la red - Mié, 23/05/2018 - 08:00

      Algirdas Šeškus es un fotógrafo lituano (nacido en Vilna en 1945) es considerado en textos de historia de la fotografía como uno de los máximos representantes de la etapa de ruptura en la fotografía lituana con la cultura soviética.

      © Algirdas Šeškus

      Biografía

      Algirdas Šeškus estudió en la Escuela de Arte de Vilna desde 1968 hasta 1970. Más tarde completó un curso de cinematografía en Moscú, y luego trabajó como operador de televisión y radio para la televisión lituana desde 1979 hasta que se jubiló. Su contacto inicial con la fotografía en 1975 tuvo lugar cuando supo que necesitaría llevar diez fotografías a una entrevista de trabajo para el puesto de camarógrafo en el único canal de televisión en la Lituania soviética. Entró a trabajar aunque nadie miró las imágenes, pero la cámara que compró para esto le mostró un mundo nuevo, y continuó fotografiando durante la próxima década.

      En el clima silencioso de los años 70 y 80, las imágenes que estaba haciendo no obtuvieron demasiado reconocimiento: eran demasiado informales, mal hechas y desenfocadas para ser tenidas en cuenta por la escuela establecida de fotografía lituana soviética de la época. Junto con un puñado de otros fotógrafos, gravitó hacia un enfoque más documental y sus imágenes eran como una película oculta que se puede trasladar a los diferentes niveles de vida, a los simples momentos cotidianos, erotismo, torpeza, misterio, miedo, soledad, pero también y lo que es más importante, una imagen puede tenerlos a todos, y esto lo posiciona como un observador y él como artista en otro nivel. Sus fotografías son composiciones indistintas, borrosas y desordenadas; imágenes sin tonos, suaves y reducidas con contenido poco atractivo.

      Šeškus solía hacer fotografías cuando estaba detrás de la cámara de televisión o encontraba un lugar en la ciudad que le brindaba un telón de fondo y acción. En 1985, abandonó la fotografía, primero pasando al arte visual, donde la censura había disminuido un poco y encontró una mayor libertad, y más tarde a una práctica que evitaba por completo los aspectos formales del arte.

      Šeškus fue objeto de una gran retrospectiva en la Galería Nacional de Arte de Lituania y comenzó a fotografiar nuevamente en 2010, publicando tres volúmenes de sus casi desconocidos archivos fotográficos de la década de los 70: Žaliasis tiltas (Puente verde), Archives (Pohulianka) y Meilės lyrika (Líricas de amor). También ha expuesto TV en el Centro de Arte Contemporáneo de Vilna y en el documenta14 en Kassel y Atenas, Archives (Pohulianka). Photographs and Prints 1975–1983 en Vilna en 2010, Lyrics of Love en Londres en 2012 y Variations in shades of grey en Le Château d’Eau, Toulouse, Francia en 2013. En 2014 fue galardonado con el Premio Nacional Lituano de Cultura y Arte.

      Su trabajo ha influido en muchos fotógrafos de la antigua Unión Soviética, incluidos Boris Mikhailov, Alfonsas Budvytis, Vytautas Balcytis, Remigijus Pacesa y Gintaras Zinkevicius.

      Referencias Libros
      • Žaliasis tiltas (Puente verde). 2009.
      • Archives (Pohulianka). 2010.
      • Meilės lyrika (Líricas de amor).
      • Variacija buvimo išorėje tema (Variación exterior del tema).
      • Šamanas (Chamán).
      • Šeškus. Grey, but not Grey, 2014.
      Categorías: Fotografía

      Guía Completa para Iniciarse en la Fotografía con Lightpainting

      DZoom - Mié, 23/05/2018 - 07:30

      Estoy segura de que en más de una ocasión has visto una fotografía hecha en la oscuridad, y te has sorprendido por la forma en la que estaba iluminada o por los dibujos que aparecen en ella y que están pintados con luz. A esto se le llama lightpainting, una temática fotográfica que se caracteriza por pintar con luz. En este artículo vamos a descubrir qué es exactamente y qué tipos hay, así que... ¡no te pierdas nuestra guía más completa sobre lightpainting!


      ¿Qué Es el Lightpainting?

      foto por Philippe.C. (licencia CC)

      El lightpainting podríamos decir que se ha convertido en una temática más dentro de la fotografía, cuya principal característica es la de pintar con luz dentro de una toma. Resulta curioso, primero porque esa característica es la que le otorga su propio nombre, y en segundo lugar porque el lightpainting nos acerca a comprender la verdadera esencia de la fotografía, que es que una foto se puede hacer realidad gracias a la luz.

      Esta temática la practicaremos habitualmente en escenas oscuras o con una luz tenue, para que de ese modo podamos ser nosotros los que pintemos con luz aquello que queremos que se vea en una toma. Practicando el lightpainting un fotógrafo se llega a sentir como un pintor, solo que en vez de usar un pincel para pintar su obra, éste empleará cualquier accesorio que emita luz para pintar la fotografía.

      Si hay dos cualidades que son esenciales para practicar cualquier temática en fotografía, pero que resultan especialmente importantes en el lightpainting, son la paciencia y la práctica. Seguro que tu primer intento no te brindará un buen resultado, pero con una buena dosis de paciencia y a base de practicar y practicar podrás llegar a realizar capturas tan geniales como la que te muestro a continuación.


      ¿Qué Equipo Básico Necesitamos para Practicar la Fotografía con Lightpainting?

