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El pimiento de Edward Weston, Madrid en 1900 y más: Galaxia Xataka Foto

Xatakafoto - Dom, 22/10/2017 - 10:01

Curiosas historias y temas interesantes los que nos hemos topado esta semana y que ahora recopilamos en nuestra selección semanal. Esta es nuestra Galaxia Xataka Foto de hoy:

  • ¿Quién se comió el pimiento de Edward Weston? es el curioso título de un artículo da Daniel Brena en Medium, que reflexiona sobre la famosa fotografía de Weston, buscando su historia y, de paso, la de la captura del mismo.

  • Muy curiosa la historia de unas fantásticas fotos de Madrid tomadas en 1900 por Augusto Arcimís, primer metereólogo español y que se encontraron en 2012. Como cuentan en El Español, el archivo fotográfico de 835 placas estereoscópicas ha sido archivado, clasificado, documentado y digitalizado en el Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE) y, ahora, esta institución ha completado su catalogación y accesibilidad desde la fototeca digital.

  • El conflicto de Siria ha sido fotografiado por varios fotoperiodistas y, como nos cuentan en The New York Times en español, adquiere una dimensión diferente a través de la cámara de Hosam Katan, un fotógrafo sirio que precisamente aprendió de los reporteros y acabó convirtiéndose en fotógrafo de guerra

  • Una de esas fotos famosas que acaban siendo reproducidas y que forman parte de nuestra memoria visual es la del "hombre molotov" (que encabeza este artículo). En BBC Mundo cuentan la historia del personaje que protagoniza esa icónica imagen, que fue realizada por la fotógrafa estadounidense Susan Meiselas en 1979, en la ciudad nicaragüense de Estelí y pronto se convirtió en una de las más reconocibles de toda la Revolución Sandinista.

  • Mucho ingenio el del fotógrafo Félix Hernández que le encargaron fotografiar un Audi R8, un coche de 200.000 euros, sin tenerlo a mano. Con una maqueta y buenos conocimientos de iluminación consiguió un resultado sorprendente, como cuentan en Motorpasión.

  • Esta semana conocimos las fotos ganadoras de los premios Wildlife Photographer of the Year y, en Magnet, nos han revelado la impresionante historia de la foto ganadora de un rinoceronte negro abatido.

Recordamos que podéis enviarnos pistas y sugerencias en nuestro contacto. Feliz domingo.

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La noticia El pimiento de Edward Weston, Madrid en 1900 y más: Galaxia Xataka Foto fue publicada originalmente en Xataka Foto por Jesús León .

Categorías: Fotografía

José Veiga Roel

Fotógrafos en la red - Dom, 22/10/2017 - 08:00

José Veiga Roel fue un dibujante y fotógrafo gallego (nacido en Betanzos, La Coruña, en 1894, fallecido en 1976) cuya cautivadora fotografía callejera capturó la belleza, la vida y los tiempos de Galicia y su gente.

© José Veiga Roel

Biografía

José Veiga Roel estudió dibujo, alcanzando una gran fama como calígrafo y miniaturista. Formó parte del grupo de animadores de la revista Rexurdimento, que se editó en su villa natal.

Ilustró diversas publicaciones, revistas, programas de fiestas y colaboró en las actividades de estudio de su paisano Vales Villamartín. Mostró su obra en la Exposición de Arte Gallego de A Coruña (1923) y en la Exposición Regional de Bellas Artes de Santiago. En 1935 obtuvo un diploma de honor en la Exposición de Bellas Artes de Ferrol.

A principios de los 50, empezó a frecuentar el Café Español, lugar de reunión de los artistas locales y donde reunía a la Peña Fotográfica de A Coruña. Cuando entró en contacto con estos aficionados, descubrió la fotografía. Pronto se convirtió en uno de sus principales impulsores  instalando un laboratorio en su casa y dedicándose a esta práctica hasta que sus problemas de salud lo llevaron a abandonar la fotografía y volver al dibujo.

Realizó fotografía documental, siempre dentro de la corriente salonista, y su trabajo fue conocido especialmente a través de las revistas Vida Gallega y Galicia. Revista Anual de Turismo, en la que publicaría en los años 1966 y 1967.

En 1955 mostró sus fotografías en las salas del Centro Gallego de Buenos Aires, También participó en el Salón Internacional de Fotografía de A Coruña y en el Certamen de Fotografía Artística de Vigo, tanto como jurado o como concursante y expositor.  En 1957 realizó la que probablemente fue su exposición más importante, en los salones del Club Imperio de La Coruña y en 1965 expuso en la Casa de Galicia de Madrid. Obtuvo 170 galardones nacionales e internacionales, entre los que figura a título póstumo el de Hijo Predilecto de Betanzos (1980).

Tras su fallecimiento, sus fotografías han formado parte de exposiciones como Galiza nos 50, celebrada durante la Fotobienal de Vigo en 1990, Tiempo de silencio en la Fundació Caixa Catalunya en Barcelona en 1992 y Fuentes de la memoria II. Fotografía y sociedad en España, 1990-1939, en el antiguo Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid en 1992. En 1993 el Centro Galego de Artes da Imaxe de La Coruña le rindió un homenaje con la exposición antológica Veiga Roel: fotografías 1954-1964. En 1994 la muestra Veiga Roel se celebró en la Casa de Galicia de Madrid.

Referencias Libros
Categorías: Fotografía

‘Erronkari’, un timelapse 4K donde el pirineo oriental de Navarra nos deslumbra con su hipnótica belleza

Xatakafoto - Sáb, 21/10/2017 - 10:01

Como ya es habitual, siempre estamos atentos para no perdernos los timelapse más interesantes que se pueden encontrar deambulando por la Red de redes. Y en esta ocasión nos hemos fijado en ‘Erronkari’, de Iñaki Tejerina, uno de los vídeos timelapse que fueron proyectados en el V Festival Internacional de timelapses el Castillo celebrado hace un par de meses.

Se trata de otra buena muestra de esta disciplina que aúna fotografía y vídeo como ninguna otra para ofrecer resultados que nos suelen dejar hipnotizados cuando quien lo hace sabe lo que tiene entre manos. Es el caso de esta producción, otro de esos vídeos que nos invitan a pararnos un momento y dejarnos deslumbrar por la impresionante belleza que es capaz de ofrecer la naturaleza.

‘Erronkari’ es en realidad el nombre en euskera del Valle de Roncal, una preciosa zona del Pirineo Oriental de Navarra a quien Iñaki Tejerina rinde homenaje con este vídeo. En él, durante casi cinco minutos nos muestra algunos de los parajes más bellos de este lugar, con tomas que abarcan distintos desde bellos mares de nubes en un precioso amanecer hasta una deslumbrante vista (nocturna, claro) de la Vía Láctea.

Como casi siempre, la música juega un papel destacable para lograr un gran resultado. En este caso además se trata de una magnífica composición original de Vanessa Garde que nos recuerda vagamente a la banda sonora de Braveheart. En cuanto al equipo utilizado para capturar las imágenes, Iñaki utilizó varias cámaras Sony, incluyendo un RX100 III, una A6000, una A77 II, una A850 y una A7R, además de un Phantom 4 Pro para las tomas aéreas. Sin duda un gran trabajo.

Iñaki Tejerina | Página web | Vimeo

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La noticia ‘Erronkari’, un timelapse 4K donde el pirineo oriental de Navarra nos deslumbra con su hipnótica belleza fue publicada originalmente en Xataka Foto por Óscar Condés .

Categorías: Fotografía

Gaby Herbstein

Fotógrafos en la red - Sáb, 21/10/2017 - 08:00

Gaby Herbstein es una artista visual y fotógrafa argentina (nacida el 3 de Mayo de 1969 en Buenos Aires, donde vive y trabaja) que toma la fotografía como medio expresivo para generar conciencia, dando cuenta de su preocupación por el bienestar universal y por la preservación de la belleza del planeta, y de las inquietudes que surgen a partir de sus propias experiencias y trabajo personal.

© Gaby Herbstein

Biografía

Gaby Herbstein es una fotógrafa con veinticinco años de carrera, que compagina su trabajo comercial con el personal. Dentro de su faceta de trabajo comercial, ha realizado campañas publicitarias y de belleza para marcas como L'Oréal, Garnier, Avon, Dove, Pantene, Sedal, Telmex, Puma, Sony, Samsung, Apple, Pernod Ricard y Chandon entre otras. En moda, ha realizado campañas para numerosas marcas internacionales de Argentina, Chile, Perú, México, Brasil, EEUU y Japón.

De sus proyectos personales podemos citar:

  • La Diablada (2017). Según la cosmovisión andina la Naturaleza, el Hombre y la Pachamama (Madre Tierra) viven en perpetua relación. Esa totalidad es, para la cultura andina, un solo ser vivo. Siendo que el hombre es la naturaleza misma no la domina ni pretende dominarla. Ser diablo es un portal para desprenderse de los aspectos negativos que se reprimieron durante todo el año.
  • Creer Para Ver, comenzó en 2016, todavía en proceso.
  • Divina Belleza (2015) es el trabajo más actual de la artista. Trece retratos de niñas, cada una de ellas representando diferentes aspectos de la belleza, en un ensayo fotográfico que aborda el tema de la geometría sagrada.
  • Estados de Conciencia (2013), serie de fotografías oníricas que indagan en la búsqueda de la espiritualidad. Un viaje en imágenes a través de diferentes estados de conciencia en el camino hacia el autoconocimiento.
  • Uno (2011), serie inspirada en la unicidad, en la fusión entre el hombre y la naturaleza.
  • Huella Ecológica (2009) y La Basura no es Basura (2010), proyectos que tocan el tema el débil equilibrio ecológico de nuestro planeta.
  • En el 2009 publicó su primer libro de fotografía, Aves del Paraíso, una metáfora visual en la que el ser humano se funde con las aves, un llamado de atención sobre el desequilibrio ambiental que está llevando a la extinción tantas especies. Este proyecto intensivo fue desarrollado a lo largo de tres años e involucró a más de 130 profesionales de distintos campos de la imagen y el diseño argentino.
  • Heroínas (2000), inspirado en mujeres destacadas, a veces no reconocidas heroínas de la historia argentina.
  • Huellas (1999), fotografías que rescatan la identidad de las mujeres originarias argentinas, con el apoyo de Naciones Unidas.

