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Canon EOS M5 – Prueba de campo

DSLR Magazine - Hace 9 horas 12 mins

Cuatro años después de las primeras andaduras de Canon en el mundo de las cámaras sin espejo, y unos cuantos más después de la competencia, la compañía de referencia del sector fotográfico ha decidido dar un paso más con la EOS M5, su primera ‘mirrorless’ enfocada al usuario amateur avanzado o incluso al profesional que busca un segundo cuerpo.

Canon EF-S 50 mm f/1,8 sobre Canon EOS M5 con adaptador EF © Albedo Media

Anunciada durante la pasada Photokina 2016, ya tuvimos ocasión de realizar una primera toma de contacto días antes de su presentación oficial, reservada a la prensa especializada del sector, donde pudimos corroborar lo que se venía proclamando: estábamos delante de la primera apuesta seria de Canon en el sector de las mirrorless, un sector en el que la firma siempre se había mantenido bastante rezagado con tímidas alternativas.

Antecedentes y características

Hay que remontarse a julio de 2012 para conocer la que sería la primera “sin espejo” de Canon y el nacimiento del sistema Canon EOS M. Un cuerpo de 300 gramos, con un sensor APS-C de 18 Mpx, un procesador DIGIC 4 y sin visor, que inauguraba la montura EF-M. Después de una EOS M2 que solo haría su aparición en Japón en diciembre de 2013, llegaría la tercera versión, la Canon EOS M3 en febrero de 2015; un cuerpo algo más pesado de 366 g, un aumento de resolución a los actuales 24 Mpx y un procesador DIGIC 6 serían las novedades más significativas, además de la posibilidad de usar un EVF opcional. Una versión de entrada de gama –el uso de dos dígitos en la numeración así lo delatan–, la EOS M10, sería presentada en octubre de 2015, que volvería a los 18 Mpx de los primeros modelos, pero con el DIGIC 6 de la M3.

La Canon EOS M5 dispone de un sensor APS-C de 24 Mpx, la misma resolución que la M3 © Albedo Media

Finalmente, llegaría la EOS M5, con un visor electrónico integrado, una primicia para las mirrorless de Canon, con una resolución de 2,4 millones de puntos y una cobertura del 100 %. Su sensor APS-C de 24 Mpx con factor de recorte 1,6x –probablemente el mismo que el encontrado en la Canon 80D– viene acompañado de un procesador DIGIC 7 de última generación, lo que permite llegar a un sensibilidad máxima de 25.600 ISO y obtener ráfagas de hasta 9 fps con AE/AF bloqueados en la primera toma –7 fps sin dicho bloqueo–, valores que sitúan a la EOS M5 codo a codo con la competencia. Todo ello, no obstante, eleva su peso hasta los 427 g.

La Canon EOS M5 incorpora una pantalla inclinable y un visor electrónico, por primera vez en las ‘mirrorless’ de la compañía © Albedo Media

Por otro lado, la EOS M5 incluye el sistema de enfoque Dual Pixel CMOS AF, inaugurado con la Canon 70D, y hasta el momento reservado solo a las cámaras réflex de la compañía. Este sistema de enfoque híbrido, con 49 puntos de AF, incluye píxeles de detección de fase en el sensor y da sentido al uso del adaptador EF, que permite utilizar ópticas Canon EF y EF-S en el cuerpo de la EOS M5.

Gracias al adaptador EF, podemos montar ópticas EF y EF-S en el cuerpo de la EOS M5; el Dual Pixel CMOS AF nos garantiza resultados dignos © Albedo Media

En el aspecto de vídeo, para decepción de muchos usuarios, no incluye ningún modo 4K, y se conforma con la resolución Full HD 1.080p60 y una modesta tasa de 35 Mbps. Seguramente, una decisión estratégica por parte de la compañía, aunque ciertamente discutible, pues el sistema de estabilización de 5 ejes de EOS M5 sólo es utilizable como tal en modo vídeo, lo que habría hecho de la última sin espejo de Canon una importante contendiente en el segmento del 4K amateur.

La óptica de kit Canon EF-M 15-45 mm f/3,5-6,3 IS cuenta con estabilización óptica; sin embargo, sistema de estabilización de 5 ejes solo está disponible para grabación de vídeo © Albedo Media

Por último, Canon ha incorporado en su EOS M5 todo tipo de conexiones inalámbricas, desde el común Wi-Fi, hasta el sistema sin contacto NFC y el Bluetooth para una conectividad continua.

Ópticas para prueba y precios

Para nuestra prueba de campo, hemos dispuesto de hasta cuatro objetivos diferentes. Por un lado, los dos objetivos de kit para montura EF-M, el ya conocido Canon EF-M 15-45 mm f/3,5-6,3 IS, que data de octubre 2015, y el más reciente Canon EF-M 18-150 mm f/3,5-6,3 IS, que fue presentado conjuntamente con la EOS M5 durante la Photokina 2016, el pasado mes de septiembre. Montadas sobre el sensor APS-C de Canon, estas ópticas equivalen, respectivamente, a un 24-72 mm y un 28-240 mm aproximadamente en formato 35 mm.

El compacto Canon EF-M 15-45 mm f/3,5-6,3 IS se adapta perfectamente a las dimensiones de la EOS M5 © Albedo Media

Por otro lado, gracias al mencionado adaptador EF, hemos podido probar también dos otros objetivos de Canon, esta vez en montura EF-S. Se trata del Canon EF-S 50 mm f/1,8 y del relativamente reciente Canon EF-S 18-135 mm f/3,5-5,6 IS, presentado a principios de 2016.

Un Canon EF-S 18-135 mm f/3,5-5,6 IS montado sobre la EOS M5 mediante el adaptador EF; el desequilibrio de masas es evidente © Albedo Media

El precio oficial del cuerpo –incluyendo el adaptador EF, un acierto por parte de Canon teniendo en cuenta las escasas referencias de ópticas en montura nativa EF-M– es de 1.200 €, mientras que en kit con el EF-M 18-150 mm se eleva a 1.500 €. Sin embargo, en algunas tiendas ya puede encontrase en kit con el EF-M 15-45 mm por un precio similar al oficial del cuerpo.

Manejo y ergonomía

La EOS M5 sienta bien en las manos, y aunque la sensación es algo “plasticosa”, transmite robustez y solidez al mismo tiempo. Su cuerpo de policarbonato, sin embargo, no está sellado contra la intemperie, algo que sí ofrecen algunos modelos de la competencia, que además ofrecen un acabado más metálico.

Canon EF-S 50 mm f/1,8 sobre Canon EOS M5 con adaptador EF © Albedo Media

A nuestro parecer, las dimensiones de la empuñadura son adecuadas, lo que permite una buena sujeción de la cámara en todo momento. Su ergonomía es, de hecho, uno de sus puntos fuertes, ya que ofrecer nada menos que cuatro diales en el panel superior. Aparte del dial de control de modos, encontramos uno dedicado a la compensación de exposición y dos para los ajustes correspondientes al modo de exposición seleccionado, lo que permite operar la EOS M5 de forma muy eficiente.

Canon EF-M 15-45 mm f/3,5-6,3 IS sobre Canon EOS M5 © Albedo Media

Su generosa pantalla táctil inclinable de 3,2″ y 1,6 millones de puntos facilitan también el uso de la EOS M5. Cuenta además –como ya vimos en la reciente prueba de la Sony a6500, por ejemplo– de la selección del punto de enfoque a través de la pantalla mientras se hace uso del visor electrónico para encuadrar, lo que viene conociéndose como “Touch AF“. Para evitar accionar la pantalla involuntariamente con la nariz –por ejemplo–, Canon ha previsto la posibilidad de elegir la zona activa de la pantalla. No obstante, hemos tenido que lidiar con algún que otro comportamiento inconsistente, pues al reiniciar la cámara no siempre se guardaban los ajustes correspondientes, algo que esperamos se solucione en próximas actualizaciones de firmware.

Canon EOS M5 © Albedo Media

No son los únicos problemas con los que nos hemos enfrentado durante las pruebas. Es notoria la falta de reactividad al accionar el botón de disparo, así como el tedioso black-out del visor entre disparos. Asimismo, la autonomía de la EOS M5 se nos antoja bastante limitada, por debajo de sus competidoras. Así pues, es altamente recomendable activar el modo ‘Eco’, que disminuye el brillo de la pantalla tras 2 segundos de inactividad, y la apaga completamente al cabo de 10 s.

Canon EF-M 15-45 mm f/3,5-6,3 IS sobre Canon EOS M5 © Albedo Media

Por otro lado, la velocidad de enfoque, así como su precisión, representan un salto cualitativo respecto a los modelos precedentes de la gama EOS M de Canon gracias, en parte, a la incorporación del mencionado sistema Dual Pixel CMOS AF. No obstante, otras compañías que llevan más tiempo en el segmento de las mirrorless disponen en su catálogo de cámaras más rápidas, aunque en su uso diario hay que reconocer que la EOS M5 se desenvuelve con soltura. Si hacemos uso de ópticas EF-S mediante el adaptador EF suministrado con la cámara, la velocidad de AF decae moderadamente, aunque nos seguimos moviendo en valores aceptables.

Muestras

A continuación, mostramos unas cuentas tomas de prueba a resolución nativa realizadas con las diferentes ópticas disponibles, donde podemos apreciar el –en general– buen resultado de la EOS M5, tanto a nivel de contraste como de rango dinámico, a la par –como esperado– con la Canon 80D de la compañía, de características similares en cuento a especificaciones técnicas.

Imagen tomada con Canon EOS M5 y Canon EF-M 15-45 mm f/3,5-6,3 IS a 15 mm – 1/1.600 s – f/5,6 – ISO 100 © Albedo Media Imagen tomada con Canon EOS M5 y Canon EF-S 50 mm f/1,8 con adaptador EF a 50 mm – 1/1.250 s – f/1,8 – ISO 100 © Albedo Media Imagen tomada con Canon EOS M5 y Canon EF-S 18-135 mm f/3,5-5,6 IS con adaptador EF a 18 mm – 1/60 s – f/5,6 – ISO 100 © Albedo Media

En cuanto a la sensibilidad, si bien los resultados son correctos, estos se sitúan un peldaño por debajo de lo que otras mirrorless de formato APS-C pueden hacer –pensamos en la Serie X de Fujifilm y sus sensores X-Trans CMOS o incluso en las Sony de la familia a6000–, sobre todo a índices ISO elevados.

Imagen tomada con Canon EOS M5 y Canon EF-S 50 mm f/1,8 con adaptador EF a 50 mm – 1/25 s – f/2,8 – ISO 800 © Albedo Media Imagen tomada con Canon EOS M5 y Canon EF-M 18-150 mm f/3,5-6,3 IS a 150 mm – 1/500 s – f/6,3 – ISO 1.250 © Albedo Media Imagen tomada con Canon EOS M5 y Canon EF-M 18-150 mm f/3,5-6,3 IS a 100 mm – 1/250 s – f/6,3 – ISO 6.400 © Albedo Media

Por lo que respecta a la estabilización, los resultados de la IS –Imagen Stabilization– de las ópticas provistas de este sistema de estabilización óptico son bastante decentes, si bien hubiera sido más ventajoso poder utilizar la estabilización de 5 ejes como hacen otras cámaras sin espejo de la competencia.