      Para practicar el lightpainting necesitaremos una serie materiales, entre ellos:

      • Una cámara capaz de trabajar en modo manual. Recuerda que este tipo de fotografía se realiza de noche o en escenas en la que hay una iluminación tenue, así que necesitaremos tener el control absoluto de todos los parámetros para que, teniendo en cuenta las condiciones lumínicas de la escena y la iluminación que nosotros vayamos a añadir a la fotografía, nuestra toma salga con una exposición adecuada.
      • Un trípode. El lightpaing se considera fotografía de larga exposición, porque necesitamos tiempo para poder dibujar con pintura en nuestra toma o en iluminar algún elemento del escenario. Así pues, será imprescindible disponer de un trípode sobre el que colocar nuestra cámara y así lograr que ésta se mantenga inmóvil durante todo el tiempo que se esté disparando la captura.
      • Un disparador remoto. El trípode tiene un compañero fiel, y ese es el disparador remoto. Juntos son los mejores compañeros con lo que podrás trabajar de forma estable. Si no dispones de uno, puedes echarle un vistazo a nuestra lista de recomendados, o empezar usando el autodisparador de tu cámara.
      • Fuente de luz. Un flash, una linterna, la pantalla de tu móvil... Cualquier cosa que emita luz puede convertirse en el pincel para pintar tu obra. Además, con la popularidad que ha ido adquiriendo la temática con el tiempo ya no solo podemos hacer uso de nuestra imaginación para crear nuestras propias herramientas de lightpainting, sino que hay múltiples accesorios que están ya listos para comprar y usar.
      • Geles de colores. Los geles de color son de bastante utilidad en lightpainting, ya que nos permiten alternar la temperatura y color de la fuente de luz que utilicemos, de manera económica y fácil.

      Aspectos Clave que Debes Conocer sobre el Lightpainting

      Además del equipo que hemos visto que vamos a necesitar para practicar la fotografía de lightpainting, hay que tener en cuenta una serie de aspectos que también serán clave a la hora de hacer este tipo de fotos.

      • Respecto al fotógrafo. Si vamos a practicar el lightpainting no podemos ir vestidos de cualquier manera a la sesión. Piensa que vamos a entrar en el encuadre mientras se está capturando la fotografía, así que será de vital importancia que vayas vestido con ropa oscura, ya que ésta no refleja la luz, y así evitaremos salir en la toma. También es importante que no te quedes quieto durante mucho tiempo en el mismo sitio, y que procures que la fuente de luz con la que vayas a iluminar la escena no te ilumine a ti, o de lo contrario saldrás en la toma.  Otro punto aconsejable es que lleves una linterna frontal para preparar el material antes de la toma y poder tener las manos libres para trabajar cómodamente. Y por último, el lightpainting es un tipo de fotografía en la que la colaboración siempre resulta positiva. Reúne a un grupo de fotógrafos que quieran hacer este tipo de tomas, y verás como además de divertiros muchísimo, aprenderéis y conseguiréis escenas más elaboradas.
      • Respecto a los modelos. Las fotografías de lightpainting muchas veces ganan atractivo si sacamos a personas, a las que podemos incluso disfrazar para recrear escenas de lo más dramáticas. Así que invita a tus amigos a que participen en estas sesiones, ya que la diversión está asegurada.
      • Trabajando con largas exposiciones. Si hay otra cosa por la que se caracteriza el lightpainting es por tratarse de fotografía de larga exposición. Esto quiere decir que vamos a necesitar tiempo para disparar la toma y trabajar la iluminación de la escena. No será un disparo rápido, sino que entre que empieza a dispararse la toma hasta que se acaba pueden pasar hasta minutos.
      • Practicando una iluminación creativa. Con el lightpainting estamos trabajando con la iluminación de una forma totalmente creativa, y es que vamos a enfrentarnos a una escena con una luz tenue o nula, y seremos nosotros los que con las fuentes de luz que utilicemos hagamos visible la escena. Por otro lado, tenemos dos modos de trabajar con la luz, por una parte podemos iluminar parte de la escena que hay en el set, y por otra podemos crear efectos con la propia luz, ya que al trabajar con largas exposiciones y mover una fuente de luz situada frontalmente a la cámara, crearemos trazas tal y como de una pintura se tratara.

      Configura Tu Cámara para Practicar Lightpainting

      foto por Mickaël (licencia CC)

      Ya tenemos el equipo y los materiales que emplearemos, ahora es el momento de configurar nuestra cámara y dejarla lista para una sesión de estas características.