A lo largo de esta trayectoria, adquiere reconocimiento también por retratar a grandes personalidades del mundo del arte y el espectáculo, entre ellos Ricardo Darín,  Gustavo Cerati, Charly García, Pedro Aznar, Julio Bocca, Alessandra Rampolla, Carla Peterson,  Elena Roger, Natalia Oreiro y Adicta, entre otros.

Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en países como Argentina, México, Brasil, Chile, Perú, Estados Unidos, Rusia, China y Japón, entre otros.

Su trabajo ha aparecido en importantes publicaciones líderes tanto nacionales e internacionales como Harper's Bazaar, Elle, Vogue Latinoamérica, Cosmopolitan, Marie Claire, Novum World of Graphic Design, International Designers Network (IDN), Diario Rheinsprung, La Nación, D-Mode, Para Ti, Gente, Caras, entre otras.

Ha sido galardonada con premios y reconocimientos tales como Premio Clover en 2011, Mejor libro del año por su libro Aves del paraíso, otorgado por la Cámara Argentina de Publicaciones en 2009, Premio Fundación Huésped en 2002, medalla de oro en la categoría Fine Art y medalla de plata en la categoría Libros Fine Art en los premios Prix de la Photograhie en París en 2015, por su proyecto Estados de Conciencia, premio Latin American Photography and Illustration en 2016 por Phi de la serie Divina Belleza y en 2017 por su proyecto La Diablada, premio Mujer Creativa en 2017 otorgado por el Circulo de Mujeres Creativas y la Universidad de Palermo, entre otros.

Además de su producción artística, Herbstein ha impartido charlas y seminarios de fotografía y motivación, en el marco de eventos culturales y en instituciones relacionadas al arte y el diseño.

Referencias Libros
  • Historia general del arte en Argentina, Tomo XII, La fotografía en la Argentina 1980-2000, 2015.
  • Estados de conciencia, 2014
  • Aves del Paraíso, 2009.
  • Appropriation as Practice, 2006 (varios).
Categorías: Fotografía

La mirada más austral, un viaje fotográfico a la Patagonia más desconocida

Xatakafoto - Vie, 20/10/2017 - 18:01

Ayer se inauguró en Madrid, en la sede de B the travel brand Xperience, la exposición 'La mirada más austral', la visión de varios fotógrafos por uno de los últimos territorios vírgenes de la tierra: la Patagonia, surcando aguas del estrecho de Magallanes, Canal Beagle hasta llegar al mítico Cabo de Hornos. Un lugar al que solo se puede llegar en barco. Un lugar mágico para todos los que no salimos de viaje sin nuestra cámara.

En la fotografía la moda marca tendencia. En los años ochenta no eras nadie si en tus imágenes no se apreciaba el flou, ya fuera con el vaho de tus pulmones, el bote de vaselina que nunca se terminaba o con filtros u objetivos especiales que cobraban a precio de oro. Hoy en día las modas son otras: los filtros de densidad neutra, el desaturado selectivo y por supuesto el sacrosanto viaje a Islandia que parece que tienes que hacer sí o sí para sentirte fotógrafo por los cuatro costados.

El tema es que Islandia ya está dando signos de agotamiento. Todos los que han tenido la inmensa suerte de ir empiezan a hablar de la saturación de fotógrafos por metro cuadrado que sufre el lugar; muchos ya vemos Dynjandifoss hasta en la sopa, y seguramente sea capaz de escribir Hafnarfjörður sin equivocarme (al final he hecho un corta y pega). Pero lo más grave es que todas las fotografías de aquel lugar empiezan a ser reiterativas (salvo honrosas excepciones). Me muero por ir, desde luego, pero ha dejado ya de ser ese sitio virgen y desconocido que era cuando empezó la moda...

Cabo De Hornos, Donde Se Cruzan Los Océanos. Saul Santos

Por eso, la visita a la exposición 'La mirada más austral' supone un soplo de aire fresco para los que buscan nuevos lugares para fotografiar, nuevas formas de mirar. En la presentación de la exposición, algunos de los fotógrafos presentes reconocieron que la luz de aquel lugar es única. Cambia a lo largo de las horas con una facilidad pasmosa y supone un reto continuo. Todo en un entorno salvaje en el que solo se puede llegar en el barco de Australis, que patrocina la exposición.

La exposición

Son 20 fotografías de gran formato, realizadas por Andrés Magai, Cristóbal Prado, Saúl Santos, Jessica Backhaus (Alemania), Nori Jemil (Inglaterra), Paolo Petrignani (Italia) y Stanislas Fautré (Francia). La comisaria de la exposición, Bárbara Mur, ha querido hacer:

una apuesta visual que permita al público entrar ya a este viaje con solo ver esta exposición. Sentirá la naturaleza en estado puro, el impacto de los colores de los bosques, de la luz, de los glaciares.

Bosques Patagónicos, Paolo Petrignani

Todos los fotógrafos presentes han publicado en multitud de revistas y medios digitales: 'Le Figaró, 'National Geographic Traveller', 'Condé Nast Traveller', 'Vogue', 'Geo'... Su visión es la de una persona que ha recorrido el largo y ancho mundo y se ha encontrado con la magia de lugares que muchos solo podemos soñar por lo que hemos leído en los libros de aventuras y visto en las revistas y documentales donde ellos trabajan.

Pingüinos magallánicos, Andrés Magai

Y lo que puede ver el espectador es una aproximación a ese mundo del cabo de Hornos, donde se juntan los dos grandes océanos que rodean el continente americano, y que atravesaron Magallanes o el mismo Charles Darwin, y encontrarse con las tierras inhóspitas de la Tierra de Fuego, repleta de fauna salvaje.

Tripulante Del Australis En Zodiac, Cristobal Prado

Lo único malo que tiene esta exposición es que nos entrarán unas ganas locas de viajar a un lugar poco explorado por los fotógrafos, donde la climatología es tan cambiante, tan incierta en estos parajes, que nunca sabrás lo que vas a poder fotografiar realmente. Es todo un reto para los que amamos viajar con una cámara al hombro.

Aquí no valen las horas esperando la luz. El barco en el que te mueves está a expensas del tiempo que haga... No te puede esperar... es la vuelta a la pura aventura de descubrir un momento único sin más ayuda que la pura suerte de estar rodeado de la naturaleza más salvaje.

‘La mirada más austral’

Del 19 de octubre al 16 de noviembre B the travel brand Xperience

calle Miguel Ángel, 33

Madrid. España

B the travel brand Xperience

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La noticia La mirada más austral, un viaje fotográfico a la Patagonia más desconocida fue publicada originalmente en Xataka Foto por Fernando Sánchez .

Categorías: Fotografía

¿Cuál es el mejor método para estudiar fotografía?

Xatakafoto - Vie, 20/10/2017 - 13:01

Está claro que para ser fotógrafo hacen falta una serie de cualidades: formación, práctica, experiencia, talento... La primera, la formación, puede adquirirse de muchas formas, sobre todo si no se tienen ambiciones profesionales. Porque no sólo estamos hablando de estudiar para hacer de la fotografía nuestra profesión, sino también de simplemente aprender fotografía para ser capaces de hacer buenas fotos (sin sentir la necesidad de tener que aplicarles un filtro de Instagram).

Foto de The Digital Marketing Collaboration

Claro que ¿dónde y cómo es mejor aprender fotografía? es sin duda una pregunta difícil de responder ya que las posibilidades son muchas y variadas. Desde luego para ser fotógrafo no hace falta tener un título en la pared porque es un conocimiento que se puede adquirir de forma autodidacta. Sin embargo, está claro que recibir una formación especializada es un opción más que interesante para aprender de forma consolidada.

Por todo ello vamos a repasar las diferentes formas que existen para estudiar fotografía y dejamos la “discusión” sobre cuál es el mejor método para el final.

Foto de artistsactivists Formación oficial

La primera opción que debemos considerar es, cómo no, lo que llamamos formación oficial; es decir la impartida por organismos oficiales normalmente dependientes del Ministerio de Educación y tras cuyos estudios se consigue un título oficial. En este ámbito tenemos que conocer que existen dos posibilidades: la formación reglada y la no reglada.

La primera es la que depende del actual Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y de las distintas Comunidades Autónomas y posibilita conseguir un título oficial con validez académica después de unos estudios que se imparten normalmente en centros de enseñanza oficiales.

Foto de PPD

Los títulos pueden variar bastante según tu lugar de residencia (además de que, como ya sabrás, las leyes educativas son muy cambiantes) pero en un primer nivel nos tenemos que remitir a las titulaciones vinculadas al plan de Formación profesional, dentro del que hay la posibilidad de estudiar ciclos de grado medio y superior. El primero en nuestro caso sería el Grado medio en fotografía, el segundo el de Técnico superior en Fotografía.

Un paso más arriba tenemos los estudios superiores, es decir los de nivel universitario, que serían básicamente Comunicación Audiovisual, Bellas Artes y Periodismo (con sus distintas variantes según la Universidad), en cuyos planes se incluyen tradicionalmente asignaturas de fotografía aunque no estén precisamente orientados a formar fotógrafos. En un nivel aún más alto, tendríamos los masters o posgrados que normalmente son impartidos por Escuelas superiores o Universidades privadas.

Foto de Cole Keister

Luego tenemos la otra opción, la formación no reglada, que es la que no depende del Ministerio de Educación sino del de Empleo y Seguridad Social. Se trata de una formación diseñada para formar y capacitar a las personas para el mercado laboral. De hecho, dentro de este tipo de formación se incluyen los cursos que se imparten dentro del Sistema de Formación Profesional para el Empleo, incluyendo los del Servicio Público de Empleo Estatal. Se compone de Cursos, Postgrados o Másters y se imparte en centros de formación privados, universidades privadas y escuelas de negocios. El título que se consigue no es oficial pero sí tiene valor curricular.