Imagen tomada con Canon EOS M5 y Canon EF-S 18-135 mm f/3,5-5,6 IS con adaptador EF a 135 mm – 1/6 s – f/22 – ISO 100 © Albedo Media Conclusiones

Si empezamos por la parte positiva, está claro que la Canon EOS M5 es la primera mirrorless realmente competente de la compañía. La incorporación –finalmente– de un visor electrónico en el cuerpo era una de las demandas principales por parte de los usuarios de la firma, que esperaban que su marca preferida propusiera en su catálogo una sin espejo capaz de competir sin complejos con el resto de modelos del mercado. Está claro que parte de su buen rendimiento viene dado por su completa hoja de especificaciones, a la par con las réflex APS-C de la compañía orientas al usuario amateur avanzado. Sobre el papel, poco tiene que envidiar a las demás opciones de la competencia, excepto la posibilidad de grabar vídeo 4K o la integración completa de la estabilización de 5 ejes en el cuerpo.

Un asequible Canon EF-S 50 mm f/1,8 montado sobre la Canon EOS M5 mediante el adaptador EF © Albedo Media

No obstante, y si bien es de agradecer que Canon suba una marcha más en su apuesta de cámaras sin espejo, aún falta un largo recorrido para poder ocupar el podio en este segmento. Aparte de ciertos problemas de agilidad –que deberían poder solucionarse sin grandes dificultades en futuras revisiones–, es necesario ofrecer un catálogo de ópticas nativas EF-M mucho más prolífico –actualmente Canon solo cuenta con 6 referencias–, pues a pesar del adaptador EF y de la integración del Dual Pixel AF CMOS –ambos siempre bienvenidos–, existe un claro desequilibrio al utilizar objetivos EF-S y EF, tanto de dimensiones como de velocidad de enfoque.

También nos gustaría poder ver, en futuras versiones, un cuerpo más contundente, con un acabado más profesional, así como un visor con un mayor factor de aumento y, por qué no, con una tasa de refresco aún más rápida. Todo ello ya lo ofrecen, de hecho, modelos competidores a precios no mucho mayores a los propuestos por Canon. Eso sí, seguramente el precio no sea tan problemático en sí, pues estamos convencidos de que, si la firma es capaz de ofrecer todas estas características deseadas, muchos usuarios estarán dispuestos a pagar ese plus de precio para poder optar por el savoir faire de Canon si ésta pone finalmente la quinta marcha.

Categorías: Fotografía

Cuando Gary Oldman visitó a Ian Ruhter

DSLR Magazine - Hace 12 horas 12 mins

La faceta como fotógrafo de Gary Oldman es, por supuesto, mucho menos conocida que su dilatada carrera como actor. Sin embargo, el británico se ha declarado en muchas ocasiones un amante de la imagen fija, e incluso ha expuesto su trabajo en varias galerías de todo el mundo.

© Ian Ruhter

Esta pasión por la fotografía fue lo que llevó al actor a visitar al maestro del colodión húmedo sobre vidrio, el fotógrafo Ian Ruhter, que desde hace tres años se encuentra inmerso en la tarea de crear los ambrotipos más grandes del mundo en la mágica tierra de Slab City, en California.

Gary Oldman sujetando un ambrotipo con su imagen © Ian Ruhter

El fotógrafo, que se considera a sí mismo un alquimista de la imagen, quiso llegar aún más lejos, y hace cinco años se embarcó en el ambicioso proyecto Silver and Light. Con el objetivo de crear ambrotipos sobre placas de vidrio de más de un metro de anchura, Ruhter creó una cámara gigante, que montó en una furgoneta con la que ha estado recorriendo Estados Unidos retratando a la gente que encontraba en su viaje en estas enormes fotografías…. Fenton y Avedon deben de estar contentos allá donde estén.

El taller de Ian Ruhter en Slab City © Ian Ruhter

El trabajo de Ian Ruhter despierta nuestra curiosidad por varios motivos. Cansado de la imposición social de la fotografía digital y sus limitaciones creativas, Ruhter, fotógrafo deportivo y de publicidad, comenzó a experimentar con la técnica del ambrotipo. Interesante técnica de mediados del siglo XIX por la cual en un negativo subexpuesto sobre colodión húmedo observado mediante luz transmitida la imagen aparece negativa; con luz reflejada y fondo negro, la imagen aparece positiva.

Esta singular dualidad y su estética asociada ha hecho posible su resurgir en los últimos años, casi como una tendencia entre ciertos sectores, siendo uno de los procedimientos fotográficos “clásicos” más extendidos entre los autores contemporáneos motivados por lo fotoquímico.

© Ian Ruhter

El proyecto de Ruhter llegó a oídos de Gary Oldman que, fascinado por la originalidad de la idea, se acercó al taller del fotógrafo en Slab City, donde pasó 48 horas aprendiendo a revelar ambrotipos, conociendo a los habitantes del lugar y compartiendo con el autor sus experiencias. El actor quedó impresionado por la técnica y reconoce haber encontrado la inspiración en el trabajo de Ruhter “Hay una especie de magia, algo muy hermoso en todo el proceso, me siento como si tuviera de nuevo un propósito creativo” afirma Oldman.

© Ian Ruhter

Del encuentro entre ambos artistas surgió el corto documental The Carnival of the Souls, dirigido por Lauren Vance, una bella narración sobre las horas que pasaron Oldman y Ruhter aprendiendo el uno del otro. El documental resulta inspirador no sólo por lo mágico del proceso creativo de Ruhter, sino por el aire de libertad que desprende. The Carnival of the Souls refleja la visita de Oldman al taller de Ruhter, a la vez que cuenta las historias de los habitantes de Slab City y su peculiar modo de vida en esa comunidad establecida en una base militar abandonada donde no hay normas, quien llega monta su campamento, unos se quedan, otros se van, algunos la consideran un agujero de miseria y decadencia, otros la última tierra libre de América.

La visita de Gary Oldman nos hace redescubrir el trabajo de Ian Ruhter, ese autor dedicado en cuerpo y alma a su proyecto, que se ha convertido en su forma de vida. Ruhter se ha convertido en estos años en un habitante más de Slab City, otro nómada en la ciudad sin leyes, otro loco que quiere vivir su sueño.

Para conocer más sobre el trabajo de Ian Ruhter y sobre su proyecto en Slab City, donde además está filmando un documental que verá la luz a finales de este año, se pueden consultar la web y el blog del autor.

Categorías: Fotografía

‘Coincidence Project’, capturando instantes únicos de la mano del fotógrafo Denis Cherim

Xatakafoto - Hace 13 horas 12 mins

Sin duda estaremos todos de acuerdo en que la fotografía es el arte de capturar el instante. Pero pocas veces se aprecia esto tan bien como en las fotos de Denis Cherim, un artista con un don especial para lograr que varios elementos, en principio ajenos, se alineen en el momento justo para crear una imagen única y original.

Denis Cherim es un profesional que, como muchos, ha encontrado en la fotografía de boda el medio para sobrevivir, aunque paralelamente lleva varios años desarrollando un proyecto personal denominado ‘Coincidence Project’. En él, a través de cuidadosos encuadres, el autor yuxtapone diferentes elementos que interactúan entre sí y componen algo diferente.

A veces jugando con la luz y las sombras, otras con la geometría de las líneas y/o las figuras y siempre contando una historia únicamente a través de las imágenes. Para Denis “cada segundo que vivimos es único e irrepetible, de modo que conservarlo en la medida de los posible es casi necesidad vital”. Así, ”prestando la máxima atención a los detalles que configuran su esencia es posible capturar el momento y convertirlo en un recuerdo imperecedero”.

Es interesante saber que sus fotografías están realizadas en su mayor parte con una Fujifilm X-Pro1 con un objetivo Fujinon XF 35 mm F1.4R, aunque hace unos meses se pasó a una Fujifilm X-T2. De cualquier modo, sin duda sus imágenes son tan originales como sugerentes y, desde luego, dicen mucho de la gran capacidad visual de este artista que nació en Rumanía pero ha vivido (entre otros sitios) en Estambul, Madrid (durante 15 años) y ahora en Londres, por lo que se considera "un poco de todas partes".

Denis Cherim | Página web | Instagram

En Xataka Foto | ‘Géneros y Generaciones #01’, un diálogo en torno al retrato entre Laura Carrascosa y Miguel Trillo

Fotografías de Denis Cherim reproducidas con permiso del autor para este artículo

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Categorías: Fotografía

Sensores de Oscar

DSLR Magazine - Hace 13 horas 13 mins

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, responsable de otorgar cada año los famosos Oscars, anunció a principios de años sus galardones científicos y técnicos que valoran aquellos avances tecnológicos que hacen posible y mejoran día a día la producción cinematográfica.

F65 CineAlta © Sony

Entre estos ganadores, dos están relacionados con sensores de imagen. Por un lado, Sony, por el desarrollo de la cámara F65 CineAlta, por su sensor de alta resolución, con excelente rango dinámico y su salida 4K, según cita textualmente la Academia. Por otro lado, ha recibido el premio RED Digital Cinema, por el diseño pionero de las cámaras digitales RED Epic y su sistema de actualización de sensores, que ha permitido, según la Academia, facilitar la adopción de la captura de imagen digital en la industria del cine.

Epic W con sensor Helium 8K © RED

Justamente, hace pocos días, la compañía DXOMark publicaba un análisis del sensor de imagen Helium S35 8K de la RED, que la situaba en lo más alto del podio con una puntuación de 108, récord absoluto de todas las categorías.

Sensor Helium 8K © RED

Más información de la nota de prensa oficial.

Categorías: Fotografía

Giulio Zanni

Fotógrafos en la red - Hace 14 horas 13 mins

Giulio Zanni es un fotógrafo italiano (nacido en Sassuolo, vive en Skopie, Macedonia) que realiza fotografía de naturaleza y artística, especialmente paisajes naturales y urbanos en larga exposición.

 

© Giulio Zanni

 

 

Biografía

Giulio Zanni comenzó a fotografiar cuando era un niño. Comenzó con la fotografía documental y luego se trasladó a la naturaleza y a la fotografía artística. Hoy en día utiliza la técnica de la larga exposición prolongada sus imágenes de paisajes.

Su trabajo ha sido publicado en libros y revistas y ha ganado numerosos premios en Moscow International Foto Awards (MIFA), PX3 de París, 11º Black & White Spider Awards, Silver Star ND Awards, Tokyo International Foto Awards (TIFA) en 2016, IPA en 2015, …

Su portafolio ha sido seleccionado entre los fotógrafos más inspiradores. Dirige viajes de fotografía y talleres en una de las regiones más bellas de Croacia, Istria, y en las regiones vecinas de Italia y Eslovenia.

 

 

Referencias
Categorías: Fotografía

Timelapse View+, ¿el intervalómetro definitivo para hacer un timelapse?

Xatakafoto - Lun, 16/01/2017 - 16:01

Hace ya tiempo que los timelapses se han convertido en algo muy popular y por ello frecuentemente os ofrecemos los más interesantes que nos vamos encontrando. Claro que, por supuesto, también os damos cuenta siempre que vemos algún dispositivo relacionado con esta disciplina que pueda ayudarnos a obtener un vídeo de este tipo, como el caso del intervalómetro Timelapse View+.

Se trata de un sistema dotado de pantalla de previsualización que ha sido diseñado por una empresa especializada en este campo. Pensado para cambiar el concepto de intervalómetro actual, el View+ no sólo ofrece la posibilidad de realizar tomas a intervalos programados sino que también permite ver el progreso a medida que se realiza (tanto en la pantalla incorporada como a través del smartphone) y tiene un sistema de control por gestos (para interactuar con él durante la grabación sin que sea necesario tocarlo).