      • Necesitamos trabajar con el modo manual de nuestra cámara para poder ajustarnos a la situación lumínica de la escena, y al mismo tiempo tener en cuenta la luz que nosotros vamos a añadir en ella. Como en este tipo de foto el tiempo de exposición (o lo que es lo mismo, la velocidad de obturación) es uno de los valores que más va a condicionar el resto de parámetros de la escena, ya que no es lo mismo dibujar 3 letras que iluminar los exteriores de un castillo, lo ideal es que optes por trabajar en modo Bulb. ¿Por qué? Pues porque seguramente no sepas el tiempo exacto que vas a tardar en disparar la toma y trabajar la iluminación de la escena, y trabajando en modo Manual tendrás que indicarle a la cámara un tiempo exacto, que no supere los 30", e intentar que te de tiempo a hacerlo todo en ese transcurso de tiempo. Si por el contrario optas por trabajar con el modo Bulb, podrás empezar a exponer la fotografía cuando tú quieras, y parar la toma cuando tu quieras, sin límite de segundos.
      • En cuanto al ISO, trataremos de que sea el mínimo posible para evitar la aparición excesiva de ruido. Es aconsejable que conozcas los límites de tu cámara y reconozcas cuál es la cantidad de ISO máxima que puedes emplear para lograr un buen resultado.
      • Respecto a la apertura de diafragma, también dependerá mucho de las condiciones lumínicas de la escena. No tiene nada que ver un entorno totalmente oscuro, en el que solo queremos que se vea lo que dibujamos nosotros con el haz de una linterna por ejemplo, que una escena en un paraje natural en el que iluminaremos parte de ella con una linterna y nuestro fin es que se distingan los elementos que aparecen ene ella. Si podemos, utilizaremos diafragmas intermedios, como f/8 por ejemplo para tratar de no tener una profundidad de campo tan limitada como si usáramos un f bajo. Además de ese modo tendremos más tiempo para trabajar sobre la toma empleando velocidades de obturación más largas.
      • Es muy recomendable que trabajes en formato RAW cuando practiques el lightpainting, ya que no solo tendrás mayor margen de corrección de la exposición en edición, sino que podrás trabajar también con los colores de tu imagen sin perder calidad. 
      • El balance de blancos que utilices dependerá de la escena que quieras captar y de estética quieras darle. Por ejemplo, si tu escena está integrada en un paisaje en el que se ve el cielo y empleas un balance demasiado cálido, puede que no quede natural a simple vista, pero quizás es el efecto que buscamos para lograr un mayor contraste en nuestra toma.
      • Haz uso del histograma y activa el aviso de altas luces, ya que por la noche y en un LCD tan pequeño puede que estemos sobreexponiendo las zonas iluminadas de la toma sin darnos cuenta. Revisando el histograma y con el aviso de altas luces la cámara se chivará de si hemos quemado alguna de las zonas de nuestra toma.
      • Desactiva el estabilizador de tu lente (si lo tiene). Ya te he comentado antes que vamos a trabajar sobre trípode, así que nuestra imagen va a estar totalmente estable. Tener activado el estabilizador de imagen de nuestra lente puede provocar confusión y causar que la imagen aparezca borrosa.
      • Activa la opción de "Reducción de ruido de larga exposición". Esta opción la tendrás por defecto desactivada, pero en sesiones nocturnas en las que la luz escasea y el ruido es nuestro mayor enemigo, puede sernos de utilidad. Esta opción lo que hace es, tras realizar la captura, la cámara volverá a repetir la toma con una exposición en negro para tratar de reducir el nivel de ruido de la toma original desde la propia cámara. Eso sí, si empleas está función asegúrate de llevar una batería de repuesto, ya que por cada foto que eches se dispararán dos, y piensa que estamos hablando de tomas que durarán varios segundos o más.
      • Enfoca de forma precisa gracias al live view de la cámara. Al estar trabajando en ambientes muy oscuros el enfoque automático de nuestras cámaras puede que no funcione tan bien como lo hace a plena luz del día. La mejor forma de asegurar que el foco de nuestra fotografía es preciso es activando el live view de nuestra cara, iluminando con la linterna la zona que queremos que salga enfocada, haciendo zoom sobre ella y enfocando manualmente.

      Principales Dificultades de Trabajar en la Oscuridad

      foto por Owen The Signal (licencia CC)

      Aunque algunas ya las hemos mencionado anteriormente, las principales dificultades que nos encontraremos para trabajar en la oscuridad son:

      • El enfoque. Una de las principales dificultades que tenemos a la hora de practicar el lightpainting es la de enfocar en ambientes muy oscuros. Para solucionarlo, lo mejor es que ilumines con una linterna o cualquier fuente de luz el elemento principal de la escena, que actives el live view de tu cámara y hagas zoom sobre dicho elemento, y que bien con el enfoque automático o el enfoque manual de tu cámara, enfoques al escena. Si optas por el automático, recuerda una vez hecho pasar tu cámara a enfoque manual para no tener que estar enfocando en cada una de las tomas que hagas desde la misma posición. Eso sí, recuerda que en el momento en el que la cámara o el sujeto u objeto protagonista cambien de posición, te tocará volver a enfocar la escena.
      • Trazas de luz indeseadas. Cuando iluminemos una escena estando en un ambiente oscuro, es muy fácil que el haz de luz se desvíe y o bien ilumine algo que no deseábamos del entorno, o nos ilumine a nosotros mismos. Una posible solución es que lleves contigo un trozo de goma eva negra a mano y lo utilices para tapar el haz de luz hasta el momento en que empieces a iluminar.
      • Posibles peligros. Es muy fácil que en plena oscuridad, mientras iluminamos una escena en un terreno que no conocemos del todo nos podamos tropezar o a caer, y hacer daño. Esta es otra de las razones por las que conviene ir acompañado de otros colegas cuando practiquemos este tipo de fotografía, ya que si lo hacemos siempre habrá alguien que nos pueda echar una mano.

      Temáticas para Practicar con Lightpainting

      foto por Duane Schoon (licencia CC)

      Desde trabajar con lana de acero, hasta crear esferas o iluminar de forma selectiva las diferentes zonas de una imagen. Existen múltiples técnicas con las que podemos poner en práctica la temática de lightpainting, y a continuación, te referenciamos los artículos de algunas de las principales técnicas que hemos tratado en detalle en dzoom.


      Edición en Lightpainting

      foto por tackyshack (licencia CC)

      Una obra no está concluida hasta que no se le dan sus últimas pinceladas, y en nuestro caso, esas últimas pincelas se traducen en el momento de la edición. Puedes exagerar más o menos el procesado de tus tomas, pero por ligeros que sean los ajustes seguro que tu fotografía gana fuerza, así que no descuides este último paso.