Cursos “alternativos”

Por supuesto, más allá de la formación oficial hay muchas otras alternativas para estudiar fotografía de forma especializada mediante otro tipo de estudios. Hablamos de cursos impartidos por escuelas privadas o de clases particulares impartidas por fotógrafos. Este tipo de enseñanza no entra dentro de lo que denominamos formación oficial porque no suele dar derecho a un título homologable, pero sin duda es una buena alternativa que además suele ser más cercana, sencilla e incluso económica.

Foto de Jakub Jankiewicz

Esta opción es muy variada, desde apuntarse a una buena escuela de fotografía de las varias que suele haber en las grandes ciudades, hasta asistir a cursos, talleres y workshops impartidos por fotógrafos profesionales (muchos de los cuales han visto en este tipo de cursos una manera de financiar su trabajo compartiendo su sabiduría). En este apartado tampoco podemos desdeñar otra posibilidad, muy adecuada para los bolsillos menos pudientes, como son los cursos ofrecidos por ayuntamientos, comunidades autónomas o centros culturales.

Todas ellas son opciones flexibles, tanto en coste como en tiempo, porque pueden ir desde una formación de un único día hasta meses (con la consiguiente diferencia en el precio), e incluso se puede optar por formación a distancia. Además, pueden ser una mejor alternativa para quien quiere estudiar fotografía pero ya ha alcanzado una edad y no tiene opción de acceder a estudios reglados.

Foto de carolyn's

Una última posibilidad (que no estaría estrictamente encuadrada en este apartado de cursos "alternativos") es la de aprender “a la antigua usanza”. Es decir, solicitando ser asistente de un fotógrafo profesional para ir aprendiendo el oficio poco a poco. Esta opción, lógicamente, es para quien quiera dedicarse a la fotografía como forma de vida.

La opción autodidacta

Claro que no hace falta gastarse dinero en cursos de fotografía para aprender, y menos en los tiempos que corren en los que hay ríos de sabiduría corriendo por Internet. Como ya sabes, hay multitud de blogs, canales de YouTube y páginas especializadas en fotografía como Xataka Foto, que ofrecen regularmente conocimiento sobre el tema, incluso cursos de fotografía totalmente gratuitos.

Foto de DESIGNECOLOGIST

En este sentido es importante recurrir a sitios de confianza, porque ya sabes que el mayor problema de la Red de redes es la gran cantidad de información que existe y lo difícil que puede ser discriminar lo que es realmente válido y lo que no. Eso mismo pasa con las millones de fotografías que puedes encontrar en Internet, y que sin duda son otra fuente de la que se puede (y se debe) aprender. Eso sí, siempre es mejor recurrir a fotógrafos con un mínimo pedigrí, como los que os mostramos aquí.

Dentro de esta opción autodidacta tenemos también el recurso a los tradicionales manuales de fotografía, que antes de la era digital seguramente eran la fuente de sabiduría más importante para aprender por uno mismo. Un buen libro de fotografía, con información completa y buenas imágenes de ejemplo, sigue siendo un recurso muy estimable, y las bibliotecas públicas un lugar más que aconsejable para acceder a ellos de forma sencilla y económica. Por último, tampoco te olvides de otras fuentes como el manual de tu cámara (parece mentira lo que se puede aprender leyéndolo).

Foto de JESHOOTS.com ¿Cuál es la mejor opción?

Lo siento pero no, no te vamos a decir que una u otra sea mejor opción para aprender fotografía. Lo que sí podemos es aventurarnos con algunas recomendaciones basadas en nuestra propia experiencia y que puedes adaptar a tu propia situación:

  • Lo primero que te diríamos es que te conviene tener unos conocimientos básicos de fotografía antes incluso de coger la cámara, algo que puedes conseguir por la vía que te parezca más oportuna. Aprender con un profesor es la manera más directa de adquirir y consolidar conocimientos, pero todo depende de tus circunstancias.

  • Si eres joven y tienes claro que quieres hacerte profesional deberías considerar la opción de cursar estudios reglados de fotografía. Ningún título te hará ser buen fotógrafo pero es una buena forma de aprender de cara a un posible futuro profesional.

  • Si tus ambiciones no van tan lejos, pero quieres aprender de forma sólida los conceptos básicos de fotografía un “simple” curso seguramente te será suficiente. Busca algo que sea adecuado para tus circunstancias y que tenga el respaldo de una buena escuela o un profesional cualificado.

  • Si tu interés no va mucho más allá de la curiosidad, siempre puedes recurrir a aprender por tu cuenta ya sea a través de libros del género o gracias a Internet.

  • En cualquiera de los casos, por supuesto siempre es recomendable que acudas a Festivales y exposiciones y que trates de aprender y empaparte de fotografía por todos los medios posibles.

  • Tras adquirir una cierta base de conocimientos, lo más importarte es practicar y practicar, equivocarse y aprender del error, sin duda la mejor manera de formarse. Eso sí, ten en cuenta que la fotografía es una materia en la que nunca dejarás de aprender.

Foto de Recuerdos de Pandora

¿Y tú que opinas? ¿Se te ocurren otras vías de formación que quieras recomendar? ¿Cúal crees que es la mejor forma de aprender fotografía?

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Categorías: Fotografía

Javier Camacho Gimeno

Fotógrafos en la red - Vie, 20/10/2017 - 08:00

Javier Camacho Gimeno es un alpinista y fotógrafo español (nacido en Zaragoza en 1971, vive en Pamplona) que trata de conjugar la montaña, los viajes y la fotografía que se ha especializado en fotografía de altura a más de 6.000 metros y ha grabado numerosos audiovisuales sobre grandes montañas y la vida de sus habitantes.

© Javier Camacho Gimeno

Biografía

Javier Camacho Gimeno es un alpinista y fotógrafo de paisajes especializado en montaña. A los 8 años ascendió su primera montaña de 3.000 metros, con 10 años ya escalaba grandes cimas, con 30 años había completado todos los tres miles de los Pirineos. Su pasión por la fotografía vino después, y gracias a sus instantáneas podemos deleitarnos con bellos y lejanos paisajes inaccesibles para la mayoría de nosotros, lo que hace de sus fotografías documentos únicos. Pero lo que le hace distinto del resto de fotógrafos cuando se encuentra a más de 6.000 metros de altitud, es su manera de aprovechar la luz en condiciones extremas y mostrarnos lo insignificante que puede llegar a ser el hombre ante la madre naturaleza, con composiciones muy estudiadas y un derroche de técnica para superar las más adversas condiciones climatológicas.

Ha escalado montes míticos de todo el mundo, desde el Mont Blanc y el Cervino de los Alpes en Europa, pasando por el Aconcagua en América del Sur, el Mckinley en Alaska y el Himalaya, habiendo escalando el Cho Oyu sin la ayuda de sherpas y sin uso de oxígeno, con sus 8.201 metros, el Lhotse con sus 8.516, …

Sus fotografías y artículos han sido mostrados en diversas publicaciones, y ha colaborado con varias publicaciones especializadas en montaña, como Desnivel o Barrabes, elaborando diversos artículos de fotografía en varias webs y foros fotográficos y proyectando numerosos audiovisuales de montaña por todo el territorio nacional, como en el festival de fotoperiodismo Periscopio en Vitoria.

Ha obtenido diversos premios en unos 100 certámenes fotográficos, incluidos el Memorial Maria Luisa, FOTOCAM, Wildlife Photograher of the Year, Travel photographer of the Year, Montphoto, Barrabés de Montaña, etc. Ha realizado varias exposiciones fotográficas colectivas e individuales, participando en eventos fotográficos como Periscopio, Foto-Montseny, PallantiaPhoto, Teruel PuntoPhoto, entre otros.  Sus fotografías han aparecido en el libro Mountains,portraits of high places junto con la de  fotógrafos como Gallen Rowell o Ansell Adams.

Es miembro activo de la Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza (AEFONA).

Referencias
Categorías: Fotografía

Cómo Fotografiar Startrails

DZoom - Vie, 20/10/2017 - 07:30

Fotografiar la naturaleza y los paisajes que encontramos en ella es algo que a la mayoría de la gente le gusta. Poder captar esos paisajes tan bonitos, cuando el cielo tiene esos tonos naranjas y amarillos durante la puesta de Sol. Son paisajes que muestran la belleza de nuestro planeta.

La fotografía nocturna también es capaz de mostrar la belleza de nuestro planeta y de lo que hay más allá. Mucha gente sigue pensando que por la noche no se puede hacer fotos porque no hay luz, pero para eso están los trípodes.

Hay más luz en el ambiente de la que uno puede pensar, y si aumentamos la exposición lo suficiente, la cámara será capaz de crear una fotografía.

De esta manera, fotografiar las estrellas es posible y más fácil de lo que uno pueda pensar, simplemente tenemos que tener en cuenta algunos aspectos. Las estrellas las podemos fotografiar de dos maneras, como puntos, tal cual las vemos nosotros, o como trazas.

En este artículo voy a explicar todo lo necesario para conseguir fotografías de trazas de estrellas, qué aplicaciones nos pueden ayudar a conseguirlo y cómo procesarlas después.


Hay que evitar la contaminación lumínica

Cuando orientamos la cámara hacia el Ecuador obtenemos líneas diagonales. En este caso se utilizó un teleobjetivo para cerrar el encuadre.

Lo primero que necesitamos es un sitio donde no haya mucha contaminación lumínica. Para poder ver las estrellas necesitamos oscuridad. La luz de las ciudades y pueblos iluminan el cielo y se comen las estrellas.

Por lo tanto, ya podéis olvidaros de hacer fotos de estrellas en núcleos urbanos. Hay que coger el coche y desplazarse hacia lugares oscuros, ya sean montañas, praderas, desiertos, playas, etc...

Hay varias formas de buscar lugares donde la contaminación lumínica es menor, como por ejemplo, la web Light Pollution Map o NASA's Blue Marble.