Por si esto fuera poco, el sistema ajusta automáticamente la exposición para lograr transiciones de luz perfectas (evitando el trabajo de postproducción) y también permite variar el punto de enfoque sobre la marcha y sin que se note. La empresa también anuncia que es compatible con el software LRTimelapse (especializado en estos menesteres) y, vía Bluetoth, con el sistema robótico Dynamics Perception NMX que permite movimientos automatizados de la cámara.

Compatible en principio con cámaras Canon, Nikon y Sony, su diseño externo parece bastante tosco a juzgar por lo que se ve en el vídeo, pero responde al hecho de que está diseñado para resistir a los elementos (aguanta hasta 40 grados bajo cero) y a que está pensado para ser usado incluso con guantes si hace frío en el lugar de la toma, lo cual sin duda parece una buena idea.

Con estas características no es de extrañar que desde Timelapse+ lo anuncien como el “Santo Grial” de los timelapses, aunque esto es algo que desde luego debemos tomar con cautela. Como muchos otros dispositivos novedosos, el producto fue presentado vía campaña de Kickstarter que se saldó con un gran éxito así que realmente la noticia es que el Timelapse View+ está disponible para su compra por un precio de 399 dólares.

Más información | Timelapse+

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Categorías: Fotografía

Disponible el número 125 de la revista FotoDNG

Caborian - Lun, 16/01/2017 - 13:17

Ya está disponible el número 125 (enero de 2016) de la revista online gratuita Foto DNG. Puede verse directamente en la web o descargarse en PDF.

 

Categorías: Fotografía

‘London Rain’ la lluvia en la City londinense vista a través del objetivo de Joshua Jackson

Xatakafoto - Lun, 16/01/2017 - 12:42

Las calles de Londres, una de las ciudades más cosmopolitas del mundo, son la inspiración de Joshua Jackson, un “artista visual” (según su propia definición) que nos muestra estas imágenes de su proyecto ‘London Rain’ con el que pretende capturar “la belleza y la emoción que se siente cuando se dan condiciones climatológicas extremas en el entorno urbano”.

Un medio ambiente urbano que, según él, está “lleno de historias interesantes” que refleja con su cámara practicando la fotografía de calle, género en el que, el mismo nos confiesa, es relativamente nuevo aunque “ha crecido rápidamente para convertirse en mi género favorito”, inspirándose en grandes como Saul Leiter, William Eggleston y Fred Herzog.

Tomadas con una Fuji X-Pro1 con un objetivo 56 mm f/1.2 (a veces con una Fuji X100S), las fotos de Joshua (que por cierto se pueden adquirir como copias de edición limitada directamente en su web) muestran las calles de Londres y a sus habitantes tratando de protegerse de la climatología adversa. Así, sus imágenes son unas estampas en las que los rostros ausentes dejan protagonismo a la lluvia y los paraguas aportando un cierto halo de misterio a las fotografías.

Joshua Jackson | Página web | Instagram

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Fotografías de Joshua Jackson reproducidas con permiso del autor para este artículo

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Categorías: Fotografía

FED – La “Leica roja” (I)

DSLR Magazine - Lun, 16/01/2017 - 11:00

A cierta distancia parece una Leica II, pero en la mano, el tacto y el acabado son distintos y ciertamente… huele como una cámara soviética. Si habéis estado en un viejo taller donde arreglen no menos viejos tractores y camiones, sabréis de qué hablo. Es una FED, una copia hecha “a conciencia” a partir de una Leica, y tiene detrás una historia apasionante. Además, aparte de utilizable y muy barata, es coleccionable en sí, y algunos ejemplares pueden llegar a ser realmente caros por su rareza. Pero al mismo tiempo, adentrados en ese terreno, supone un auténtico “campo minado” para los no expertos.

Cámara soviética FED, con el objetivo FED Industar 50 mm f/3,5 extendido en posición de uso. © Albedo Media

La historia de esta saga de copias de las primeras Leica telemétricas es cautivadora, y detrás de cada unidad, late un poco del alma del educador Anton Semyonovich Makarenko (1888-1939) y –como os explicaré después– la de algún que otro besprizorniki o joven huérfano, anónimo, rescatado de las miserias y de la delincuencia derivada de la obligada vida en las calles tras la primera revolución Bolchevique de octubre de 1917 y la consecuente guerra civil.

La unidad sobre la que versa este artículo sería una FED Type F1d –según clasificación de Princelle– producida entre 1939 y 1941 (agosto), siendo uno de los modelos más comunes. A imagen y semejanza de la Leica II a la que copia, estamos ante una cámara telemétrica para fotogramas de 24×36 mm sobre película perforada “de cine”, de 35 mm.

Selector de tiempos de obturación, botón de avance de la película y armado del obturador, disparador y palanca de liberación para rebobinado. Igual que una Leica II. © Albedo Media

El obturador de seda engomada ofrece tiempos de obturación de 1/500 s, 1/200 s, 1/100 s, 1/60 s, 1/40 s, 1/20 s y “Z” (o “B”). De hecho, la referencia “Z” es copia directa del alemán, por “Zeit”, o Tiempo (B), tal como figuraba en las cámaras germanas de la época. La selección del valor de tiempo de obturación deseado se realiza levantando el dial y girándolo hasta encastrar en posición. El dial gira durante disparo –cuidado con los dedos– y la selección citada debe hacerse tras el avance de la película y el consiguiente armado sincronizado del obturador.

El dorso de la FED es limpio. La ventanilla de la izquierda corresponde al sistema telemétrico y la de la derecha al propio del encuadre. © Albedo Media

El telémetro es acoplado, con una base física de aproximadamente 38,4 mm, muy próxima a la base real o eficaz, ya que el aumento es bastante grande, merced a que en estas cámaras –incluyendo las Leica II– el enfoque telemétrico se realiza a través de un ocular separado del asignado al encuadre del fotograma, y el sistema óptico de ese ocular ofrece una imagen de tamaño muy próximo al 1x. Por su parte, el ocular para la toma ofrece una imagen pequeña pero limpia y luminosa, si bien no tendremos un encuadre muy preciso, debido a la ausencia de marcos luminosos.

Solo se dispone del encuadre para el objetivo de 50 mm de focal y para el resto hace falta uno externo, accesorio. El objetivo base que corresponde a este modelo de cámara FED es un FED 50 mm f/3,5, con un diafragma de 10 palas –de abertura casi perfectamente redondeada– y ajustes sin clics para f/3,5, f/4,5, f/6,3, f/9, f/12,5 y f/18, con distancia mínima de enfoque de aproximadamente 80 cm –con marca hasta 1 m–. El objetivo –cómo no– es una copia del diseño de 4 lentes en 3 grupos del Leitz Elmar 50 mm f/3,5 de las Leica de época y obedece a la denominación de Industar 50 mm f/3,5. Es de tipo retráctil, algo común en la época, en aras de la mayor compacidad posible para el conjunto cámara-objetivo.

La carga de la película se realiza igual que en las Leica de la época, retirando la tapa inferior tras liberar una palomilla. Las Leica digitales actuales todavía siguen un sistema parecido –arcaico– para acceder a tarjeta y batería. © Albedo Media

En la parte superior, aparte del disparador y el botón de avance de la película/armado del obturador, encontramos la pequeña palanca de desembrague para permitir el rebobinado, el botón extensible para el mismo y la zapata portaaccesorios. La carga de la película se realiza quitando la tapa inferior liberando primero la palomilla correspondiente. Siempre pienso que algo tiene que ver con cabezonería germana –ojo, que hay otros que les superan– el hecho de que en las Leica digitales actuales se siga el mismo poco elegante e ineficiente sistema. Los cuerpos de las FED y de sus “modelos” Leica de época están hechos de un tubo que es prensado para darle forma, y de ahí se deriva la forma de cargar la película, deslizándola por una ranura entre la parte posterior del cuerpo y el plano focal. El acabado general del símil-cuero de las FED recuerda a la “Vulkanite” de las Leica de época, pero –al igual que toda la cámara– con un toque más rudo, más basto.

La FED es lógicamente tan compacta y relativamente ligera como una Leica de la época: sus dimensiones son de 133,5 x 68,3 x 32,3 mm (anchura x altura x profundidad) para el cuerpo, y de 43 mm de fondo con el objetivo estándar retraído y de 63 mm en posición de trabajo. El peso es de 544 g con objetivo.

Alexandr Rodchenko adopta la Leica

Ya es un hecho reconocido que la introducción de la Leica en la feria de primavera de Leipzig (Alemania) de 1925 supuso una revolución en la fotografía, sobre todo en la de reportaje, a mano alzada. Pequeña, ligera y precisa, podía hacer hasta 36 fotogramas –es cierto que de pequeño formato– sin tener que recargar. La primera noticia acerca de la nueva cámara Leica aparece publicada en Rusia en el número de mayo de 1927 de la revista Sovetskoe Foto.

Rodchenko aparece aquí con su flamante Leica I Modell A dotada del Leitz Elmar 50 mm f/3,5. Como curiosidad: el diafragma está ajustado a f/9, un buen valor para el rendimiento de ese objetivo en particular.

En el número de julio de 1928 de la revista “Novy LEF” (“Nueva Izquierda”), Rodchenko que es fotógrafo de staff de la misma, publica un portfolio con la indicación: “fotografías tomadas con la cámara Leica, empleando película para cine”. Ello era atípico, ya que, en esa publicación del grupo Levyi Front Iskutsstva, normalmente no se hacía referencia al equipamiento utilizado para las ilustraciones: resultaba evidente que Rodchenko quería destacar el carácter único de la nueva herramienta fotográfica.

Alexandr Rodchenko

Desde ese momento, Rodchenko se enamora de las posibilidades de la Leica, de la libertad de movimientos y rapidez que ofrece y en cierta forma crea un estilo propio en torno a sus cualidades, con picados, contrapicados y otros ángulos de toma insólitos. También aprende rápidamente a “llenar el encuadre” al máximo, a fin de aprovechar al límite la pequeña superficie de 2,4 x 3,6 cm del fotograma, en un mundo donde los formatos más habituales eran los de 9 x 12 cm y 6 x 9 cm.

Fotografía de portada de Sovetskoe Foto –muy reencuadrada respecto al fotograma original de Rodchenko– Pionera. Alexandr Rodchenko.

Rodchenko publicó habitualmente también en las revistas Sovetskoe Foto y en USSRR in Construction, una revista “tipo LIFE”, generosamente ilustrada, de gran formato. Así pues, fue Rodchenko el que popularizó el concepto de la cámara Leica en la Unión Soviética, pero… pronto se prohibió todo tipo de importación de material en el territorio y las Leica resultaron de inmediato inalcanzables.

Anton Semyonovich Makarenko: el docente y escritor ucraniano

Graduado “Cum Laude” en 1917 en el Instituto para Profesores de Poltava, pasó a ser director de la escuela en Kryukov, siendo públicamente muy proactivo y apasionado en todos los temas relacionados con la educación en la Unión Soviética. Ya en 1920, el “Comisariado de Educación del Pueblo” (Narkompros) le ofrece la oportunidad de crear una colonia para rehabilitar a los “besprizorniki”, antes citados, la Colonia Gorky, ubicada cerca de Karkov, en Ucrania.

Anton Semyonovich Makarenko, educador. Director de la comuna F.E. Dzerzhinnsky en 1936. Fotógrafo desconocido.