      Si que me gustaría comentar dentro de este apartado, que dentro de las diferentes técnicas que podemos practicar de esta temática, podemos hacerlas de dos modos:

      • Realizar toda la técnica en una sola toma, lo cual tiene mucho mérito ya que se tiene que planear muy bien la captura y tener la suficiente destreza para que salga todo de forma adecuada.
      • Realizar la técnica en diferentes tomas, y luego juntarlas en el momento de la edición. Esta otra forma nos puede ser de gran utilidad sobre todo al principio en el que nos puede abrumar un poco lo de iluminar diferentes partes de la escena en una única toma. Con este otro modo lo que haríamos sería iluminar por partes la escena, y a continuación pasar las fotos por Photoshop, añadirlas a un mimo documento, y cambiar la opción de fusión de la capa a "Aclarar", para que se sumen todas esas partes.

      ¡Atrévete a Iluminar la Oscuridad de Forma Creativa!

      foto por Rob Walker (licencia CC)

      ¿Te ha cautivado el apasionante mundo del lightpainting? Desde luego es una de las temáticas más originales y creativas en fotografía, dónde el límite lo va a a fijar tu imaginación. Ha llegado el momento de coger una linterna o cualquier otra fuente de luz, y ponerse a iluminar. ¡Anímate y enséñanos los resultados!

       

      Categorías: Fotografía

      Las alternativas que tenemos a la distancia hiperfocal para lograr la máxima profundidad de campo

      Xatakafoto - Mar, 22/05/2018 - 21:21

      La semana pasada publicamos un artículo sobre la realidad de la distancia hiperfocal. La profundidad de campo depende del tamaño y la distancia a la que contemplemos la copia final. Si observamos nuestra fotografía más cerca de cómo estaba planificado, se rompe la magia. Por este motivo vamos a conocer otras alternativas para conseguir la máxima nitidez en todos los planos.

      No estamos diciendo que la distancia hiperfocal no sirva. Sino que depende de muchas cosas para conseguir que sea realmente efectiva. Si tienes muy claro el destino final de tu fotografía, cómo va a ser contemplada, entonces será tu mejor aliada para simular la nitidez en absolutamente todos los planos que quieras.

      No tiene sentido aplicar la distancia hiperfocal si piensas que la fotografía se va a imprimir en un DinA3 y luego pretender hacer una copia de 60 cm. La percepción no va a resultar igual. La hiperfocal solo genera una sensación de nitidez para un tamaño dado. Nada más.

      Pero para aquellos que saben, con seguridad, que sus fotografías siempre se van a ver en tamaños inferiores a un 20x25 cm, la hiperfocal es una bendición. Todo depende del círculo de confusión, una de las tres variables que tenemos que tener en cuenta para trabajar con ella. Ahora la explicaremos.

      El ángel caído

      Hoy vamos a ver otras formas que tenemos para conseguir la máxima nitidez posible en nuestras fotografías, independientemente de la distancia a la que las vamos a contemplar. Cada uno es libre de elegir la que quiera, por supuesto. No hace falta rasgarse las vestiduras ni escribir con mayúsculas.

      La distancia hiperfocal

      Parece una contradicción, pero vuelvo a insistir. Si estás seguro de que tus fotografías no se van a ver a un tamaño superior al que tú has pensado en el momento de disparar, es un buen sistema para crear la ilusión de nitidez.

      Para calcular la distancia a la que tenemos que enfocar nuestro objetivo necesitamos saber cuatro cosas:

      1. La distancia focal de nuestro objetivo. Cuanto más angular más cercana la hiperfocal.
      2. El diafragma. Cuanto más cerrado más cercana la hiperfocal.
      3. El tamaño del sensor. Cuanto más pequeño más lejos la hiperfocal.
      4. El círculo de confusión. Cuanto más grande la copia más lejos la hiperfocal.
      Con la hiperfocal al 100%

      Hoy en día todo es más sencillo con las aplicaciones y las tablas que podemos imprimir. Solo tenemos que cruzar los datos y, en un instante, descubriremos la distancia a la que tenemos que enfocar para conseguir esa aparente nitidez desde la mitad de dicha hiperfocal hasta el infinito.

      No puedo dejar de recomendar el completo artículo de una de las mejores aplicaciones que podemos encontrar. En él avisan que todo será perfecto si asumimos:

      Esta calculadora considera las siguientes hipótesis para definir lo que se percibe como aceptablemente nítido en la imagen: para un tamaño de sensor dado, el Círculo de Confusión se calcula asumiendo un tamaño de impresión de la foto de 20cm × 25cm, una distancia de visionado de 25cm y la agudeza visual aceptada por los fabricantes de cámaras y objetivos.

      Por supuesto podemos variar el Círculo de confusión para conseguir que funcione en copias más grandes. Todo depende de nuestras intenciones finales.

      el Círculo de Confusión es tan solo una variable que utilizamos para llegar a un consenso sobre lo que se considera enfocado o desenfocado en una foto. Su valor no es un dogma, sino simplemente una convención.

      El apilamiento de imágenes

      Está técnica la podemos considerar un truco sucio. Es decir, una técnica imposible de hacer en la época clásica de la fotografía. Solo me refiero a eso con esta denominación. Gracias a que las zonas enfocadas en la fotografía tienen más contraste Adobe Photoshop puede seleccionar automáticamente los píxeles enfocados y juntarlos en una misma capa.

      Poco a poco se va introduciendo esta forma de trabajar en el mundo de la fotografía de paisaje. Hasta el punto de que uno de los paneles más populares del mercado, destinados a la postproducción digital (¿por qué no dirán revelado?) tiene, entre sus múltiples funciones, una acción para automatizar el apilamiento de imágenes. Una buena traducción del conocido focus stacking. Es lo que utilizan sus seguidores para conseguir nitidez desde el primer plano hasta el fondo de la imagen.