Se puede observar cómo los núcleos urbanos tienen más contaminación, pero en el fondo es muy complicado encontrar una zona libre de luz. Cuando más alejado y más alto mejor.

También está disponible la App, Ligth Pollution Map - Dark Sky Finder Astronomy.

Aunque resulte obvio, otro factor importante es la climatología, es decir, es necesario que esté despejado. Además, el invierno es una mejor época para realizar fotografía nocturna debido al frío. El calor es un enemigo para el sensor de nuestra cámara. Cuanto más se calienta el sensor, más ruido aparece después. Si hacemos largas exposiciones se calentará más.


Equipo necesario

Llevar un frontal es imprescindible para hacer fotografía nocturna. La luz roja viene muy bien para poder ver en la oscuridad y no cegarte, con lo que las pupilas se acostumbrarán a la oscuridad.

Para realizar fotografía nocturna necesitamos una cámara que soporte bien el ISO alto y un objetivo luminoso, como mínimo f/2.8.

Además, es imprescindible un trípode y un mando disparador o intervalómetro.

Ten en cuenta que, por lo menos vas a necesitar subir el ISO hasta 1600, siendo habitual 3200 o incluso 6400. Si tu cámara genera mucho ruido, entonces igual necesitas activar la opción de reducción de ruido en cámara, que tarda el mismo tiempo en eliminar el ruido que lo que estuvo exponiendo.

Aquí te pongo algunos modelos de cámaras con las que puedes conseguir este tipo de fotos sin ningún problema, pero hay muchas más:

  • Nikon: D7100 en adelante. D800 y gamas superiores.
  • Canon: 750D en adelante, 7D, 5D Mark II en adelante, 1DX y superiores.
  • Fujifilm: X-T1, X-T2, X-E2.
  • Olympus: OMD E-M1 en adelante, OMD EM-5 Mark II.
  • Pentax: K1, K5.
  • Sony: a7R en adelante.

Para hacer los cálculos de la exposición te puede venir bien la App Calculadora de exposiciones, la cual te permite aplicar la ley de la reciprocidad y darte el tiempo de exposición que necesitas. Photopills también tiene una calculadora para hacer estos cálculos.

Los tiempos de exposición que utilizamos para fotografiar trazas de estrellas superan los 30 segundos, que es el tiempo máximo que podemos configurar en la mayoría de cámaras. Por ello, tenemos que poner el modo B o BULB. Este modo nos permite exponer el tiempo que nosotros queramos con la ayuda de los disparadores. Tan sólo tienes que controlar el tiempo y parar la exposición cuando llegue la hora. Si no quieres estar pendiente, entonces tienes que comprar un intervalómetro, el cual puedes programar.


Diferencias entre fotografiar estrellas como puntos y trazas de estrellas

Aquí vemos una circumpolar hecha en los Pirineos, en Huesca. El tiempo de exposición fue de 34 minutos a ISO 100 con un diafragma de f/2.8.

Como bien sabemos, la Tierra está en continuo movimiento, al igual que el resto de planetas, estrellas y galaxias. Por lo tanto, para poder fotografiar las estrellas como puntos, estamos limitados por el tiempo. Si excedemos dicho tiempo las estrellas empezarán a crear líneas o trazas.

No voy a profundizar en cómo sacar estrellas como puntos, ya que está explicado en este artículo. Pero básicamente, el tiempo de exposición varía entre 20 y 30 segundos como máximo, dependiendo del sensor y de la distancia focal utilizada. Por lo tanto, para conseguir trazas de estrellas, el tiempo de exposición tiene que ser superior a 30 segundos.

Cuanto mayor sea el tiempo que estamos exponiendo, mayor será la traza generada, lógico, ¿verdad? Al fin y al cabo, lo que estamos haciendo es captar el movimiento de cada estrella. Como las estrellas son puntos de luz, dicha luz se registra en el sensor.

Para hacer la foto de portada primero tuve que hacer una exposición más corta, ideal para obtener las estrellas como puntos. Lo habitual es tener las dos versiones. La primera para calcular la exposición y la segunda una vez aplicamos la ley de la reciprocidad.

La experiencia te dirá cómo de largas son las trazas en función del tiempo que expongamos, la dirección en la que encuadremos y la longitud focal.

Con Photopills puedes calcular el ángulo que recorren las estrellas, en función de la orientación elegida y del tiempo de exposición. Una vez abrimos la aplicación, tenemos una opción llamada Rastros de estrellas. Dentro, simplemente tenemos que seleccionar el tiempo de exposición elegido, el ángulo de las estrellas con respecto a la estrella Polar y la orientación.


¿Cómo elegir la orientación correcta?

Al disparar hacia el Este o el Oeste obtenemos líneas diagonales que corresponden con el Ecuador y a la vez líneas curvas en sentidos opuestos.

Bien, ya sabemos que si exponemos durante un tiempo largo, las estrellas empezarán a crear trazas, pero la forma que tendrán las trazas variará en función de varios aspectos.

Lo primero es que tu posición en la Tierra es determinante. No es lo mismo estar en el Hemisferio Norte, que en el Hemisferio Sur que cerca del Ecuador.

Una vez sabemos esto, tampoco es lo mismo encuadrar hacia el Norte, que al Sur. De hecho, la forma de las trazas varía conforme variamos el punto cardinal.

Vamos a empezar por algo sencillo y que genera fotografías muy espectaculares, las Circumpolares.

Una Circumpolar es aquella foto en la que nuestra cámara está orientada hacia el Norte, si estamos en el Hemisferio Norte, o hacia el Sur, si estamos en el Hemisferio Sur. Como sabrás, tanto el Polo Norte Celeste como el Polo Sur Celeste están identificados por dos puntos que delimitan el eje de rotación de la Tierra, por lo tanto, siempre están en el mismo sitio, permaneces estáticas.

Si incluimos la Estrella Polar (Osa mayor) en nuestra fotografía veremos que hay un punto fijo, y una serie de estrellas que giran alrededor. Es la mejor muestra que tenemos de que la Tierra gira sobre dicho eje imaginario. Lo mismo sucede con el Polo Sur.

Hemisferio norte

En función de la orientación obtenemos las siguientes trazas:

  • Norte: como hemos dicho, tendremos un punto fijo y el resto formando círculos. Cuanto más tiempo expongamos, mayor será la sensación de que tenemos círculos concéntricos.
  • Sur: Las estrellas crean arcos sobre el horizonte.
  • Este: En estos casos obtenemos estrellas que van en tres direcciones diferentes. Las más próximas al Ecuador van en línea recta. Las que encontramos a la izquierda crean una curva que se hace cada vez más vertical, y las que hay a la derecha se van curvando cada vez más.
  • Oeste: Sucede lo contrario que hacia el Este.

Los puntos cardinales Noreste, Sureste, Suroeste y Noroeste permiten obtener líneas curvas en una sola dirección.

Hemisferio sur

Sucede lo contrario que en el Hemisferio Norte.

  • Norte: Tenemos líneas curvas sobre el horizonte.
  • Sur: Obtenemos la Circumpolar.
  • Este y Oeste: lo mismo que sucede en el Hemisferio Norte pero al revés.

Por lo tanto, habrás visto cómo elegir la orientación adecuada generará trazas distintas. Cuando vayas a planificar tu fotografía, debes encontrar un buen elemento o sujeto y tener en cuenta la orientación para ver si los rastros de estrellas encajan en tu composición.


Elige un buen sujeto

Si empezamos a fotografiar al poco tiempo de la puesta de Sol captaremos luz en el cielo, pero también tendremos el resto de elementos iluminados. Aquí usé un tiempo de exposición de 10 minutos con un teleobjetivo a 147mm.

No basta con alargar la exposición y conseguir trazas muy largas. Las estrellas son un elemento muy interesante que ayuda a tu composición, pero normalmente no es el sujeto de tu foto, sino un elemento más.

Por ello, debemos buscar un sujeto interesante que encaje con las trazas de las estrellas. Los sujetos estarán en el primer plano, normalmente. Cuanto más cerca estén, más necesario es utilizar la hiperfocal para que esté todo enfocado, sujeto y estrellas.

Lo normal es que nuestro sujeto quede oscuro, puesto que no hay luz en el ambiente suficiente como para iluminarlo. Tenemos varias opciones para solucionarlo. Por ejemplo, podemos iluminarlo nosotros mismos con linternas o flashes. En estos casos debemos hacer varias pruebas y repetir cada paso hasta que consigamos la luz necesaria.

En estos casos donde aportamos luz, es importante seleccionar bien el balance de blancos de la cámara. Esto es porque la luz que utilicemos tendrá una determinada temperatura de color. Si configuramos un balance frío para conseguir un cielo azul, y una linterna de luz blanca para iluminar, dicha luz la veremos azul en la foto. Por ello, deberíamos ponerle un gel naranja a la linterna para compensar y que el sujeto lo veamos con una luz neutra.

Otra opción es aprovechar la luz de la Luna, pero hemos dicho que es mejor evitarla cuando fotografiamos estrellas. Si no es posible, entonces tendremos un aliado para conseguir una foto iluminada de una manera más compensada.

La luz de la Luna ilumina las paredes del valle de Ordesa junto a la Circumpolar.

También es posible aprovechar la luz que queda en el horizonte después del ocaso para que ilumine nuestro sujeto, por ejemplo, las montañas que se ven en la fotografía que hay más arriba.

Por último, el tipo de fotografías que me suelen gustar a mí es aquellas en las que el sujeto destaca por su silueta. No me gusta utilizar luz artificial, por lo que el sujeto queda a oscuras. Al igual que en un contraluz, la silueta de los elementos es la manera de mostrar el sujeto.


¿Es mejor realizar una larga exposición o varias fotos y juntarlas después?

Vemos cómo el balance de blancos afecta mucho en el resultado de la foto. Cuando hice esta foto el WB estaba demasiado cálido. Lo corregí después en Lightroom.