En los años que estamos viviendo ahora mismo, no resulta tan difícil imaginar la situación: tras la guerra civil posterior a 1917, millones –afirmativo, millones– de niños y jóvenes malvivían abandonados entre harapos en guetos y campos, recorriendo las ciudades abocados al abuso y a la delincuencia para intentar sobrevivir.

Grupo de “besprizorniki”, jóvenes huérfanos y sin casa, hacia 1920, por motivo de la guerra civil. (Publicado originalmente en “USSR in Construction”)

La tarea encomendada a Makarenko fue crear la colonia piloto para tratar de establecer un modelo para resolver el problema. Para 1926, la Colonia Gorky, de Ucrania, estructurada fundamentalmente en torno a un sistema agrario, acogía a 400 besprizorniki, bajo un sistema mixto de educación secundaria y trabajo manual, que forzosamente había de funcionar bajo un sistema de disciplina, más militar que carcelario o de simple colegio.

Joven “communard” trabajando en una máquina herramienta. Obsérvese que debe hacerlo subido a un cajón, para compensar su estatura, la de un niño. (Revista USSR in Construction, abril de 1934)

A fin de estimular la moral de los jóvenes, se creaba un sistema de competición entre batallones de trabajo, lo que tendía a crear un sentido de comunidad y orgullo por los logros conseguidos. Tras tres años, la Colonia Gorky había demostrado su viabilidad, pero todo éxito trae sus resquemores y las autoridades de Ucrania hicieron la vida imposible con sus críticas a Makarenko hasta provocar su dimisión.

La comuna de trabajo F.E. Dzerzhinsky

Felix Edmundovich Dzerzhinsky que daría nombre a las cámaras FED, no era un funcionario cualquiera, era el fundador –desde 1917– y director de la temible policía secreta soviética o “Cheka”: Comisión Extraordinaria para Toda Rusia para Combatir la Contra-Revolución, el Sabotaje y la Especulación”. Unos angelitos, vamos. Pero Dzerzhinsky era consciente del problema de los besprizorniki y por eso apoyó a fondo una propuesta del Narkompros de mejorar la situación de esos chicos y chicas, y se creó –con Dzerzhinsky como Presidente– la “Comisión para la Mejora de las Condiciones de Vida de los Niños”. Aunque en los años inmediatos a la creación de esa Comisión todo fue a peor, a la muerte de Dzerzhinsky en 1926 se creó en su honor la Comuna de Trabajo F.E. Dzerzhinsky y se puso a su cargo a Anton Semyonovich Makarenko, que en los ocho años siguientes consiguió llevarla a un nivel modelo.

Joven “communard” junto a un torno, en una toma que parece posada. (Revista USSR in Construction, abril de 1934)

La comuna arrancó no solo con unos buenos edificios sino también –algo clave– con el apoyo de la Cheka local. Al principio, se componía de 50 miembros de la antigua Colonia Gorky más 150 chicos y chicas de entre 13 y 17 años y llegó a ocupar hasta 600 personas para el año 1935. El sistema educativo tenía como fin otorgar tanta importancia al aprendizaje académico como el laboral, dividiendo cada día en cuatro turnos, con tan solo uno de ellos dedicado al trabajo laboral. En lugar de la aproximación agricultural de la Gorky, en la comuna FED se abordó la producción de tejidos, producción de calzado, carpintería y cerrajería. Pronto subió la calidad de los productos hasta el punto de poder comercializarse y –sobre todo– mesas y sillas se fabricaban por millares. Los fondos recaudados permitieron a la comuna FED ser no solo autosuficiente, sino además –mucho más importante– pagar sueldos a los chicos, proporcionales a sus habilidades e iniciativa en la cadena de producción. Pronto la colonia dispuso de clubs de teatro y deportivos, banda de música y grupos de Komsomol y Pioneros.

El plan quinquenal de Lenin y Stalin

En 1928 se lanza el primer plan quinquenal, con el objetivo de convertir a la Unión Soviética de un país agrícola –retrasado en ese mismo aspecto– en una nación autárquica, poderosamente industrializada. ¿Y cómo hacerlo de forma rápida y lo más económicamente posible? Muy sencillo: saltándose “a la torera” toda patente internacional y de paso una buena parte de los derechos humanos en la URSS. Sin embargo, no todo fue malo; en lo que nuestra comuna FED concierne, en septiembre de 1930 se elevan los estándares de educación de los chicos y chicas al nivel de acceso a la Universidad, al tiempo que se inicia la construcción de nuevos edificios merced a los propios ingresos generados por la fabricación de muebles y otros objetos de consumo y –todo hay que decirlo– de un préstamo del estado.

Interior de una de las nuevas naves de fabricación. (Revista USSR in Construction, abril de 1934)

Con la activa participación de los communards en todo el proceso de diseño, construcción y fabricación de utillaje, para noviembre de 1931 todas las obras estaban terminadas y todo listo para una gran inauguración en enero de 1932. Para finales de ese año, el número total de communards era de 340 –con edades entre 15 y 20 años– con un técnico adulto especializado –ingenieros, profesores, técnicos, mecánicos, funcionarios, etc.– por cada cuatro communards.

Taladros y maquinaria fina

El primer producto mecánico fabricado –recordemos que en la comuna, hasta ese momento, se trabajaba sobre todo en textil y carpintería– fueron unos estupendos taladros eléctricos, denominados FD-1 –por Felix Dzerzhinsky–; estupendos porque eran una copia calcada de unos austríacos. Posteriormente, en junio de 1932 ya fabricaban dos nuevos modelos, los FD-2 y FD-3, “fusilados” de los Black & Decker norteamericanos.

Los primeros talados eléctricos soviéticos –copia de unos austríacos– fabricados en la comuna F.E. Dzerzhinsky (Revista USSR in Construction, abril de 1934) Leicas Soviéticas

Un poco antes de junio de 1932, “radio macuto” hizo correr una noticia excitante por los pasillos y dormitorios de la comuna F.E. Dzerzhinsky: ¡vamos a fabricar Leicas (sic) soviéticas! Fabricar productos tecnológicos de consumo se consideraba una paso decisivo en la independencia económica de la nación y aunque ya desde 1931 se fabricaban en Leningrado las cámaras folding “Fotokor”, unas –¡cómo no!–copias de las germanas ICA, Alexandr Rodchenko había modernizado la forma de ver la fotografía merced al uso de la Leica y la suerte quedó echada: el 2 de junio de 1932 se tomó la decisión de producir “la Leica soviética” y solo 19 días después, ya se había creado en la comuna F.E. Dzerzhinsky un departamento especial para su desarrollo y producción.

Osip Maksimovich Brik, por Alexandr Rodchenko. ¿Seguiría utilizando Rodchenko sus queridas Leica, o sería “invitado” a usar las nuevas “Leica” soviéticas? Una invitación de la NKVD no resultaba fácil de rechazar…

La publicación oficial del Gobierno, Izvestiya, se hizo eco en su número de noviembre de 1932 de la compleción y presentación de las primeras tres unidades de la Leica soviética, copias exactas de la Leica I A, con su objetivo fijo. Puesto que en la comuna todavía no había departamento óptico, los objetivos fueron suministrados por la entonces “Factoría Experimental para la Asociación de Toda la Unión de la Industria Óptica” (VOOMP) con la colaboración del Instituto Óptico Estatal (GOI).

Bien pensado, a pesar de lo relumbrante de las denominaciones, no debería haberles costado mucho trabajo: bastaba desmontar los Leitz Elmar que copiaban y medir los índices de refracción, curvas, espesores y espaciado de cada una sus cuatro lentes. Como no podía ser menos, en el GOI afirmaron que: …”tras examinar estos objetivos –para las Leica soviéticas– podemos afirmar que son superiores en calidad comparándolos con otros objetivos similares hechos en el extranjero”. Más tarde, en un nuevo artículo, espero poder verter mi opinión al respecto.

Los nuevos edificios de la comuna F.E. Dzerzhinsky (Revista Sovetskoe Foto, enero de 1939)

A pesar de que se partía de copiar un producto ya existente, pasar de fabricar taladros eléctricos a una cámara de aproximadamente 300 piezas, algunas de ellas con tolerancias necesarias del orden de la milésima de milímetro, representaba un reto importante, no ya solo para la comuna F.E. Dzerzhinsky, sino para cualquier otra industria soviética.

La montura de las FED es –lógicamente– compatible con la de rosca Leica o “LTM”. Por lo general los objetivos Leica acoplan en ellas sin grandes tolerancias de enfoque y viceversa. © Albedo Media

Pero una vez lanzado el desafío, no se podía fallar: se inicia la construcción de un nuevo edificio y se llevaba a cabo la planificación para poder producir 30.000 cámaras al año. Se opta por copiar la nueva Leica II, y en el número de abril de la revista USSR in Construction aparece ya por primera vez la flamante nueva FED. Gracias a las nuevas instalaciones y utillaje, los objetivos estándar para la cámara –con el grabado FED 1:3,5 F = 50 m/m– están producidos ya en la propia comuna, y mantendrán ese grabado por casi dos décadas. Esta primera FED mostraba los paneles superior e inferior en laca negra, y el acabado en cuero liso.

Llega la NKVD

En julio de 1934, la temible NKVD –posteriormente KGB– se hace cargo de la administración de la comuna F.E. Dzerzhinsky, aunque con muy buen criterio mantienen en su cargo al gran Makarenko. Los grabados de la placa superior de las FED, cambian para reflejar la nueva situación: Ucrania ya no es independiente y la comuna pasa a ser oficialmente un “KOMBINAT” –un complejo industrial más complejo–. En julio de 1935, tras ocho años de entrega a la F.E. Dzerzhinsky y a los proyectos anteriores, Makarenko es transferido a Kiev, como Director Adjunto para Colonias de Trabajo de la NKVD. Dos años después, se separan las partes docentes de las laborales en la comuna y la parte de la factoría de las FED pasa al control administrativo de la NKVD, separándose de las educativas.

Felix Edmundovich Dzerzhinsky, el fundador de la temible NKVD. Fotógrafo desconocido. (Revista USSR in Construction, abril de 1934)

La NKVD inicia un programa de empresas basadas en los trabajos forzados –virtualmente trabajo de esclavos– pero al parecer la comuna F.E. Dzerzhinsky no entró dentro de ese concepto de explotación: funcionaba demasiado bien, era una institución modelo y no tenía sentido arruinar el trabajo de Makarenko, que en enero de 1937 se retiró a Moscú, siendo muy respetado y apreciado, dedicándose por completo a escribir y a dar conferencias, hasta su muerte el uno de abril de 1939. Los más observadores habrán tomado nota de que Makarenko nació en el mismo año que se creó “The Kodak”, el concepto de cámara y servicio que tanto influyó en el acceso a la fotografía por parte de los aficionados.

En la próxima entrega os hablaré sobre el éxito de las FED y… un último descaro.

Categorías: Fotografía

En busca del misterioso autor de ‘Las fotos perdidas de Barcelona’, ¿Un caso Vivian Maier a la española?

Xatakafoto - Lun, 16/01/2017 - 10:44

A principios del Siglo XXI un norteamericano de visita por Europa compró en un mercadillo de Barcelona un sobre con negativos fotográficos de los que, tras positivar, consiguió unas fotos magníficas. Ahora, más de 15 años después, trata de localizar al autor de aquellas fotografías anónimas gracias a las redes sociales.