      Apilamiento de imágenes

      Se puede hacer de muchas formas pero recomiendo, al menos al principio, trabajar con el trípode para evitarnos ajustes mayores posteriores delante del ordenador. De hecho, es el proceso que particularmente uso cuando busco, sin problemas de tamaño de impresión, nitidez de uno a otro confín.

      Para fotografía de paisaje, no hacen falta mil cálculos distintos para decidir cuántas fotos hay que hacer. Normalmente con tres disparos es más que suficiente. Estos son los pasos:

      1. Colocamos la cámara en el trípode y calculamos la exposición. Recomiendo disparar con una diafragma medio. Una vez decidida la exposición pasamos al modo Manual. Y colocamos el Equilibrio de blancos en función de la luz de ese momento.
      2. Hacemos tres disparos (incluso cinco si queremos) enfocando en puntos distintos. En mi caso enfoco, con la ayuda de los puntos móviles de autoenfoque, en el primer plano, el medio y el fondo. Es lo único que cambia en las tres exposiciones.
      3. Revelo todas las fotografías en Adobe Lightroom con los mismos parámetros.
      4. Con todas las fotografías seleccionadas voy al menú Fotografía>Editar en>Abrir como capas en Photoshop.
      5. Ya en Photoshop, activamos en la ventana Capas todas las capas (Mayús+clic en la última) y en Edición>Alinear capas automáticamente>Proyección automática nos evitamos cualquier problema de movimiento.
      6. En Editar>Fusionar capas automáticamente>Apilar imágenes y con las casillas Tonos y colores homogéneos y Áreas transparentes de relleno según contenido activas lograremos que el programa seleccione los píxeles más enfocados de cada capa y nos devuelva una fotografía llena de nitidez.
      El método de la doble distancia

      Este método, del que he oído hablar pocas veces, parece que se utiliza mucho al otro lado del océano. En concreto lo propone Spencer Cox, uno de los editores estrella de Photography Life. En sus artículos sobre la profundidad de campo e hiperfocal habla de la confusión que genera y los problemas que ocasionan las famosas tablas.

      Él no está de acuerdo con la definición de la distancia hiperfocal. Sobre todo con la relativa sensación de nitidez...

      Cuando se diseñaron los primeros diagramas de distancia hiperfocal, alguien decidió que un fondo aceptablemente nítido contenía algo borroso, suficiente para notar en una impresión de tamaño mediano, pero, en general, no era una cantidad masiva. Después de ese punto, casi todos los demás gráficos hiperfocales siguieron su ejemplo.

      Spencer propone cambiar la definición de hiperfocal. Él dice que hay que buscar una distancia de enfoque que permita la misma nitidez en el primer plano y en el fondo. Seguro que se escandaliza igual que yo cuando oye que no hay que hacer caso a la supuesta fórmula matemática y que es mejor sumar medio metro al resultado...

      Esto es nitidez

      La solución es sencilla. Y evita los problemas del apilamiento digital, como hacerlo con elementos que se mueven... Solo hay que enfocar al doble de distancia al que esté el objeto más cercano.

      Enfoca dos veces más lejos que tu objeto más cercano

      Si tenemos un encuadre en el que el primer plano está a 2 metros, solo tenemos que ajustar el enfoque a 4 metros para conseguir nuestro objetivo. Nitidez en todos los puntos de la fotografía. Y por supuesto todo mejora si cerramos el diafragma... Espero que probéis estas técnicas y comprobéis si realmente funcionan.

      En Xataka Foto| Cómo elegir la abertura de diafragma correcta en fotografía de paisaje

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      La noticia Las alternativas que tenemos a la distancia hiperfocal para lograr la máxima profundidad de campo fue publicada originalmente en Xataka Foto por Fernando Sánchez .

      Categorías: Fotografía

      El horquillado (o bracketing) en fotografía: Qué es y cómo utilizarlo adecuadamente

      Xatakafoto - Mar, 22/05/2018 - 19:17

      No es una característica muy utilizada, de hecho por eso la incluimos en este listado de cosas que a lo mejor no sabías que puede hacer tu cámara, pero sin duda el bracketing u horquillado (a veces también denominado “ahorquillado”) es una funcionalidad que debemos conocer por su utilidad en determinadas situaciones. Te mostramos para qué sirve y cómo emplearlo adecuadamente.

      En ese mismo artículo ya contábamos que el horquillado no es una función exclusiva para la exposición, aunque sea lo más habitual y conocido, sino que también existe el bracketing de balance de blancos, el de flash, el de enfoque y el de ISO, y además algunos de los últimos modelos del mercado incluyen otros tipos más específicos.

      Sea como fuere, el horquillado o bracketing no es otra cosa que la toma consecutiva y de forma automática de distintas instantáneas de una misma escena variando en cada una de ellas alguno de sus parámetros. Su aplicación por tanto es variada, aunque la forma de usarlo sí que es bastante parecida en la mayoría de cámaras, como vamos a ver a continuación.

      Cómo se utiliza

      La mecánica es muy sencilla, como seguramente muchos ya sabréis. Lo primero es seleccionar la función en nuestra cámara, lo cual lógicamente dependerá del modelo. En algunas ocasiones habrá que entrar el menú pero en la mayoría de cámaras esta función viene incluida dentro de los Modos de disparo. Es decir, dentro del ajuste que permite elegir si vamos a disparar las fotos una a una o en ráfaga, utilizar el autodisparador incluido o, en este caso, elegir entre los distintos modos de bracketing que tenga nuestra cámara.

      Escogido uno de ellos, el equipo debería permitirnos variar los parámetros concretos del horquillado que vamos a hacer, lo cual suele implicar poder elegir el número de fotos que se tomarán y también cómo será la variación entre las distintas fotos, por supuesto dentro de unos límites.