Hay dos maneras de realizar las trazas de estrellas: Hacer una única fotografía o varias fotografías y juntarlas después.

Si hacemos una sola fotografía la cámara estará exponiendo durante todo el tiempo de exposición. Cuando vuelvo a casa tengo pocas fotos, debido al largo tiempo que lleva hacer cada una de ellas (por eso me gusta tanto la fotografía nocturna).

La otra manera es la de disparar muchas fotos con el fin de ir captando el movimiento de las estrellas. Esto supone que al volver a casa tenemos muchísimas más fotos, las cuales juntaremos después con un software para obtener el archivo final.

Cada método tiene sus ventajas y desventajas.
Si hacemos una larga exposición.

  • Disparar una sola toma ahorra espacio en el disco duro.
  • Una sola fotografía durante mucho tiempo genera un sobrecalientamiento en el sensor, con lo que el ruido aumenta.
  • Si algo falla perdemos la foto, como por ejemplo, que se acabe la batería, encendamos una luz que entre en nuestro encuadre, un tropiezo, etc...

En el caso de disparar varias fotos.

  • Podemos elegir cómo de larga será la traza de la foto final, es decir, si he estado haciendo fotos durante 2 horas, al juntarlas después, puedo seleccionar solamente 1h.
  • Si algo falla, lo más probable es que no pase nada porque tengo muchas fotos. Podemos eliminar aquellas que no nos gusten.
  • Lo malo es que vamos a llenar el disco duro si hacemos muchas fotos de esta manera, sobre todo, teniendo en cuenta que disparamos en RAW.
  • La contaminación lumínica no afecta tanto al disparar varias fotos.
  • El sensor se calienta menos.

Para juntar las fotos podemos utilizar un programa llamado startrails. El programa las apila y genera un único archivo final.


Los preparativos

El modo Bulb es imprescindible, así como aumentar el ISO y abrir el diafragma lo que pueda.

Ya hemos dado varias pistas a lo largo del artículo, pero ahora voy a explicar cuál es el proceso desde cero para configurar la cámara y obtener las trazas de estrellas.

Imaginamos que ya tenemos la localización y el encuadre, sólo hay que llegar si situar el trípode en su sitio. Encuadramos con ayuda de una linterna, enfocamos directamente al sujeto o utilizamos la hiperfocal (yo recomiendo esta opción) y por lo tanto ya podemos poner el enfoque del objetivo en manual.

Esto último yo no lo hago nunca por una sencilla razón, y es que mi cámara tiene disociados el enfoque y el disparo en dos botones independientes. Esto me permite disparar sin preocuparme de que el foco se pierda. No todas las cámaras permiten esta función, pero te recomiendo que te leas el manual y lo averigües, ya que una vez lo pruebas no lo cambiarás.

Como vamos a hacer largas exposiciones necesitaremos el cable disparador o intervalómetro. Otro parámetro que se suele cambiar es el balance de blancos. Para conseguir que el cielo tenga ese tono azulado puedes poner una temperatura entre 3000k y 3500k aproximadamente, según gustos. No te preocupes porque estás disparando en RAW y lo puedes modificar después.

Asegúrate de que has desconectado el estabilizador de imagen. Sobre un trípode no tiene sentido y el efecto puede ser el contrario. Si usas el filtro UV ya lo puedes ir quitando, ya que lo único que va a hacer es reducir la calidad de la imagen.

Ya he hablado antes de la reducción de ruido en cámara. Es una opción que la mayoría de cámaras tienen pero el uso es algo personal. Yo no lo uso nunca, sin embargo, si usas un ISO muy alto igual necesitas activar la reducción de ruido. Eso sí, recuerda que si expones durante 1 hora, la cámara tardará 1 hora más en reducir el ruido.

Asegúrate de que la batería está cargada a tope. Cuando haces largas exposiciones, la batería se gasta con rapidez. A veces, cuando sé que voy a hacer exposiciones de más de una hora lo que hago es poner el grip, el cual me permite poner dos baterías.


El proceso para tomar una sola foto

Las estrellas crean arcos sobre el Arrecife de las Sirenas. En esta ocasión, la forma de las estrellas ayudan a enmarcar mi sujeto, favoreciendo la composición y el mensaje.

Vale, ya está todo listo, pero ahora nos falta lo más importante y es configurar los parámetros de la exposición. Como siempre que vamos a hacer una fotografía es necesario medir la luz, en este caso es complicado porque apenas hay luz, así que lo que haremos serán varias pruebas.

La idea es hacer una foto rápida, subiendo mucho el ISO para obtener una exposición correcta, que nos guste. Vamos probando con diferentes tiempos de exposición, por ejemplo, 5 segundos, 10 segundos hasta tener la exposición correcta. Además, con esta foto conseguimos ver si nuestro encuadre es correcto y si tenemos enfocado nuestro sujeto.

A partir de ahí aplicaremos la ley de la reciprocidad para ir bajando el ISO y por lo tanto, aumentando el tiempo de exposición. El diafragma lo dejamos fijo por ahora.

Cuando vamos a hacer una larga exposición tenemos que saber cuánto tiempo queremos exponer, ¿10 minutos? ¿30 minutos? ¿1 hora? . Al aplicar la reciprocidad iremos bajando el ISO y por lo tanto el tiempo irá aumentando. Es más fácil verlo con un ejemplo.

Como decía, llego, planto el trípode y no veo nada porque está oscuro, así que subo el ISO a 6400 o incluso más. Abro el diafragma al máximo, por ejemplo, f/2.8, y pongo 30 segundos de exposición. Si estamos en un lugar sin contaminación lumínica lo más seguro es que con estos parámetros ya tengamos una exposición más que correcta.

Bien, comprobamos que la foto nos gusta, que está todo enfocado y lo más importante, que la exposición es correcta. Lo comprobamos mirando el histograma. En fotografía nocturna no se derechea, es decir, no tenemos que dejar el histograma tocando el extremo derecho porque apenas hay luz, y la poca luz que hay es la de las estrellas.

Ahora cogemos la calculadora de Photopills y le decimos que queremos calcular la velocidad de obturación equivalente. Introducimos los parámetros que tenemos en la cámara donde pone Ajustes de prueba, con la cual hemos hecho la foto. Según el ejemplo, pondríamos f/2.8, 30s e ISO 6400.

Debajo vemos que nos aparecen unos Ajustes equivalentes. Ahí es donde pondremos los parámetros que queremos usar para hacer nuestra foto de trazas de estrellas. Lo normal es poner el mismo diafragma, por lo tanto ponemos f/2.8. El otro parámetro que nos deja configurar es el ISO, el cual iremos bajando. Si ponemos ISO 3200 veremos que en naranja nos pone que la velocidad de obturación es de 1 minuto. Normal, puesto que si reducimos un paso el ISO, la velocidad tiene que aumentar un paso también, de ahí que pasemos de 30 segundos a 1 minuto, el doble de luz.

Seguimos bajando hasta llegar a ISO 100. Esto nos da un tiempo de exposición de 32 minutos. Si queríamos hacer una exposición de 15 minutos, debemos subir el ISO a 200 para que el tiempo de exposición que nos dé sea de 16 minutos.

Ahora imaginar que queréis exponer 1 hora. Pues es tan fácil como restar luz al sensor bajando el ISO. Pero lo mínimo que podemos bajar es a ISO 100 y el tiempo llegaba solamente a 32 minutos. La solución está en cerrar el diafragma. Si cerramos un paso y ponemos f/4, el tiempo de exposición será de 64 minutos, es decir, 1 hora y 4 minutos, lo que buscábamos. Si queremos exponer 2 horas cerraremos a f/5.6.

¿Quién te iba a decir que en fotografía nocturna ibas a hacer una foto con f/5.6?

Al aplicar la ley de la reciprocidad con una calculadora te aseguras de que la exposición de tu foto será la misma que la foto de prueba, siempre que la luz no cambie, y por la noche la luz no cambia.


El proceso para hacer una larga exposición con muchas fotos

Bien, si no disponemos de una cámara que soporte bien los ISO altos o simplemente preferimos hacer muchas fotos en vez de sólo una, estos son los pasos a seguir.

Al igual que antes, podemos hacer una foto rápida, subiendo el ISO, abriendo el diafragma y poniendo un tiempo de exposición al azar, por ejemplo 5 segundos. Aunque la foto tenga mucho ruido, podemos ver si el encuadre está bien, si tenemos todo enfocado y si debemos corregir la exposición.

Si se nos ha quedado oscura aumentamos el tiempo de exposición. Normalmente el tiempo de exposición no suele superar los 20 o 30 segundos, siempre que utilicemos un diafragma f/2.8 y un ISO de entre 1600 y 6400.

Una vez tenemos la foto lo único que tenemos que hacer es configurar el intervalómetro. Aquí no sirve un cable disparador. Tenemos que configurar en el intervalómetro el tiempo de exposición de cada foto, el intervalo entre una foto y otra y el número de fotos que vamos a hacer.

La aplicación de Photopills nos puede servir para hacer todos estos cálculos, sobre todo el de cuántas fotos necesitamos. Además, es muy práctico para saber si tenemos suficiente espacio en la tarjeta de memoria. Yo recomiendo vaciarla antes de salir. Veámoslo con un ejemplo.

Imaginar que los parámetros correctos son f/2.8, 25s ISO 3200. Para saber cuántas fotos haremos tenemos que saber el tiempo que queremos estar haciendo fotos. Pongamos que son 2 horas.

En el intervalómetro tendríamos que poner que las fotos durarán 25 segundos y que entre foto y foto vamos a dejar 2 segundos. Este tiempo permite almacenar correctamente la foto en la tarjeta (por si acaso la tarjeta es lenta) y de paso el sensor se enfría un poco.

Falta saber el número de fotos y para ello entramos en la opción Time lapse de Photopills. Allí ponemos que la duración de la foto total será de 27 segundos (25 de exposición más 2 entre foto y foto). El tiempo total será de 2 horas. Por último, hacemos una foto y vemos cuánto espacio ocupa en Megabytes, el cual introduciremos en la aplicación. Imaginemos que son 20MB.