En 2001 compré unos sobres llenos de negativos en un mercadillo en Barcelona. Cuando regresé a EEUU descubrí que son fotos creadas por un fotógrafo muy talentoso. ¿Me puedes ayudar a identificar las personas en las fotos y el nombre del fotógrafo?” Así presenta la historia Tom Sponheim, el coprotagonista de este misterio, en la página de Facebook que ha creado tratando de localizar al autor de las fotos.

Según cuentan en El Periódico, los negativos fueron comprados en el antiguo mercado de los Encants por la módica cantidad de tres euros y medio (un euro más de lo que pedía el vendedor), una cantidad sin duda ridícula teniendo en cuenta la calidad de las fotos.

A la vuelta a su casa, Sponheim sacó copias de los negativos y descubrió que eran unas fotos más que interesantes, empezando por la foto de dos ancianas que charlan en un banco observadas por una jovencita que pasa por su espalda. Por ello, enmarcó varias de las fotos para adornar su casa y desde entonces las fotos fueron la admiración de todas las visitas picando la curiosidad del comprador que ahora ha decidido tratar de localizar al artista que hizo las fotos.

Las fotografías reflejan escenas cotidianas de la Barcelona de los 50 y, a tenor de lo que vosotros mismos podéis ver, sin duda están hechas por alguien con un buen dominio de la técnica y una mirada de artista. Un caso que nos recuerda inevitablemente a Vivian Meier, la fotógrafa que nunca ejerció como tal y cuyas fotos son ahora admiradas internacionalmente. Así que esperamos que haya suerte y el misterio se desvele.

Más información | Las Fotos Perdidas de Barcelona

En Xataka Foto | ‘The Golden Decade’, el libro que recoge la herencia de la escuela fundada por Anselm Adams

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La noticia En busca del misterioso autor de ‘Las fotos perdidas de Barcelona’, ¿Un caso Vivian Maier a la española? fue publicada originalmente en Xataka Foto por Óscar Condés .

Categorías: Fotografía

Bill Bernstein y la Nueva York de la música disco

DSLR Magazine - Lun, 16/01/2017 - 10:00

La primera vez que el fotógrafo neoyorquino Bill Bernstein se acercó al mítico club Studio 54 no tenía intención de capturar en imágenes a las grandes estrellas que por allí acechaban. Las salas en las que la cocaína era abundante, la música disco reinaba en los altavoces y la libertad sexual empezaba a florecer eran, además de un lugar de encuentro entre los artistas de la época, un lugar en el que los jóvenes competían para hacerse con el trono de reyes y reinas del baile.

Un cartel con un jovencísimo Robin Williams es testigo del dominio de los platos del DJ en Studio 54 © Bill Bernstein

Pero cuando entró en aquel club, al que había ido para fotografiar un evento que organizaba la madre del entonces presidente de los EEUU Jimmy Carter, se dio cuenta de que lo más importante que allí acontecía no era la fiesta de Lillian Carter, sino el auge de una forma de vida que marcaría el final de la década de los 70 y los primeros años de los 80 en EEUU; la música disco. Bernstein, que nunca había pisado un club de estas características, se vio tan conmovido por lo que presenciaba que decidió emprender un proyecto de tres años en el que retrataría la vida nocturna de la mítica sala neoyorquina.

Las performances de los bailarines que allí se congregaban tenían un alto contenido erótico © Bill Bernstein

En una época en la que Nueva York sufría los actos vandálicos de bandas callejeras –los espectadores de The Get Down se acordarán– Bernstein supo retratar la vida nocturna de la ciudad. Cuando la música disco alcanzó sus cotas más altas, casi todo era felicidad en la Gran Manzana. Pero la situación empezó a volverse convulsa con el crecimiento de los casos de sida, los incendios que plagaban la ciudad y el declive de la música disco poco después en detrimento de nuevas corrientes culturales tales como el hip hop o el punk rock.

Los tabúes sexuales como la homosexualidad empezaban a desaparecer en la Nueva York de finales de los 70 © Bill Bernstein

Aun así, las imágenes de Bernstein destilan honorabilidad y sencillez, y nos permitirán conocer más de cerca lo que históricamente fue uno de los momentos culturales más ricos –musicalmente hablando– del siglo XX. Podemos ver los trabajos completos en la página web oficial de Bill Bernstein.

Categorías: Fotografía

¿Será Huawei el próximo líder en smartphones fotográficos?

DSLR Magazine - Lun, 16/01/2017 - 09:00

Según los recientes datos publicados, el gigante chino Huawei es el nuevo líder en smartphones en nuestro país, con una cuota de mercado del 18,9 %, frente al 18,8 % de su inmediato competidor y hasta ahora “número 1” indiscutible, la multinacional coreana Samsung.

Cuota de mercado de marcas de smartphones en España © Kantar

A pesar de esa pequeña diferencia del 0,1 %, es significativo que Huawei arrebate la primera posición a Samsung, que hasta el momento era la marca más conocida en el sector, con permiso de Apple, que según las últimas cifras volvería a la tercera posición con una cuota del mercado del 13%, en detrimento de BQ, que baja tres puntos para mantenerse en el 10%; el último de los grandes sería LG, que con una cuota del 9% cerraría esta lista de los cinco principales compañías en cuanto a ventas de smartphones en nuestro país se refiere –que, a su vez, es uno de los cinco grandes mercados de Europa, junto con Reino Unido, Alemania, Francia e Italia–.

El Huawei P9 Lite es uno de los teléfonos más vendidos en nuestro país © Huawei

Según el informe publicado por la consultora Kantar, uno de los teléfonos más vendidos sería el Huawei P9 Lite, hermano pequeño del Huawei P9. Este último, presentado a principios del año pasado, fue uno de los grandes hitos de la marca china, gracias a su cámara dual firmada por Leica, que produjo un significativo ruido mediático. En efecto, Huawei ha apostado fuerte por las cámara duales con su colaboración con la firma alemana, y a pesar de que sus teléfonos más vendidos sean aquellos más asequibles y sin cámara dual, parece evidente que la estrategia de la compañía está dando sus frutos, que en el último año ha pasado a situarse al mismo nivel de Samsung partiendo de una cuota de mercado dos veces inferior.

El Huawei P9 y su doble óptica firmada por Leica © Huawei

Por otro lado, según los últimos rumores, la multinacional china prevé lanzar al mercado el remplazo de su P9 durante los próximos meses –¿quizá para el MWC 2017?–. El supuesto Huawei P10 dispondría de una versión mejorada de la cámara dual firmada por Leica, con una abertura máxima de f/1,7 –contra f/2,2 del actual P9–, además de otras mejoras –chipset Kirin 960 como el último Mate 9–. ¿Será Huawei el próximo líder en smartphones fotográficos?

Fuente: Kantar y DailyTech

Categorías: Fotografía

Un Método Efectivo para Revelar en Blanco y Negro con Lightroom

DZoom - Lun, 16/01/2017 - 08:00

Han pasado muchos años desde que se inventó la fotografía a color y esto no ha evitado que hoy en día todavía exista una predilección por la fotografía en blanco y negro. De hecho, hay fotógrafos que no trabajan nunca en color. Y es que la fotografía en blanco y negro permite mostrar aspectos que, cuando el color está presente, pasan desapercibidos o no tienen la misma fuerza.

Pero no voy a hablar de lo que significa fotografiar en blanco y negro y de lo que podemos conseguir. En el artículo de hoy voy a tratar de mostrar cómo podemos utilizar Lightroom para convertir nuestras fotografías en verdaderas fotografías en blanco y negro, exprimiendo nuestro archivo RAW. Pero además, veremos cómo una fotografía en blanco y negro puede ser interpretada por el autor para conseguir transmitir el mensaje que estábamos buscando a la hora de disparar.

Lo primero que hay que saber es que el proceso de interpretar una fotografía se ha hecho desde el principio de la fotografía. A pesar de realizar el revelado químico, el tratamiento por zonas era algo muy utilizado y que servía para aclarar u oscurecer zonas, con el fin de conseguir un mayor contraste en el resultado final.

En este enlace se pueden ver más ejemplos de los procesados que realizaba la agencia Magnum con sus fotografías.

Hoy en día, gracias a los programas como Lightroom, realizar este proceso es mucho más rápido, y no sólo eso, sino que nos permite realizar múltiples versiones en muy poco tiempo.

@media only screen and (max-width: 760px) { .dzsense { display:none; } .dzsense-responsive { display:block !important; font-style:italic; } } Si eres de los que prefieres aprender viendo vídeos que leyendo... videotutoriales de fotografía en la Zona PREMIUM de dzoomLa Conversión

Fotografía una vez se ha realizado todo el procesado de revelado, en este caso, por zonas.

Lo primero que necesitamos saber es cómo convertir la fotografía a blanco y negro. En un primer lugar, cuando queremos ver la fotografía seleccionada en blanco y negro podemos pulsar el atajo de teclado V. Esto sirve para conmutar entre color y blanco y negro de un vistazo y ver si la fotografía tiene potencial en el caso de tener dudas.

Pulsamos sobre Blanco y negro y realizamos la conversión simple a escala de grises.

Lo cierto es que, es interesante tratar de hacer la fotografía pensando en que ésta acabará siendo revelada en blanco y negro. De manera que no nos fijaremos tanto en el contraste de colores, sino más bien en el contraste tonal, las formas, siluetas y ver si la fotografía tiene potencial.

A veces una fotografía a color no nos gusta y la convertimos a blanco y negro para ver si mejora. Lo cierto es que a veces puede mejorar, pero una mala fotografía a color no se convierte en una buena fotografía por el hecho de convertirla a blanco y negro.

Fotografía aplicando la conversión a blanco y negro pulsando la tecla V. Las conversiones a blanco y negro normalmente tienen falta de contraste, es decir, en esta fotografía no tenemos prácticamente negro ni blanco y los tonos medios apenas existen.

Otra manera de hacer la conversión es desaturar la foto con el comando Saturación, pero no lo considero una conversión pura y dura. Lightroom, además, dispone de una serie de Ajustes preestablecidos para convertir en blanco y negro. Podemos elegir uno que nos guste y modificarlo a nuestra medida.

Interpretar el negativo digital

Esta fotografía tiene tonos desde el blanco hasta el negro, y la riqueza de tonos permite apreciar la textura y el volumen de las nubes. Durante la toma de la fotografía, se utilizó un filtro degradado para oscurecer las nubes aún más de lo que ya eran, viendo que en el horizonte había mucha más luz y los molinos creaban un contraluz, destacando la silueta.

Llega el momento clave, que es cuando tenemos que dar forma a nuestro negativo digital, es decir, el RAW. Al eliminar los colores solo tenemos una gama de tonos de gris en nuestra fotografía. Esto, en un principio nos limita, sin embargo tenemos que aprender a exprimir los tonos de gris.

Para ello nos fijamos en el histograma. Al convertir la fotografía a blanco y negro (tecla V) el histograma aparece únicamente en un color gris. Lo que tenemos que hacer es darle forma.

Salvo excepciones, una buena fotografía en blanco y negro tiene un histograma que va del blanco puro al negro. Esto significa que hemos estirado al máximo el histograma y que tenemos variedad de tonos. La forma que tenga el histograma, en un principio no depende de nosotros, pero para eso vamos a interpretarla a nuestro gusto.

Un histograma con forma de campana de Gauss, es decir, una montañita justo en el centro sería lo ideal y tendría mucha información. También tiene mucha información un histograma con forma rectangular.

Utilizaremos el control Exposición para desplazar el histograma a un lado o a otro. Si queremos ajustar los extremos usaremos el control Negros para la parte izquierda, y el control Blancos para la parte derecha. También será necesario utilizar las Altas luces para rebajar los tonos claros en el caso de tener una fotografía muy clara.