      En el caso del horquillado de exposición lo más común es realizar tres fotos con una diferencia de un paso de luz entre cada una de ellas (como en la foto que habéis visto en portada), lo que da como resultado tres imágenes con una diferencia de dos stops. Claro que ya decimos que esto es algo que se puede establecer en cada momento para adaptarse a la escena concreta y al propósito que busquemos al usar esta funcionalidad.

      El caso es que al mantener pulsado el botón del disparador la cámara realiza automáticamente las fotos (el bracketing también se podría hacer de forma manual, pero eso ya sería otro tema), pero a la hora de hacerlo hay que tener en cuenta algunas precauciones. Si hablamos de un entorno bien iluminado, que permita realizar una foto a una velocidad de obturación relativamente rápida (podríamos decir que a partir de 1/60 o 1/125 seg.) podremos realizar las tomas consecutivamente a pulso sin mayor problema.

      Foto de ian dooley

      Pero si tenemos que disparar a velocidades menores hay que pensar que existe la posibilidad de que el encuadre se mueva, aunque sea mínimamente, arruinando el efecto buscado. En estos casos será recomendable montar la cámara sobre un trípode adecuado para asegurarnos de que las tomas van a tener el encuadre exacto de tal modo que si luego las fusionamos no haya ningún problema.

      Al hilo de esto debemos tener en cuenta también que los objetos que aparecen en la toma estén estáticos, porque si hay movimiento dentro de la foto lo más probable es que en el resultado aparezca lo que se conoce como “efecto fantasma”. Es decir que aparecen rastros o partes de elementos que se hayan movido entre las diferentes tomas que se quieren fusionar posteriormente. Un trabajo por cierto, para el que no debería hacer falta decir que necesitaremos un programa de edición de imágenes como el conocido Photoshop.

      Horquillado de exposición

      Pasamos ya a ver con un poco más de detalle cuáles son los escenarios más típicos de utilización de los distintos tipos de bracketing, comenzando por el más popular, el que produce varias imágenes variando sus parámetros de exposición.

      Tradicionalmente esta técnica se ha utilizado en situaciones de alto contraste, cuando la diferencia lumínica entre las zonas de altas y bajas luces supera el rango dinámico de la cámara (razón por la cual no siempre basta con un RAW) y la única solución es hacer varios disparos con distinta exposición que luego fusionaremos.

      Así, mediante el horquillado la cámara realizará varias fotos con distinta exposición dependiendo de las instrucciones fijadas y teniendo en cuenta el modo que tengamos seleccionado en la cámara. Es decir, si estamos usando el modo de prioridad al diafragma (A) o a la velocidad (S), la cámara modificará el parámetro contrario dejando fijo el prioritario tal y como lo hayamos puesto nosotros.

      Si directamente usamos el modo automático (P) variará tanto velocidad como diafragma a su antojo y con los consiguientes efectos que eso puede producir en las tomas. Por eso, como siempre, no censuramos el uso de estos modos pero sí recomendamos la supervisión estricta para saber en todo momento cuáles son los parámetros con los que estamos tomando las fotos.

      Por cierto que, como ya habéis adivinado muchos, esta es la técnica básica que se utiliza como punto de partida para hacer una foto de alto rango dinámico o HDR (High Dinamic Range). Un tipo de fotografía que se ha popularizado bastante por la llamativa estética que puede otorgar a la imagen pero cuyo origen no era otro que el de afrontar situaciones en las que la diferencia entre zonas luminosas y de sombras es muy elevada.

      Un ejemplo de fotografía HDR. Imagen de Robby Green

      En cualquier caso, echar mano del bracketing de exposición es un recurso apreciable para muchas situaciones como fotografías en la playa, para lograr una silueta o incluso para fotografiar un eclipse solar.

      Bracketing de enfoque

      No es que sea un tipo de horquillado muy utilizado pero sí que tiene bastante importancia dentro de una disciplina concreta: la fotografía macro. Como sabréis (y si no ya estáis tardando en leer esto), uno de los grandes problemas de este tipo de tomas lo tenemos en el hecho de trabajar con una profundidad de campo muy reducida.

      Un inconveniente que puede ser soslayado gracias a la técnica del apilamiento de imágenes o focus stacking, que de nuevo tiene como base la realización de varias tomas que luego se “apilarán” en el postprocesado. En este caso, como ya habréis adivinado, el parámetro que se cambia en cada toma es la distancia de enfoque, lo que permite obtener distintas imágenes en las que el foco perfecto se encuentra en distinto lugar.

      Foto de Gabriel González

      Esto es algo que también se puede realizar de forma manual, ya sea variando el enfoque a mano o incluso moviendo la cámara (de forma milimétrica y con mucho cuidado, claro está), pero que el bracketing de enfoque permite realizarlo más fácilmente. Además, aunque se use sobre todo en macrofotografía también se puede extender a otro tipo de imágenes, como las de paisaje, en las que queramos ampliar la profundidad de campo a posteriori.

      Otros horquillados

      Los otros tipos de bracketing son bastante residuales, pero ahí están y conviene conocerlos porque nunca se sabe cuándo pueden ser útiles. Además hay que decir que, en general, la finalidad de los otros horquillados no es obtener distintas imágenes de partida que luego se fusionarán, sino obtener distintas fotos con diferentes ajustes para asegurarnos, ante la duda, de dar con la elección correcta ante situaciones complicadas.

      Para eso está claramente el horquillado de balance de blancos, destinado a tener donde elegir en situaciones en las que no tengamos clara la temperatura de color de la luz dominante. Por supuesto, esto es algo que podemos soslayar si utilizamos el formato RAW, que permite cambiar el white balance a posteriori, pero por ejemplo en fotografía química sí que puede ser muy útil.