Si introducimos todos los datos veremos que el número total de fotos será de 267, con lo que ocuparemos 5,21GB.

Ahora sólo es cuestión de esperar, así que te recomiendo no ir sólo para no aburrirte. La otra opción es llevarte una silla y algo para entretenerte, como un libro o la tablet para ver pelis, ;-).


Fusionando las fotos en el ordenador

Vemos una captura del programa Startrails, donde vemos la cantidad de fotos seleccionadas que, una vez unidas, generan la foto final con la traza completa.

Para unir las fotos y crear una sola imagen necesitamos un programa. El más conocido es StarTrails pero hay más opciones, como por ejemplo StarStaX.

El proceso es sencillo. Simplemente tienes que revelar la primera foto, por ejemplo, en Lightroom. Sincronizas el revelado de la primera foto al resto. Después, exportas todas las fotos al formato de archivo que quieras, por ejemplo JPEG.

Estos archivos serán los que importes en el programa que automáticamente creará la foto final con la traza resultante. Este programa incluye la funcionalidad de rellenar espacios vacíos que hayan quedado.


Revelando las fotos en Lightroom

Así es cómo salió la foto en la cámara. Tendría que haber corregido un poco más el WB pero ya lo haré en el procesado a mi gusto.

Ya hemos hecho todo lo necesario para obtener la foto, pero ahora llegamos a casa y falta darle el toque final.

Para procesar la fotografía voy a utilizar Adobe Lightroom. Para ello, importo la fotografía y le aplico mis ajustes básicos que seleccionan el perfil de cámara que utilizo normalmente (Fiel), corrige el perfil de lente (para cada objetivo aplica su propio perfil) con el fin de eliminar el viñeteo de las esquinas.

Ahora modificaremos el Balance de Blancos porque el cielo está demasiado cálido. Bajamos la temperatura hasta 3478k y subimos un poco el matiz. La exposición se ha quedado un poco oscura, así que se la subimos (+0,56). Vamos a aumentar los Blancos para conseguir que la montaña y las estrellas cojan más luz (+0,53). Estos ajustes variarán en función de cada fotografía, del tipo de luces que tiene, de la exposición que tenga la foto, etc..

La foto va tomando forma y apenas quedan unos pocos pasos. El siguiente es modificar el tono amarillento que tiene la montaña. Este color lo coge por la contaminación lumínica de la ciudad que hay detrás de mí. Para ello, voy a tratar de conseguir un tono más anaranjado, parecido al que tiene la montaña durante el día.

Este color anaranjado es más parecido al color real de la montaña.

Esto lo hago en el panel HSL, en el apartado Tono. Modifico el control Naranja y Amarillo. El azul del cielo lo podemos hacer un poco más morado (+5) para que encaje mejor con el color de la montaña.

Para finalizar tengo que revisar el posible ruido que pueda tener. En este caso, como he disparado a ISO 200 no aprecio ruido. Para saber si nuestra foto tiene ruido hay que hacer zoom al 100%. Si vemos mucho grano (puntitos) entonces debemos reducir el ruido con el control Luminancia, en Detalle.

Al principio puede parecer más complicado de lo que es en realidad. Simplemente hay que seguir los pasos, pero sobre tener una idea. A partir de ahí hay que organizarse y planificarlo todo lo mejor posible, eligiendo el día más propicio. A veces saldrá bien, otras no tanto, pero hay que salir y tropezarse con la piedra una y otra vez hasta que nos salga.

Sergio Arias Ramón, fotógrafo profesional especializado en viajes y naturaleza. Formación autodidacta centrado en la composición. Apasionado del blanco y negro donde encuentra su visión más personal. Puedes seguir sus trabajos en sergioariasfotografia.es y en facebook, twitter o instagram.
Categorías: Fotografía

Cómo realizar dobles exposiciones con Adobe Photoshop

Xatakafoto - Jue, 19/10/2017 - 19:01

En los tiempos antiguos, en los que algunos que todavía estamos por aquí usábamos cámaras de carrete, jugábamos a hacer dobles exposiciones con montajes tipo sándwich con nuestras diapositivas o bloqueando el arrastre de la película o por simple olvido con las máquinas más antiguas. Era una lotería. Pero hoy, gracias a Adobe Photoshop, podemos hacer dobles exposiciones perfectas sin miedo a perder una sola fotografía.

Es una técnica que está de moda. Basta con dar un vistazo por las redes sociales para darse cuenta de su popularidad. Seguramente llegará el momento en el que se terminará olvidando, y como todo en este mundo, nos quedaremos con el recuerdo de las mejores que se han hecho. Así que vamos a ver cómo hacemos las dobles exposiciones digitales con la ayuda de Adobe Photoshop y sus modos de fusión.

Primeros pasos

Como siempre que queremos hacer un montaje de estas características hay que buscar dos fotografías que conjuguen perfectamente. No vale cualquiera, sobre todo si nuestra intención es jugar con el mensaje que queremos trasmitir. Siempre se tiende a la melancolía o al espectáculo natural, pero no es mal momento para trasmitir historias contradictorias con este truco visual.

Para que quede más espectacular, menos confuso y más limpio lo mejor es una fotografía con el fondo blanco y otra con el paisaje en cuestión: un bosque, el mar, un atardecer... aquí se trata de comunicar un sentimiento, así que lo mejor es jugar con una imagen tranquila. Pero se acerca el día de los muertos y a lo mejor podemos hacer algo más misterioso... Eso sí, es importante que la foto del paisaje sea bastante oscura en contraste con la imagen del retrato.

Si no tenemos fotografías con el fondo blanco, siempre podemos seleccionar a la persona o al objeto y recortarla. Y encima que ahora tenemos las importantes mejoras de selección en Adobe Photoshop, todo será mucho más fácil. En mi caso voy a utilizar un retrato que hice al escritor Eduardo Galeano y un paisaje melancólico y frío.

La selección en Colección rápida

Las fotografías pueden ser en color o en blanco y negro. No podemos olvidar que estamos en un juego de experimentación, y que hasta el último momento no podemos decidir qué es lo que mejor queda. A no ser que sea un proyecto con el que llevamos tiempo y en el que tenemos muy claro lo que queremos hacer.

Cómo hacer las dobles exposiciones

Como siempre, voy a detallar paso por paso para conseguir que todos los que lo pongáis en práctica logréis de la forma más sencilla vuestra doble exposición:

  1. Yo he seleccionado ambas fotografías en Adobe Lightroom Classic (madre mía qué lío vamos a tener ahora para diferenciar uno de otro) y las he marcado como Colección rápida para tenerlas juntas en una carpeta virtual. Solo tienes que tener el archivo seleccionado en el módulo Biblioteca y hacer clic en su esquina superior derecha, justo donde aparece un círculo. O bien dar a la tecla B.
  2. A continuación vamos a la pestaña Catálogo del módulo Biblioteca y accedemos a la colección rápida que allí veremos. Seleccionamos ambos archivos y vamos al menú Fotografía>Editar en>Abrir como capas en Photoshop.
  3. Todo depende del tamaño en píxeles de nuestras fotografías. En este caso una salió de la Canon EOS 30D y la otra fue un parto de la 5D. Si os soy sincero, la primera vez que lo hice no era consciente, pero tengo que reconocer que el resultado me ha encantado. En la parte superior de la ventana Capas colocaremos el retrato. Y en la inferior el paisaje. Aunque vuelvo a recordar que esto es un juego, así que podemos experimentar moviendo las capas a nuestro antojo.
  4. Y es el momento de la magia. Marcamos la capa superior y cambiamos su modo de fusión a Trama. Empezamos a ver la luz al final del túnel. Es verdad que la imagen ha perdido contraste, pero es el principio del fin. Este modo de fusión compara los píxeles de ambas capas y enseña solo los más claros.
  5. Como ya podemos ver las fotografías mezcladas, ahora podemos mover el archivo superior con la herramienta Mover (V) para que la superposición sea de nuestro gusto. También podemos jugar con su tamaño en Edición>Transformación libre (Ctrl+T) para lograr la imagen que hemos soñado.
El resultado final

Espero que os animéis a hacer este curioso truco fotográfico y que seáis capaces de conseguir resultados interesantes... Todo depende de las fotografías elegidas.

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La noticia Cómo realizar dobles exposiciones con Adobe Photoshop fue publicada originalmente en Xataka Foto por Fernando Sánchez .

Categorías: Fotografía

Lee Reverse ND Filters, nuevos filtros degradados neutros inversos para mejorar nuestras fotos al amanecer y atardecer

Xatakafoto - Jue, 19/10/2017 - 15:01

Filtros hay de muchos tipos y clases, pero los reverse neutral density o filtros de densidad neutra degradados invertidos seguramente son de los menos conocidos. Por ello, el fabricante Lee Filters ha presentado una gama de este tipo para sus sistemas de filtros cuadrados orientados a los fotógrafos que quieren obtener mejores resultados en sus tomas cuando el sol se encuentra muy cerca del horizonte.

Es decir en amaneceres y atardeceres, situaciones en las que es complicado controlar la exposición para que la luz del sol esté equilibrada con el resto de la imagen. Normalmente para este tipo de fotografías se ha usado un filtro graduado de densidad neutra tradicional que hacía que el cielo en la parte superior del marco apareciera muy oscuro y, por tanto, con un aspecto muy poco natural.

Comparativa de una toma con y sin filtro

Por ello la norteamericana Lee ofrece esta solución en forma de un filtro que es más denso en el centro que en la parte superior. Esto permite al fotógrafo controlar mejor la exposición a medida que el sol se asienta en el horizonte. La diferencia entre los LEE Reverse ND y otros productos similares es “el control sobre la densidad”, según la marca, que afirma que muchos filtros similares dan peores resultados ya que tienen una “raya” muy oscura en el centro que se desvanece muy rápidamente y cuyo efecto puede aparecer en la imagen final. Por contra, “el proceso de fabricación de los filtros LEE implica que la transición entre las áreas teñidas y claras del marco es extremadamente suave y gradual, dando un resultado natural y agradable”.