Para saber si nos hemos pasado están los avisos de recorte en sombras y de iluminaciones.

En este caso, el histograma no llega a los extremos. Si un tono se quema, es decir, llega al blanco puro, se activará el triángulo de la derecha.

Después viene la hora de dar forma la histograma, tratando que no se acumule en ningún extremo. Estoy hablando en términos generales, ya que una fotografía de nieve o con mucha niebla estará desplazado en la parte derecha debido a la cantidad de tonos claros que hay.

A pesar de la cantidad de tonos claros, el histograma llega casi al extremo izquierdo de las sombras, lo que significa que en la fotografía tengo variedad tonal, que corresponde sobre todo al árbol.

Si tenemos el histograma acumulado en el centro, una manera de extenderlo sería aplicando contraste. El Contraste estira por los extremos, haciendo los tonos claros más claros y los oscuros más oscuros. Algo parecido sucede con la Claridad, pero con los tonos grises medios.

Pero quizás, el control que más me gusta para tener un control sobre ciertos tonos es el panel Mezcla de blanco y negro, donde nos aparece una serie de deslizadores de colores. Esto nos permite aclarar u oscurecer cada color de manera independiente. De ahí la importancia de no utilizar filtros de colores al tomar la fotografía. Antes de la era digital se utilizamos los filtros de colores para oscurecer o aclarar los colores complementarios. Por ejemplo, si utilizamos un filtro rojo conseguimos oscurecer el cielo azul. El problema viene a la hora de procesar la fotografía, puesto que ya no podremos interactuar sobre cada color de manera independiente, puesto que la fotografía sería completamente roja.

En ocasiones tenemos dos colores que se diferencian, pero que en blanco y negro prácticamente son iguales. Yo suelo utilizar los controles por colores para tratar de aclarar uno y oscurecer otro. Por ejemplo, si tengo una piedra sobre una zona verde, el gris y el verde se confundirán, de ahí que oscurezca el verde para que la roca resalte por ser más claro.

Debemos ajustar bien la temperatura y el matiz para poder alterar cada color de manera independiente. Podemos enfriar o calentar los tonos de la fotografía para después alterar los colores que queremos a través del panel de HSL / Color /Blanco y negro.

Fotografía tomada con el filtro LEE Big Stopper que da una dominante azul y viñeteo acusado. Si alteramos el color azul afecta a casi toda la fotografía.

Esto es muy útil cuando utilizamos filtros de densidad neutra o degradados, los cuales suelen aportar una dominante de color a la fotografía. El filtro Big Stopper de LEE resta 10 pasos de luminosidad y tiene una dominante azul verdosa muy marcada. Si modifico el control de azules y aguamarina afectaré a toda la fotografía. Si ajusto la temperatura y el matiz podré alterar cada color de forma independiente.

Una vez hemos corregido la temperatura y el matiz vemos el color azul del cielo, el amarillo y naranja de las nubes y el verde del agua. Con los mismos ajustes en el panel Mezcla de blanco y negro, en el que hemos oscurecido un poco el azul, vemos que la primera es más oscura que la segunda.

La curva de tonos

La curva de tonos sirve para crear contraste, creando una forma en S o reducirlo si invertimos las posiciones. Pero también sirve para modificar un tono concreto.

La curva tiene dos modos con el que interactuar. El primero sería a través de unos deslizadores que afectan a las Altas luces, los tonos claros, los tonos oscuros y las sombras. Al principio puede ser recomendable utilizar éste método.

Sin embargo, una vez se entiende su funcionamiento podemos alterar la gráfica a nuestro gusto. Para ello hay que pulsar un cuadrado que hay abajo a la derecha que sirve para editar el punto de la curva. Al activar este modo, si pulsamos sobre cualquier punto de la gráfica nos crea un punto de anclaje que podemos arrastrar.

La gráfica representa los tonos, desde el blanco, arriba a la derecha, hasta el negro, abajo a la izquierda. El gris lo tendríamos justo en el centro. Pinchando y arrastrando alteramos dicho tono y los que le rodean.

El círculo sobre la imagen representa la zona donde hemos situado el puntero del ratón sobre la fotografía. El tono de gris de este píxel se representa en la gráfica de curvas. Para activar esta opción pulsaremos el botón que hay en la parte superior izquierda del panel. Una vez pinchamos sobre la fotografía, podemos arrastrar hacia arriba o hacia abajo para aclarar u oscurecer respectivamente.

Otra forma de alterar un tono es pulsando un botón circular que hay en la esquina superior izquierda y situarnos sobre la fotografía. Conforme nos movemos el puntero del ratón nos indica, sobre la gráfica, qué tono se vería afectado si pulsamos sobre él y arrastráramos hacia arriba o hacia abajo.

Por último, un aspecto muy interesante relacionado con la curva de tonos es el de alterar el punto negro y el punto blanco de la fotografía. Cuando activamos el modo editar el punto de curva aparecen dos puntos por defecto, uno en cada esquina.

Si alteramos, por ejemplo, el punto que hay en la parte inferior izquierda estaremos modificando el punto negro de la fotografía. Si lo subimos, el tono más oscuro de la fotografía dejará de ser negro puro para convertirse en un gris oscuro. Si lo desplazamos hacia la derecha estaremos convirtiendo tonos oscuros es negro puro. Lo mismo sucede con el punto superior derecha, que corresponde con el blanco de la fotografía.

Suele ser habitual ver fotografías que parece que no tengan un negro puro, sino más bien un gris oscuro, y la verdad es que no queda nada mal, aunque no siempre funciona. Hay que pensar que estamos reduciendo el rango de tonos oscuros. Si tenemos una gama rica en tonos oscuros no recomiendo hacerlo. Sin embargo, en casos donde las sombras son muy espesas puede ayudar.

Así como modificar el punto negro puede dar buenos resultados, el alterar el punto blanco es más complicado. Por lo pronto, eliminar el punto blanco de una fotografía desplazando el punto hacia abajo yo no lo he hecho nunca. De hecho, no recuerdo haber visto ninguna fotografía que tuviera un aspecto similar. Sin embargo, al desplazarlo hacia la izquierda estamos convirtiendo tonos claros en tonos grises, lo cual desplaza el histograma hacia el centro, consiguiendo una mayor gama tonal.

Tratamiento por zonas

Para esta fotografía se ha utilizado el pincel de ajuste para oscurecer el cielo, y aclarar, tanto el camino como los molinos. Conseguimos enfatizar el camino. Para ver qué zona se ve afectada por cada punto podemos pulsar la tecla O mostrando la máscara en rojo.

Hasta ahora hemos alterado la fotografía de manera global, y sobre ciertos tonos a través de la curva de tonos o por colores, pero podemos modificar la imagen también por zonas utilizando las herramientas avanzadas, como son los filtros graduados, el filtro radial o el pincel de ajuste.

Aquí es donde verdaderamente tenemos control sobre la fotografía y podemos conseguir que el espectador realice un recorrido visual a nuestro gusto, remarcar o dar énfasis a una zona de la fotografía, o terminar de dar forma al histograma para conseguir una riqueza tonal aún mayor.

Vemos la fotografía antes de aplicar el pincel de ajuste.

Por ejemplo, si tenemos un cielo muy claro, podemos hacer los ajustes para el resto de la fotografía teniendo en cuenta que después vamos a aplicar un filtro graduado al cielo para restarle luminosidad. Esto compensará los tonos claros convirtiéndolos en tonos grises medios y centrará el histograma.

También podemos aplicar un filtro radial sobre una zona para oscurecer o aclarar. Si lo aclaramos conseguimos que resalte sobre el resto de elementos.

El pincel de ajuste puede venir bien para ajustar ciertas zonas. Al poder cambiar el tamaño del pincel y el flujo podemos realizar ajustes muy precisos. Viene muy bien para destacar ciertos trazos o zonas delimitadas para establecer un recorrido visual.

Ajustes finales

Vemos la misma fotografía que antes pero sin aplicar el viñeteo. La imagen es más clara.

Por último, tenemos un par de ajustes muy relacionados con la fotografía en blanco y negro como son el viñeteo y el ruido.

Para quien no lo sepa, el viñeteo es ese efecto que oscurece las esquinas de la fotografía. Si alguna vez has leído un análisis técnico de un objetivo habrás visto que suele haber un apartado sobre el viñeteo, y es que los objetivos suelen  viñetear a plena apertura. Esto es un aspecto a tener en cuenta a la hora de comprar un objetivo, puesto que hay objetivos que viñetean más que otros. Es recomendable que no viñetee.

Sin embargo, en blanco y negro a veces se suele añadir un efecto de viñeteo. Resulta curioso que no queramos que nuestro objetivo viñetee y después lo añadamos en el procesado, pero es que es más fácil añadir que quitar.

El viñeteo se utiliza cuando tenemos nuestro sujeto o centro de atención en la parte central de la fotografía. Si oscurecemos las esquinas, la parte central tenderá a ser más clara, por lo que el espectador se mete de lleno en la fotografía y centramos su mirada donde nosotros queremos.

Además está el ruido, o grano que caracterizaba al blanco y negro en la era de la fotografía química. De hecho, cada tipo de película tenía un grano distinto y los fotógrafos utilizaban uno u otro. Hoy en día, gracias a la era digital tenemos a nuestra disposición un control sobre el ruido muy grande, pudiendo reproducir el mismo efecto que cuando se utilizaba la película.

Al aplicar ruido a las fotografías conseguimos transmitir cierta sensación de antigüedad, le da carisma, autenticidad. Hoy en día, con la calidad que tienen nuestras cámaras y los objetivos, conseguimos una definición y nitidez que aplicando un poco de ruido eliminamos en parte. Esto es aplicable a cierto tipo de fotografías y también es cuestión de gustos, obviamente.

Los ajustes o presets de usuario

Algunos de mis ajustes para blanco y negro. De uno a otro hay pocas variaciones, como puede ser con o sin viñeteo, modificando el punto negro o el ruido.

Está claro que cada fotografía es diferente y no podemos aplicar los mismos ajustes a todas, sobre todo los ajustes por zonas. Pero es cierto que cada persona tiene unos gustos y suele realizar ciertos ajustes de manera repetitiva. Es ahí cuando recomiendo crear un ajuste de usuario. Los ajustes de usuario son unos ajustes que ha establecido el usuario y que puede aplicar a las fotografías que desee, incluso a la hora de importar los archivos.

Por ejemplo, yo dispongo de varios ajustes para conversión a blanco y negro que aplico en la importación y que después ajusto en función de la fotografía. Pero la base es la misma en cada una, por ejemplo, la claridad o el contraste, la curva de tonos, el punto negro, el ruido o incluso el viñeteo. Todos estos ajustes los suelo aplicar de la misma manera, salvo excepciones a mis fotografías en blanco y negro. En cierta manera, lo que caracteriza a un fotógrafo es su manera de mirar y su manera de procesar las fotografías.

Para finalizar me gustaría comentar aquellos casos en los que el fotógrafo duda a la hora de elegir una misma fotografía entre su versión a color o la versión en blanco y negro. Mi consejo es que si el color no aporta nada entonces selecciones la versión en blanco y negro. Puede parecer obvio, o incluso una tontería, pero la próxima vez que dudéis haceros esta simple pregunta: ¿el color aporta algo a la fotografía? si es que sí entonces mantener la versión en color.