      Ejemplo de un horquillado de balance de blancos realizado para asegurarnos el resultado correcto en una foto de interior, donde el color de la luz suele ser difícil de determinar.

      Un caso similar al bracketing de balance de blancos es el de flash, pensado para hacer distintas tomas con diferentes intensidades del flash (normalmente referido al de relleno) para poder quedarnos con la mejor. Y lo mismo con el horquillado de sensibilidad, que consiste en lo que ya habrás imaginado: hacer distintas tomas variando el ISO para obtener diferentes niveles de ruido, ya que en principio no afecta a la exposición. Un modo que realmente, nos parece un poco menos útil para el usuario en general, aunque a nosotros nos vendría bien para nuestras pruebas de cámaras.

      Y con esto terminamos por esta vez esperando haber sido útiles y resolver vuestras dudas sobre qué es el horquillado o bracketing de las cámaras y cómo utilizarlo. Como siempre esperamos vuestras aportaciones a través de los comentarios.

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      La noticia El horquillado (o bracketing) en fotografía: Qué es y cómo utilizarlo adecuadamente fue publicada originalmente en Xataka Foto por Óscar Condés .

      Categorías: Fotografía

      Rafael Señán

      Fotógrafos en la red - Mar, 22/05/2018 - 08:00

      Rafael Señán fue un fotógrafo español (nacido en 1864 en Ciudad Real, fallecido en 1911 en Granada) que creó en Granada un singular estudio especializado en la fotografía turística. Este negocio ofrecía a los visitantes de la Alhambra todo tipo de recuerdos fotográficos de los principales monumentos andaluces, así como postales y el genuino retrato árabe, para el que los turistas se disfrazaban ante la cámara como el propio Boabdil.

      Rafael Señán

      Biografía

      Rafael Señán González se trasladó muy joven a Granada, ciudad en la que se formó profesionalmente junto a fotógrafos de la talla de Escudero y Rafael Garzón Rodríguez, con el que crearía un singular estudio especializado en fotografía  turística, en el que ofrecieron entre los años 1898 y 1901 , además de postales de la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada y escenas de la Sevilla de finales del XIX, retratos árabes, en los que los turistas se disfrazaban para la cámara con los atuendos propios. Esta relación terminó en competencia, con estudios de ambos puerta con puerta.

      Pero esta actividad le reportó un gran éxito, gracias al cual pudo abrir otro estudio en Córdoba también con decorados imitando a patios de los palacios nazaríes, que regentó su esposa, Nicasia Aldeondo, y que luego continuó su hija hasta el comienzo de la Guerra Civil española.

      Señán editó cientos de postales diferentes de zonas, tipos y monumentos de Córdoba, Granada, Málaga, Ronda, Sevilla y también Tánger, además de imágenes de plazas, calles y monumentos, también realizó fotografías de la vida cotidiana y las de aquellos primeros turistas, atraídos por las historias contadas por los escritores románticos del siglo XIX sobre Granada y la Alhambra, que querían llevarse a su país un recuerdo en el que ellos mismos eran los protagonistas, ataviados como cortesanos de la corte nazarí y fotografiados por Señán en su estudio, en el que simulaba los patios de la Alhambra.

      A lo largo de su carrera fue reconocido con el Premio de la Exposición de El Cairo de 1895, Diploma de Honor en la Exposición de Granada de 1905, la Medalla al Mérito de la Sociedad Científica Europea o el Primer Premio de la Exposición de Santander de 1906. En 1904 se le concedió el título de fotógrafo de cámara de Alfonso XIII, honor que le permitía incluir el escudo de la Casa Real en los cartones de sus retratos.

      En 2009 la Fundación CajaSur organizó la exposición Postales andaluzas. Rafael Señán y la fotografía turística (1864-1911), celebrada en el Palacio de Viana de Granada, que reunió una selección de más de 200 fotografías procedentes en su mayoría del archivo de 1.332 placas originales del fotógrafo, que desde 1989 forma parte del Archivo Histórico Fotográfico CajaSur, completada con valiosas fotografías de época, postales, objetos y cámaras de este gran fotógrafo andaluz.

         Referencias Libros
      Categorías: Fotografía

      ¿Por qué no salen más modelos de cámara con almacenamiento interno?

      Xatakafoto - Lun, 21/05/2018 - 21:01

      El almacenamiento es uno de los elementos técnicos más importantes en la fotografía. Con el incidente de la semana pasada sobre un astronauta que salió al espacio con una GoPro sin memoria SD, la comunidad fotográfica comenzó a plantearse de nuevo la siguiente pregunta: ¿Por qué las cámaras no cuentan con un almacenamiento interno?

      Las ventajas

      Es claro que si hay un elemento tan importante (pues sin memoria no hay fotografías) sería lógico que las compañías incluyeran en estos equipos por los que se paga tanto una memoria interna. Elemento que le agrega un valor de fiabilidad a las compañías y que salvaría a un fotógrafo de situaciones incómodas como el olvidar una SD o tener una tarjeta que se ha corrompido o dañado por algún motivo durante una sesión.

      Como fotógrafos, también podríamos usar esta memoria interna para guardar un respaldo interno de aquellas tomas que sabemos que pondremos cinco estrellas en el proceso de selección al ir al laboratorio digital. Además de la usual protección de bloquearlas para no borrarlas por accidente si necesitamos espacio rápidamente, los respaldos inmediatos son de gran ayuda para agilizar las sesiones.

      Como reporta SRLLounge, las memorias de estado sólido son rápidas y tiene una expectativa de vida larga. Así que es muy poco probable que haya problemas sobre esta pieza de hardware y tampoco habría una reducción en el desempeño de la cámara.