Los nuevos filtros de densidad neutra invertidos está disponibles para los sistemas Lee Seven5, 100mm y SW150, y en versiones de 0.6, 0.9 y 1.2 ND, que equivale a dos, tres y cuatro diafragmas (respectivamente) y hace alusión a la densidad en el centro del filtro. Además, los Reverse ND están diseñados para funcionar de forma más efectiva con ópticas de 24 mm en adelante.

En cuanto al precio, los filtro ND invertidos para el sistema Seven5 tienen un coste de unos 91 euros cada uno, los del sistema de 100 mm unos 127 euros, y los del sistema SW150 unos 140 euros (precios aproximados al cambio actual y antes de impuestos).

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Categorías: Fotografía

Nikon D850, análisis: la réflex total

Xatakafoto - Jue, 19/10/2017 - 12:20

A finales del pasado mes de julio, con motivo del centenario de la marca, Nikon quiso adelantar un anuncio importante. Se trataba del inminente lanzamiento de una ambiciosa y nueva réflex: la Nikon D850. Venía a relevar a la D810 y parece que quería marcar un hito en tan importante momento para el fabricante japonés. Justo un mes después, cuando finalizaba el mes de agosto, llegaba el anuncio oficial donde descubrimos todas sus características. Y su enorme ambición. Ahora Nikon no quería guardarla en secreto para sorprender, ya lo había adelantado a modo de teaser, porque estaban muy seguros que eso haría despertar mayor interés si cabe.

Y así fue. Nikon llegaba para mostrar su mejor cara, ya que lanzamientos anteriores no habían conseguido ser tan positivos y en plena batalla con el auge imparable de las cámaras sin espejo, con amenazas claras como la reciente Sony A9 en liza. Ante esta situación Nikon ha sacado pecho para hacer lo que mejor sabe hacer. Una DSLR potente, completa, veloz, con la última tecnología y que quiere alzarse como una especie de réflex total. Hemos podido probarla para comprobar si se trata, o no, de una de las cámaras del año.

Ha sido diseñada con prestaciones muy completas, con mucha versatilidad

La Nikon D850 quiere pasar página en la gama alta, ofrecer una réflex muy competitiva, diseñada y pensada para profesionales y entusiastas de la gama alta, pero con un marcado carácter polivalente. No quiere limitarse a ser una cámara para fotógrafos de naturaleza o para deportes o de reportaje social o desenvolverse mejor como cámara de estudio. Quiere estar en todos los frentes. Ha sido diseñada con prestaciones muy completas, con mucha versatilidad y eso hace que brille en muchos escenarios, como hemos podido comprobar.

Nikon D850, principales características

Su nuevo sensor full frame, retroiluminado y con una resolución elevada de 45,7 megapíxeles, es la base de esta D850, pero tiene más características que la completan que merece la pena repasar en detalle:

Montura

FX de Nikon

Sensor

CMOS FX de 35,9 mm x 23,9 mm con 45,7 millones de puntos

Procesador

EXPEED 5

Sensibilidad ISO

De ISO 64 a ISO 25.600 (32-102.400 ISO ampliado)

Visor

Pentaprisma con 0,75x

Pantalla

8 cm pantalla LDC sensible al tacto con inclinación diagonal y un ángulo de visión de 170°, una cobertura del encuadre del 100 % aprox. y control manual de brillo de la pantalla Resolución: aprox. 2 359 000 puntos (XGA)

Enfoque automático

Módulo de sensor del autofoco Multi-CAM 20K con detección de fase TTL, ajuste de precisión y 153 puntos de enfoque (incluidos 99 sensores en cruz y 15 sensores compatibles con f/8), de los cuales 55 (35 sensores en cruz y 9 sensores f/8) están disponibles para seleccionar

Velocidad de obturación

1/8000 a 30 s, en pasos de 1/3, 1/2 o 1 EV, Bulb, Time y X250

Velocidad de disparo

Hasta 9 fps (Con una batería EN-EL18b insertada en un pack de baterías MB-D18)

Conexiones

USB de alta velocidad con conector USB Micro. Conector HDMI de Tipo C. Toma estéreo de minicontactos. Terminal remoto de diez contactos. Wi-Fi y Bluetooth

Vídeo

3840 x 2160 (4K UHD); 30p (progresivo), 25p, 24p 1920 x 1080: 60p, 50p, 30p, 25p, 24p 1280 x 720: 60p, 50p 1920 x 1080 (cámara lenta): 30p x4, 25p x4, 24p x5

Dimensiones (An x Al x F)

aprox. 146 x 124 x 78,5 mm

Peso

aprox. 1.005 g

Precio

3.800 euros

Diseño y ergonomía

Es el apartado donde menos nos sorprende. Es una réflex que sigue la línea habitual de Nikon, sin muchas novedades ni sorpresas. Muy similar a la D810. Pero esto no quiere decir que no tenga detalles muy destacables. Ya que su construcción sólida con aleación de magnesio se aprecia enseguida que la tenemos en las manos.

Encontramos un nuevo control para el AF, en el frontal, a modo de pequeña palanca que es bienvenido, aunque nos resulta excesivamente diminuto (aunque su ubicación es buena y es fácil localizarlo) cuando se está trabajando sin perder detalle por el visor.

Su agarre se ha mejorado, pero sigue siendo una réflex pesada (1 kg)

El grip o agarre parece algo mejorado con respecto a la D810, en aras de ser más cómoda para los que tienen que trabajar con ellas durante largas horas. Con todo cabe destacar que su peso es elevado y si lo combinamos con un objetivo grande, la combinación hace que, aunque cómodo de manejar, el peso se resienta tras un buen rato trabajando con ella. Para los que gusten de cámaras sólidas y fuertes, la Nikon D850 cumple perfectamente. Pero, hoy en día, sabemos que la tendencia es buscar la máxima ligereza, el cuerpo compacto y no es el caso con este modelo. Aunque, repetimos, es más cuestión de gustos. Se trata de una réflex pesada con todo lo que conlleva.

Cuenta con un cuerpo sellado que también asegura el fabricante se ha mejorado. La sensación es que se trata de una cámara diseñada para soportar un trabajo intenso en cualquier escenario. Y que es una cámara duradera, que no ofrece resquicios de debilidad o que pueda degradarse con un uso intensivo. Está claro que la inversión del profesional está bien cubierta en este aspecto (aunque para constatarlo habría que pasar con ella muchas más horas de las realizadas para este análisis).

Otro detalle destacable en su diseño es la desaparición del flash integrado para otorgarle precisamente mejor robustez, y acompañarlo de un visor óptico enorme y de una calidad sobresaliente. Y también muy optimizado para fotógrafos que utilicen gafas.

En el resto, encontramos los controles habituales de Nikon, bien construidos y claros, aunque requiere de cierta curva de aprendizaje para asimilar un manejo ágil, especialmente quien venga de modelos inferiores (y de otras marcas). Por resaltar algún defecto, no nos ha gustado ni la ubicación ni el tamaño del indicador del tipo de medición en la pantalla superior. Está relegado a la esquina superior izquierda, tan ajustado que dificulta mucho su visión incluso con la pantalla encendida o a plena luz. Siempre podemos acudir a la info en la gran pantalla trasera, pero este es un detalle a mejorar.

La Nikon D850 tiene doble ranura para tarjetas de memoria, siendo una de ellas para tarjetas XQD. Toda una apuesta por este tipo de almacenamiento que aún tiene que expandirse más.

En cuanto a la pantalla trasera, es basculante, cómoda para vídeo o captura de fotos en ángulos difíciles, con una gran resolución, de enorme calidad. Además, hay que unir que posee capacidad táctil mejorada. Esto es, que podemos activarlo para enfocar y disparar con solo tocar la pantalla cuando estamos en modo live view. Y funciona con gran precisión.

Un sensor sensacional

Como indicamos, la incorporación de su nuevo sensor la convierte en una cámara que apunta a altas cotas. Un sensor retroiluminado (BSI) que permite aprovechar mucho mejor la luz, es más eficiente y con mejor rendimiento en toda su superficie. Algo que se nota desde el primer disparo. La calidad está ahí, su sensor es “pata negra”.

También incorpora una sensibilidad baja de 64 ISO (como en la D810) y un rango dinámico muy elevado. Tanto como para competir sin complejos con cámaras de formato medio (como la Fujifilm GFX 50S o Pentax 645Z).

Para aumentar aún más su calidad de captura, el sensor de la D850 no tiene filtro anti-aliasing, mejorando así la nitidez y detalle que ofrece su alta resolución. También requiere trabajar con objetivos de máxima calidad para poder extraer todas sus posibilidades. Eso sí, quizás podamos encontrar ciertos problemas de “moiré”. En las pruebas solo en una ocasión hemos visto cierta dificultad, pero tampoco demasiado acusado.

El enfoque automático

Cuenta con un procesador dedicado al autoenfoque lo que permite obtener grandes resultados

Es uno de los aspectos claves para una cámara destinada a exigirle lo mejor en fotografía de naturaleza, deportes, acción o reportaje social. Para ello, cuenta con un sistema AF de 153 puntos con 99 puntos de tipo cruz. El mismo sistema de la Nikon D5. Con lo que Nikon deja clara que su intención es que esta cámara pueda ser una opción para muchos más fotógrafos y que, incluso, sea perfectamente apta para usuarios que piensen en la D5.

Además, el sistema AF mejora la cobertura del encuadre en un 30% respecto a la D810 y al contar con un procesador dedicado al autoenfoque consigue un gran resultado en enfoque de seguimiento incluso en disparo continuo.

Con todo, en cuanto a funcionamiento la verdad es resulta muy efectivo en casi cualquier situación. Eso sí, recomendamos utilizar los objetivos más avanzados en cuando a AF para sacarle todo el rendimiento. En las pruebas, con el AF-S NIKKOR 50mm f/1.4G hemos tenido varios problemas de enfoque, pero ya sabemos que éste no es de los más ágiles en este terreno.