Sergio Arias Ramón, fotógrafo profesional especializado en viajes y naturaleza. Formación autodidacta centrado en la composición. Apasionado del blanco y negro donde encuentra su visión más personal. Puedes seguir sus trabajos en sergioariasfotografia.es y en facebook, twitter o instagram.Enlaces Relacionados
Categorías: Fotografía

Julie Glassberg

Fotógrafos en la red - Lun, 16/01/2017 - 08:00

Julie Glassberg es una fotógrafa francesa (nacida en París en 1984) cuyos intereses se basan principalmente en documentar la diversidad de culturas del mundo: subculturas, escenas underground, así como a los inadaptados de la sociedad.

 

© Julie Glassberg

 

 

Biografía

Julie Glassberg nació y creció en París. Después de estudiar diseño gráfico durante cuatro años, decidió hacer de su pasión por la fotografía su vida. La fotografía es como un pasaporte para entrar en mundos que ella nunca sería capaz de ver de otra manera. Simplemente es una manera de aprender sobre la vida de las personas que conoce, dondequiera que vivan ...

Pasó cerca de 7 años en Nueva York, donde trabajó para medios editoriales y en trabajos personales. Durante más de 3 años, estuvo siguiendo y fotografiando al Black Label Bike Club, el primer "club de ciclistas fuera de la ley, que fue creado en 1992 en Minneapolis, Minnesota, y ahora tiene grupos a nivel de todo EEUU. Es interesante ver esta cultura destructiva y rebelde girando alrededor de un objeto tan poco agresivo como la bicicleta y viviendo el momento, al lado de una sociedad libre de riesgo que anhela seguridad.

Después vivió en Tokio durante un año, donde conoció a artistas locales y experimentó con fotografía y colaboraciones. Actualmente, tiene su sede en Shanghái, donde es una artista residente en el Swatch Art Peace Hotel.

Su trabajo ha aparecido en publicaciones como The New York Times, Le Monde, The International NYT, WSJ, Stern View, Polka, revistas de ESPN, The New York Times, Neon, L'Equipe, entre otros.

Ha sido galardonada con becas Lucie Becker Emerging, Getty Images para Fotografía Editorial, y premios Excelencia POYi, Young Gun del Art Directors Club y más recientemente un premio IPA, así como el 1 premio para retratos de personalidades en los premios Internacional Foto de Moscú.

 

 

Referencias

 

 

Libros
  • Bike Kill, 2016.
Categorías: Fotografía

Nacha Pop, los premios Lux, abusos sexuales y más: Galaxia Xataka Foto

Xatakafoto - Dom, 15/01/2017 - 11:01

Un domingo por la tarde en el sillón, con la manta hasta las orejas y algo calentito en una taza ¿se os ocurre un plan mejor para pasar esta ola de frío?, pues os proponemos nuestro habitual repaso semanal a la actualidad fotográfica para acompañaros, aquí llega el Galaxia Xataka Foto.

Nacha Pop fue un referente musical para un determinado grupo de gente en la década de los 80. Antonio Vega y Nacho García Vega, Carlos Brooking y Ñete fueron los responsables de los éxitos del grupo en esa década. El País nos presenta el libro de Sandra Bensadón con las imágenes que tomó del grupo entre 1977 y 2008.

Los premios Lux tuvieron un hueco en el Telediario de La 1 donde pudimos ver las imágenes ganadoras del último certamen.

20 minutos se hizo eco ayer mismo de una espeluznante noticia en la que un fotógrafo donostiarra ha sido acusado de haber abusado sexualmente de algunas modelos así como de haber producido y distribuido pornografía infantil.

Fotógrafo digital nos trae un interesante artículo sobre una revista británica enfocada a la fotografía profesional llamada Master Photography que edita la Master Photographers Association.

Y para terminar os dejamos con el buen sabor noticia que dejan las buenas noticias. El fotógrafo mexicano Rodrigo Prieto ha sido nominado por su trabajo en la cinta “Silence”, de Martin Scorsese, y es un candidato a alzarse con uno de los premios de la Sociedad Americana de Cinematógrafos (ASC), que es la antesala de los Óscar. Nos lo ha contado El Informador.

Hasta aquí este calentito y arropado Galaxia Foto de hoy, recordad que, como siempre, podéis enviarnos vuestras pistas y sugerencias para la semana que viene. Muchas gracias y disfrutad del domingo.

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Categorías: Fotografía

Vicente Martinez Sanz

Fotógrafos en la red - Dom, 15/01/2017 - 08:00

Vicente Martinez Sanz fue un fotógrafo español (nacido en Valencia en 1874 y fallecido en 1947) que comenzó como pintor y fue uno de los primeros fotógrafos valencianos, transitando su estilo entre el pictorialismo y las vanguardias de los años 30. Su obra se caracterizó por la calidad en el acabado final, y su gran espíritu de investigación tanto en los procedimientos pigmentarios como de los fotomontajes y puesta en escena.

 

Fotomontaje de ángel levitando, 1913. Foto de Vicente Martinez Sanz

 

 

 

Biografía

Vicente Martinez Sanz fue hijo póstumo de un industrial valenciano, abatido a tiros por designio de la mafia industrial valenciana. Su padre que temía por su vida, había aconsejado  a su mujer que si le pasara algo a él, se casara con el encargado de la fábrica y así lo hizo, asegurando a la familia una posición económica muy holgada. Su infancia trascurrió relacionada con la fábrica paterna, una industria de vidrio, donde su tratamiento artesanal y casi mágico, resultaría importante para su desarrollo artístico más tarde.

Estudió Bellas artes en la Escuela de San Carlos de Valencia y fue discípulo del pintor Joaquín Agrasot, quien influyó notablemente en su obra. Al casarse joven y muy enamorado, su esposa Mercedes Cros, con los pies en la tierra, le encauzó a relegar la pintura a un segundo plano y a ayudarle en la gestión de un comercio de vidrio y porcelana que les fue muy bien económicamente.

Fallecida ésta en 1916, liquidó el negocio y abrió un estudio de fotografía en un apartamento que tenía. Su actividad fotográfica se había ya iniciado con 26 años, realizando retratos familiares, pero ahora se dedicaría en cuerpo y alma a esta actividad, participando en salones nacionales e internacionales de tendencia pictorialista y en la fundación del Foto Club Valencia, del que sería presidente.

En su estudio realizó retratos y, sin salir de Valencia, estuvo en contacto con los movimientos artísticos del periodo de entreguerras. Utilizó gran variedad de procesos fotográficos basados en procedimientos pigmentarios (gomas bicromatadas, carbones, papel Fresson, bromóleos, resinotipias... ) y fue el primero en utilizar en España el color, mediante la descomposición de los tres colores fundamentales impregnados en granos de almidón.

En 1910 obtuvo la medalla de Plata en la Exposición Nacional de Valencia. Posteriormente, entre 1927 y 1932 participó con éxito en los salones internacionales de Paris, Milán, Viena, Polonia, Inglaterra, California, etc., destacando el premio obtenido en el Salón de Cannes de 1932 tanto en la sección tintas grasas, como en la sección procedimiento al carbón (premio de honor).

De mente abierta y liberal, educó a sus 5 hijos en un espíritu de salud física y mental, haciéndoles frecuentar gimnasios. Terminada la Guerra Civil Española, viviendo en un mundo que le era ajeno, dejó su trabajo, y fotografió solamente a su familia. Murió en 1947 sin ningún reflejo informativo, y después de haber gozado de estimación universal pasó al olvido.

Una de sus nietas, María Antonia, guardó su colección de unas 500 obras, y enmarcó  algunas para decoración de su hogar. El enmarcador comentó a Josep Vicent Monzó y José Benlloch la calidad de las obras y éstos fueron a ver la obra conservada y sensibilizaron a las autoridades culturales locales para ponerla en valor. En 1985, durante las ii Jornades Fotogràfiques a València, se organizó en su honor la exposición retrospectiva Vicente Martínez Sanz, 1894-1945, y posteriormente algunas obras han sido exhibidas en exposiciones en grupo.

Su obra forma parte de los fondos fotográficos del Foto Club Valencia, la Universidad de Navarra en Pamplona y en la colección del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM).

 

 

Referencias

 

 

Libros
Categorías: Fotografía

Tres propuestas de Adobe que no tardarán en llegar y que prometen un futuro divertido

Xatakafoto - Sáb, 14/01/2017 - 10:01

La actividad de Adobe durante los últimos días en su canal de Youtube revela algunos detalles de los proyectos en los que está trabajando y que verán la luz en un futuro (esperamos) no muy lejano.

Se trata de tres proyectos que prometen diversión y una nueva forma de trabajar que pueden ahorrar mucho trabajo si no se quedan en simples propuestas de ocio.

Un pinta caras prometedor

Se trata de una aplicación que nos permitirá pintar sobre la imagen de una persona, después mezcla la pintura con la imagen teniendo en cuenta la iluminación para dotarla de mayor realismo.

Podremos mover ligeramente la cara y el programa reinterpretará lo que dibujemos para que las figuras se adapten a la forma del rostro.

El asistente de voz de Adobe

Ya son bastante familiares entre el público en general los asistentes de voz como Siri o Cortana, se sabe que Google está mejorando el suyo y que Samsung piensa implementarlo en el próximo S8.

Así que no es de extrañar que Adobe nos proponga una nueva manera de trabajar con nuestras fotos, de momento el vídeo no nos muestra espectaculares opciones, pero este puede ser el comienzo de una serie de novedades muy prometedoras.

Escultura 3D

Photoshop ya lleva tiempo ofreciendo la posibilidad de crear objetos en 3D, pero si no era muy popular seguramente esta herramienta le dará el empujón que necesitaba.

Se trata de una herramienta de escultura interactiva para Photoshop, que permite a un artista o a un diseñador utilizar herramientas familiares de Photoshop para esculpir objetos 3D.

Aún no sabemos cuando podremos ver si todo será tan fácil y funcionará tan bien como se muestra en los vídeos, pero estaremos pendientes.

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Categorías: Fotografía

'Fred Herzog. Modern Color', el primer monográfico para reivindicar a un pionero de la fotografía a color

Xatakafoto - Sáb, 14/01/2017 - 10:01

Fred Herzog, fotógrafo alemán afincado en Canadá, es conocido entre los fotógrafos de calle o urbanos. Fue un gran artista que realizó una fotografía sencilla, directa, con un gran juego de luces y sombras pero que sorprendía por su extraordinario uso del color. Es más, fue uno de los pioneros. Un osado. Pero sí que es cierto que no es tan conocido por el público general y que no ha gozado de un suficiente reconocimiento.

Recientemente, la prestigiosa editorial Hatje Cantz ha publicado un completo monográfico que sirve para reivindicar la figura de este fotógrafo discreto que tan bien fotografía Vancouver a color. En una época en la que todo el mundo usaba película monocromática y el color no gozaba de prestigio. Herzog lo utilizó durante gran parte de su obra. Para mostrar detalles, para resaltar sus escenas cotidianas, con maestría. Sin caer en el exceso, en la abundancia. Por eso merece reivindicarse, porque no se dejó llevar por lo fácil y sin referencias, realizó un trabajo excelente.

Un fotógrafo urbano con gran coherencia estética Fred Herzog. Ferry Barber Shop, 1959

En su línea podemos citar a Saul Leiter, otro fotógrafo con el que podemos trazar una similitud. Nunca obtuvo reconocimiento en vida y también acogió la fotografía a color cuando nadie le prestaba la suficiente atención.