      Pero…

      Aprovechando el último punto, hablamos que sería muy poco probable tener problemas con la memoria integrada. Sin embargo existe una probabilidad. En el caso que ocurra un daño a la memoria interna los problemas para el fotógrafo son mucho mayores: primero puede haber un bloqueo de la cámara con un mensaje de “error en la memoria interna”. Segundo, los costos de reparación serían más elevados al tener que desarmar y rearmar la cámara.

      Ahora hablemos sobre las prácticas profesionales. Para disminuir el riesgo de corrupción de memorias, muchos fotógrafos suelen cambiar seguido (cada uno o dos años) las tarjetas que utilizan. Aunque una buena memoria tiene una vida de 10 años y el promedio de las gama medias están en 5 años, una mala memoria puede dañarse en meses. El no poder tener un control sobre este ‘mantenimiento’ de las memorias presenta un problema para los más organizados.

      Dentro de estas prácticas están los propósitos. ¿Soy un fotógrafo de paisaje? ¿Hago algún tipo de fotografía social y disparo por montón? ¿Hago vídeo? En mi caso, soy fotógrafo de paisaje y, en mis salidas, 32 gigas son suficientes para una semana de recorrer un lugar. Pero cuando grabo vídeo (1080p a 29,97fps en codec H.264), cada memoria de 32 gigas son alrededor de 43 minutos de material que puedo grabar; y si solo dependiera de la memoria interna quedaría muy corto. Nuestras prácticas determinan la cantidad de memorias, la capacidad de almacenamiento y las tasas de transferencia que debemos manejar por trabajo.

      Para realizar un respaldo del material, el tener una memoria integrada implica que la cámara debemos conectarla a un ordenador, tener el cable de conexión y (en ocasiones) un software del fabricante para descargar esas fotografías. Quiere decir que para una sesión en localización será necesario más equipo, que es más pesado que un estuche de memorias. Hemos mencionado antes que ya hay sistemas de respaldo sencillos como el Gnarlbox, donde solo necesitaríamos esas SD y un móvil para respaldar nuestros archivos en localización a un disco duro fiable.

      La realidad

      Existen modelos de alta gama con memoria interna como la Leica TL2, que incluye una memoria interna de 32GB con posibilidad de expansión. Sin embargo es algo raro entre los desarrolladores de cámaras. Como mencionan en el artículo de SLRLounge, las cámaras y demás dispositivos electrónicos tienen una obsolescencia planeada. Esto influye en vender a un precio con menor retorno de ganancia inmediata pero que aumente las ventas de dispositivos a largo plazo. Es una de las razones que hacen tan fiables las cámaras analógicas, una DSLR como la Canon AE1 (de la década de los setenta) puede seguir en perfecto funcionamiento, mientras que cámaras digitales de 2010 ya están llegando a sus últimos días.

      Cada componente extra que agreguen a la cámara hace más caro el dispositivo (como ocurre en los móviles, donde la diferencia de precio en memoria puede significar 200 euros más). Sin embargo, en cámaras esto implica que la expectativa de vida de un dispositivo es más grande por parte del consumidor. Si se que mi DSLR dura 10 años y entre comprar el mismo modelo prefiero migrar a otra cámara que es más cara, estoy esperando no tener que cambiar de cámara hasta dentro de 15 años.

      Otro motivo está en que cada vez los cuerpos son más compactos. Esto implica que el espacio de la cámara debe ser optimizado para agregar más juguetes como Wi-Fi integrado y Bluetooth para una conectividad móvil. La memoria integrada con memoria expandida es un espacio que, aunque se puede lograr, es ineficiente para los desarrolladores. A nivel de diseño, es menos riesgo el que el usuario elija y se haga responsable del almacenamiento, y así la compañía se enfoca en elementos de valor agregado que atraigan a los consumidores.

      Aunque la verdadera razón es que es mal negocio para las compañías integrar una memoria interna, en realidad no hay tantas ventajas para pedirle a estas integrar un sistema de almacenamiento interno.

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      Imágenes | Sergio Fabara, Binarysequence (via Wikimedia), Sven (via Flickr),

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      La noticia ¿Por qué no salen más modelos de cámara con almacenamiento interno? fue publicada originalmente en Xataka Foto por Sergio Fabara .

      Categorías: Fotografía

      Entrevista a nuestro compañero del foro Javier Camacho (“Chavi”) tras su cima en el Everest.

      Caborian - Lun, 21/05/2018 - 19:06

      Como los más antiguos del lugar ya sabréis, Chavi puso nuestra bandera de Caborian a más de 8.000 msnm en el Broad Peak. Pues bien, ahora le ha tocado al techo del mundo, el Everest y no sin dificultades.

      Pero lo peor le esperaba en el descenso, en el campo 4: “Bajé de cumbre, y de repente, en el campo 4, pensé que me quedaba ciego, lo pasé muy mal. No veía nada y no podía abrir los ojos, se me quedaron pegados. Ya había tenido ceguera de las nieves en el Manaslu, pero nada que ver. De hecho, Alex Txikon empezó a gestionar mi rescate con Seven Summits, porque ciego totalmente no puedes bajar de 8.000m. Y encima, en mi estado, me quedé sin oxígeno para pasar la noche.

      Por suerte, a pesar de estar malo y no tener oxígeno, a base de más antibiótico y antiinflamatorio mejoré, resultó ser una conjuntivitis tremenda, por la mañana veía algo, e inicié el descenso de forma lenta. Cancelamos el rescate.”

      Os dejamos con la entrevista que le han hecho en Barrabés

      Muy grande Chavi ! estamos muy orgullosos de ti y felices de que todo haya salido bien.

      Categorías: Fotografía

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