Herzog realizó una obra de gran coherencia, con fotografías muy persuasivas e innovadoras, como resalta Hans-Michael Koetzle en este nuevo libro. Herzog paseaba por las calles de Vancouver y fotografiaba lo que le llamaba la atención. Con discreción, con gran ojo estético, sin armar ruido, trazando una obra extensa que apenas ha sido conocida, más allá de algunas de sus imágenes más relevantes, como las que aquí acompañamos y que están incluidas en el monográfico.

Fred Herzog. Red Stockings, 1961

Su tema era la calle: escaparates, vallas publicitarias, coches, edificios... todo con una excelente composición y una estupenda luz, acentuada por el uso de la diapositiva a color Kodachrome. Como se indica en el libro, Fred Herzog no vendió ninguna fotografía hasta 1970 y no fue hasta los años noventa, ya con edad avanzada y retirado cuando empezó a darle forma a su extraordinario archivo, digitalizando sus obras. Hasta solo se cuenta una restrospetiva realizada en 2007 que le supuso el reconocimiento internacional y, ahora, con este libro, volverá a reescribirse su nombre y supondrá el encuentro para muchos.

Frez Herzog. Black Man Pender, 1958

'Fred Herzog. Modern Color' cuenta con 230 imágenes, muchas inéditas, además de sendos ensayos de os prestigiosos David Campany y, el anteriormente citado, Hans-Michael Koetzle. Su precio es de 38 euros y se puede adquirir desde la propia web de la editorial y en Amazon.

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Foto inicio | Fred Herzog. Jackpot, 1961

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Categorías: Fotografía

Andy Rouse

Fotógrafos en la red - Sáb, 14/01/2017 - 08:00

Andy Rouse es un conservacionista y fotógrafo profesional inglés (nacido en Londres) que realiza fotografía de la vida salvaje, buscando y fotografiando la vida silvestre en sus hábitats naturales para contar visualmente una historia o para expresar a través de su lente la increíble belleza del mundo natural.

 

Polar Bear en Svalbard, Arctic  © Andy Rouse

 

 

 

Biografía

Andy Rouse es un conservacionista y fotógrafo profesional de vida salvaje. Se graduó con un título de honor en Electrónica, pero era muy aburrido. Se unió a una consultora estadounidense de informática y viajó por todo el mundo rompiendo grandes ordenadores de bancos, pero también se dio cuenta de que esto no era para él y que la naturaleza le llamaba. Dejó su trabajo y se hizo fotógrafo profesional de la vida salvaje desde 1995m viviendo en el campo en el sur del Reino Unido.

Gran parte de su tiempo lo dedica a viajar en busca de especies raras y peligrosas por todo el mundo: Antártida, Svalbard, Georgia del Sur, Malvinas, Madagascar, India, Sri Lanka, Japón, Alaska, África (Kenya, Botswana, Ruanda). Ha fotografiado osos grizzly en Alaska, tigres en India y Tailandia, pandas gigantes en China. Se ha zambullido con ballenas jorobadas en el Caribe y se ha acercado a los osos polares en el Ártico. Ha fotografiado especies nativas de América del Norte y Canadá, Extremo Oriente, Japón, Borneo y Nueva Zelanda, además de en sus Islas Británicas.

Andy es uno de los fotógrafos británicos más famosos de vida salvaje y ha ganado muchos premios en concursos como los Wildlife Photographer of the Year Awards, British Wildlife Photography Awards, Nature’s Best, incluyendo el Gerald Durrell Award para Especies en Peligro, RGS Cherry Kearton  y European Wildlife Photographer of the Year.

Su trabajo se vende en todo el mundo a través de una variedad de medios que van desde la edición tradicional como calendarios y tarjetas, hasta la moda de alta costura e incluso !colas de aviones!

Es autor de 18 libros hasta la fecha, incluyendo el aclamado por la crítica Concepts of Nature y Gorillas y ha aparecido en numerosos programas de televisión en el Reino Unido, así como en los canales Discovery y National Geographic en todo el mundo.

Es conocido también como presentador de radio y televisión y realiza charlas, talleres y conferencias y conferencias de fotografía, con contribuciones regulares en periódicos y revistas de fotografías y consejos fotográficos incluyendo su columna mensual Practical Photography.

Ha viajado extensamente por todo el mundo, a menudo trabajando en solitario y en condiciones difíciles, y le gusta estar en sintonía con la naturaleza. Su estilo fotográfico va cambiando a lo largo de los años, ahora es un experto en time lapse  y actualmente está explorando el mundo del monocromo artístico. También realiza fotografías a aviones.

 

 

Referencias

 

 

Libros
Categorías: Fotografía

11 fotógrafos españoles a seguir en Instagram en 2017

Xatakafoto - Vie, 13/01/2017 - 17:09

Hace poco os recomendábamos una serie de fotógrafos a seguir en Instagram y apuntábamos que nos habíamos guardado una serie de nombres para realizar una nueva lista sólo con artistas españoles. Pues bien, ha llegado el momento de ofreceros esa relación prometida de artistas nacionales para seguir en la red social en este 2017 que sólo acaba de empezar.

Eso sí, como ya advertimos en el anterior artículo, nuestra intención hubiera sido ofreceros la relación de los fotógrafos más seguidos en la Red, pero dado lo difícil que es acceder a este dato y que es prácticamente imposible distinguir quién es fotógrafo realmente y quien no (y está claro que en Instagram hay mucho postureo), lo que os ofrecemos no es más que una serie de recomendaciones que esperamos os gusten.

Por eso, si os habéis fijado, esta vez no hemos añadido el adjetivo “influyentes” en el titular, como sí hicimos con el otro listado, porque lo que vais a ver es una relación de fotógrafos que a nosotros, la redacción de Xataka Foto, nos parecen interesantes pero que, en ningún caso, pretenden sentar cátedra (ni nada parecido). Así que, sin más, vamos con ellos.

Erea Azurmendi

Una foto publicada por Erea Azurmendi (@tiempodecerezas) el 25 de Dic de 2016 a la(s) 4:17 PST

Aunque algunos la conocen más como @tiempodecerezas, se trata de una artista polifacética que compagina fotografía y vídeo y que se autodenomina como fotógrafa de moda, viajes y estilo de vida. Un estilo que Erea Azurmendi muestra en un perfil de Instagram con casi 150 mil seguidores.

Olmo Calvo

Una foto publicada por Olmo Calvo (@olmocalvo) el 11 de Dic de 2016 a la(s) 7:38 PST

Un fotoperiodista muy concienciado con los temas sociales, tal y como nos contó en esta entrevista, y ganador de un montón de premios. El trabajo de Olmo Calvo se puede seguir en Instagram, donde (inexplicablemente) tiene poco mas de dos mil seguidores, y es de esos profesionales que nos ayudan a saber lo que pasa en el mundo.

Lucía Fernández Muñiz

Una foto publicada por ★ l u c i a ★ (@luciafernandezmuniz) el 20 de Nov de 2016 a la(s) 10:28 PST

Fotógrafa y realizadora, entre otras facetas, especializada en moda y retrato, Lucía Fernández Muñiz vuelca en su cuenta de esta red todo un mundo colorista y divertido que ella misma define como “minimal-candy”. Un universo pop que desde que en 2013 fuera elegido por la propia Instagram como ejemplo no ha dejado de crecer, y ya va por más de 80 mil seguidores.

Nicanor García

Una foto publicada por Nicanor García (@nicanorgarcia) el 11 de Ene de 2017 a la(s) 9:06 PST

Seguimos con un arquitecto que ha hecho de la fotografía el complemento perfecto de su profesión. Así no es de extrañar que sus imágenes naveguen entre el minimalismo arquitectónico y la fotografía callejera. Más de 700 mil seguidores avalan la propuesta de Nicanor García en Instagram, ahí es nada.

Juanma Jmse

Una foto publicada por Juanma Jmse (@juanma_jmse) el 5 de Ene de 2017 a la(s) 5:43 PST

Un joven fotógrafo y diseñador que piensa que “la fotografía es hacer ‘click’ en aquello que se siente” y que se ha especializado en retratar cada rincón de su ciudad, Madrid. Colaborador de la web 25 Gramos, dedicada a la cultura y las tendencias urbanas, Juanma Jmse tiene casi nueve mil seguidores en Instagram.

Sebastián Liste

Una foto publicada por Sebastian Liste - NOOR (@sebastianliste) el 2 de Mar de 2015 a la(s) 8:25 PST

A caballo entre España y Brasil, este fotógrafo documentalista se ha dedicado a retratar los profundos cambios culturales que se producen en América Latina y el Mediterráneo. En su cuenta de Instagram, Sebastián Liste alterna su obra fotográfica con imágenes en las que muestra su trabajo a sus casi diez mil seguidores.

Elena Ortega

Una foto publicada por Elena (@misswinter) el 12 de Ene de 2017 a la(s) 12:07 PST

No es fotógrafa profesional sino ejecutiva de recursos humanos pero viendo las relajantes fotos de Elena Ortega pensamos que podría dedicarse a ello perfectamente. Más de medio millón de seguidores en Instagram avalan esto mismo, que las imágenes de Elena Ortega, más conocida como Miss Winter, gustan a la gente.

Pollobarba

Una foto publicada por Pollobarba (@pollobarba) el 11 de Ene de 2017 a la(s) 4:19 PST

Bajo este curioso pseudónimo se esconde un personaje igual de peculiar, según él mismo se define: “Fotógrafo sumergente. Instagram star. Premio Nacional de Fotografía 2035. Miembro fundador de fotoDios”. Pollobarba tiene una cuenta de Instagram en la que, de momento, sólo tiene poco más de 800 seguidores y en la que sólo muestra 100 fotos, ya que conforme sube una nueva, borra otra más antigua. Curioso ¿no?

Daniel Rueda

Una foto publicada por Daniel Rueda (@drcuerda) el 11 de Dic de 2016 a la(s) 12:00 PST

Story-teller. Photography-maker. Geometry-seeker. Architecture-lover. World-explorer. Coffee-drinker”. Así se define Daniel Rueda, un arquitecto y fotógrafo valenciano que en su cuenta de Instagram da rienda suelta al Dr. Cuerda, un alter ego que a base de fotos minimalistas ha conseguido más de 100 mil seguidores.

Lupe de la Vallina

Una foto publicada por Lupe (@lupedelavallina) el 25 de Dic de 2016 a la(s) 2:00 PST

Ella misma confiesa que es fotógrafa por culpa de Twitter así que ya os podéis imaginar la importancia que le da a las redes sociales (aunque en Instagram no llega a los 3.500 seguidores). Especializada en retratos, por la cámara de Lupe de la Vallina han pasado innumerables personalidades trabajando para un montón de medios de comunicación como El País y Jot Down.

Oliver Vegas

Una foto publicada por Oliver Vegas (@ovunno) el 30 de Dic de 2016 a la(s) 12:58 PST

Y terminamos con este fotógrafo catalán con el que ya tuvimos oportunidad de charlar hace tiempo y quien nos reconocía que las redes sociales le han ayudado a dar a conocer su trabajo de fotógrafo. Especializado en fotografía de deportes y viajes (aunque también trabaja en otros registros), los seguidores de Oliver Vegas en Instagram suben por encima de los 400 mil.

Y eso es todo por esta vez. Como siempre, esperamos que os hayan gustado nuestras recomendaciones (aunque entendemos que es imposible contentar a todo el mundo) y os recordamos que podéis añadir las vuestras a través de los comentarios.

En Xataka Foto | Ocho pasos para tener éxito en Instagram como fotógrafos

Foto de portada | Mink Mingle

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