La Nikon D850 en diferentes escenarios

Como venimos indicando, la D850 está concebida para rendir muy bien en diferentes tipo de escenarios. Su polivalencia la hacen perfectamente apta para un amplio espectro de fotógrafos. Desde naturaleza a deportes, de bodas a estudio… y para confirmarlo la hemos puesto a prueba en diferentes escenarios.

Paisajes Con Nikon D850 @ 1/125s; f/16; ISO 100

El modo live view esconde una sorpresa: opción para silenciar el disparo

Su resolución es un valor adicional muy valorado para los fotógrafos de paisajes y naturaleza. Ya que se puede conseguir brillantez y nitidez en los detalles. El rango dinámico es otro de sus aspectos fuertes, así que disparando a plena luz, en escenas con fuertes contrastes, la cámara responde muy bien. Incluso en paisajes urbanos con combinación de luces artificiales o en escenas nocturnas. Su baja sensibilidad de 64 ISO es otro punto a favor en escenas con buena luminosidad. Por supuesto, su cuerpo sellado nos da una gran garantía a la hora de trabajar en la naturaleza, a prueba de salpicaduras, polvo…

Con Nikon D850 @ 1/160s; f/10; ISO 400 Con Nikon D850 @ 1/500s; f/2.8; ISO 100

Una ventaja añadida se esconde en su modo live view: cuenta con una opción para silenciar el disparo. Y es que cuenta con una cortinilla electrónica que nos permite hacer una captura totalmente silenciosa. Es un detalle muy interesante y del que se puede sacar mucho partido en escenas donde requerimos de máxima discreción.

Acción y deportes

El potente sistema de enfoque es una garantía para este tipo de fotografías. Además, el AF de seguimiento mejora a la D810 y está cerca del nivel de la D5 y esto es mucho decir. Por tanto, la D850 se desenvuelve muy bien con escenas de acción y deportes donde se requiere un enfoque preciso con sujetos en movimiento. Además, podemos combinarlo con la potente ráfaga de disparo de 7 fps. Las hay más veloces, y aquí podemos aumentarlo a 9 fps si usamos un grip.

Con Nikon D850 @ 1/160s; f/2.8; ISO 12.800

También, si necesitamos, podemos reducir la resolución, para aumentar el número de fotos consecutivas que es capaz de captar sin soltar el disparador. En todo caso, aquí es donde se aprecia la apuesta por el almacenamiento en tarjetas XQD. A falta de probar el cuerpo de la D850 con un objetivo más específico para esta disciplina, la cuestión es que parece que está muy bien dotada y responde del mismo modo.

Retrato y estudio

Como ya ocurría con la D810, se trata de una cámara que es perfectamente válida para trabajar en estudio. Así como para fotógrafos de moda y retrato en exteriores. Su enorme resolución, su capacidad para trabajar en ISO 64 y su cuerpo manejable, nos permite mucha polivalencia para este tipo de fotografía.

Con Nikon D850 @ 1/125s; f/10; ISO 64. Con luz de flash.

En las pruebas realizadas en estudio con luz de flash, los resultados son notables. Y a la hora del post-procesado sus más de 45 megapíxeles permiten extraer muchos detalles.

Con Nikon D850 @ 1/125s; f/10; ISO 64. Con luz de flash. Con Nikon D850 @ 1/125s; f/10; ISO 64. Con luz de flash.

El AF automático ha funcionado perfectamente en los retratos de estudio, pero si necesitamos mayor precisión, podemos hacer uso del ajuste fino en combinación con la elección del punto de enfoque, que nos resolverá escenas más complejas o donde necesitemos (o si usamos trípode, podemos trabajar en modo live view y la capacidad táctil con gran fiabilidad).

Reportaje y eventos

Es una cámara especialmente interesante para fotógrafos de bodas y eventos

Es una cámara especialmente interesante para fotógrafos de bodas y eventos. Enfoque preciso, velocidad, gran resolución, ISO mínimo… todo lo mencionado anteriormente también aplica para este tipo de fotografía y resuelve muy bien. Es una cámara fiable. Además, si tenemos que trabajar con luz natural en interiores, podemos apostar por sensibilidades altas sin obtener imágenes con ruido excesivo. Esto está también muy bien resuelto. El sensor aquí brilla también notablemente.

Con Nikon D850 @ 1/500s; f/8; ISO 64.

Un detalle a considerar es su alta capacidad de autonomía. La D850 está muy bien optimizada y se le puede extraer a su batería cerca de los 1.800 disparos, mejorando la de la D810 que se quedaba en 1.200. Esto es una mejora notable que nos da muchas garantías para este tipo de reportajes y en eventos.

Con Nikon D850 @ 1/40s; f/9; ISO 900.

Eso sí, aquí no se puede olvidar que es una cámara pesada y que según con qué objetivo, la combinación se hace una carga notable si se trabaja con ella durante varias horas. Es el precio a pagar por la DSLR frente a las cámaras sin espejo que están tomando más terreno en este género fotográfico.

Vídeo

Otro apartado en el que la Nikon D850 cumple con nota. Está muy bien equipada en este sentido, siendo la primera de la marca en tener capacidad 4k en todo el sensor. Varias opciones personalizables, incluso un modo de cámara superlenta que ofrece buenos resultados generales. El uso de la pantalla basculante y táctil, ayuda a la comodidad. Sin olvidar, nuevamente, que su peso es notable. Pero el hecho de contar con posibilidad de almacenamiento en tarjetas XQD se agradece para los videógrafos que apuesten por ello, aunque hay opciones específicas más completas, esta Nikon resuelve bien en grabación de vídeo.

Calidad y rendimiento Con Nikon D850 @ 1/1.000s; f/11; ISO 280.

Cuenta con un sensor que se antoja entre lo mejor del mercado

Con todo lo comentado anteriormente no cabe duda que Nikon ha realizado un gran trabajo con esta cámara. Especialmente con un sensor que se antoja entre lo mejor del mercado y que ofrece una calidad y rendimiento elevadísimos (en la popular web DXO Mark la han calificado con la nota más alta hasta el momento).

Su alta resolución la convierte en una cámara que compite directamente con la Canon EOS 5DS R, pero también con cámaras de formato medio como la Fujifilm GFX 50S. También ocurre lo mismo con sus niveles de ruido. Su resultado en altas sensibilidades es excelente, superando a la mencionada Canon y, por supuesto, a la D810, especialmente gracias a la tecnología retroiluminada del sensor, que en las escenas con poca luz es donde mejor se aprecia.

Con Nikon D850 @ 1/200s; f/2.8; ISO 12.800

Y no podemos olvidarnos de su ya mencionada capacidad para disparar a ISO 64, que es algo muy diferencial, logrando resultados espectaculares en escenas con buena luz. Y si subimos la sensibilidad también encontramos unos resultados fantásticos, al menos hasta 6.400 ISO (que mejora ligeramente a la D810), aunque hemos disparado sin temor a valores más altos y no nos ha disgustado. Recordemos que permite alcanzar hasta 25.600 de forma nativa.

Con Nikon D850 @ 1/60s; f/2.8; ISO 3.600 Con Nikon D850 @ 1/400s; f/8; ISO 64. Nikon D850, la opinión de Xataka Foto

Podemos afirmar que se trata de una de las mejores cámaras réflex que se han fabricado hasta el momento

Estamos ante una de las mejores cámaras réflex que se han fabricado. Todas las expectativas que Nikon puso sobre el papel cuando anunció su lanzamiento oficial se han cumplido. Está claro que en Nikon han realizado un trabajo muy intenso y exhaustivo para olvidar capítulos del pasado con modelos de esta gama alta. Aprovechando su centenario querían sorprender haciendo lo que mejor saben.

Y aunque la amenaza y competencia es muy dura, tanto en otros modelos DSLR como, sobre todo, en cámaras sin espejo, Nikon ha querido demostrar todo el potencial que aún puede ofrecer una réflex de máximo nivel. Es incuestionable que la calidad de su sensor es su principal característica, pero resulta que se trata de una cámara tremendamente polivalente (algo muy necesario para poder competir en más terrenos), potente, bien construida y que no decepciona en absoluto, en ningún aspecto. Todo lo que hace, lo hace bien.

Solo podemos decir que se trata de, precisamente, una réflex. Con su gran peso y volumen. Esto no es algo baladí para el sector profesional. Antes no había más remedio que conformarse con este handicap a cambio de un gran rendimiento. Ahora hay opciones igualmente competitivas por la mitad o menos del peso y volumen. Así que la decisión porqué apostar queda en manos de cada uno. Pero está claro, que en términos de calidad, rendimiento y resultados, esta Nikon D850 es una réflex total. Y con un precio elevado (unos 3.800 euros), pero razonable para todo lo que ofrece a un profesional o a quien guste de la gama alta.

nikon-d850

En Flickr | Galería a toda resolución

La nota de la Nikon D850 en Xataka Foto

9.0

Características9 Diseño y ergonomía8.5 Controles e interfaz8.5 Rendimiento9.5 Calidad de imagen9.7 A favor
  • Un sensor sensacional
  • Gran rendimiento a alta sensibilidad
  • ISO 64 nativo es un plus
  • Cuerpo sellado y muy robusto
  • Gran autonomía
En contra
  • Apostar por almacenamiento XQD es arriesgado aún
  • Aplicación móvil Snapbridge es muy mejorable y peor que la competencia
  • Se aprecia efecto rolling shutter al grabar en 4k
  • Algunos controles son muy pequeños
  • Le falta pantalla completamente articulada

Fotografías de estudio realizadas con la colaboración de Aldaberán Studio Sunlight y de los modelos Pablo Díaz y Marta Listan.

La cámara ha sido cedida para el análisis por parte de Nikon España. Puedes consultar nuestra política de relaciones con empresas.

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Categorías: Fotografía

DOCfield Barcelona 2017, el festival de fotografía documental, abre sus puertas para reflexionar sobre la movilidad humana

Xatakafoto - Jue, 19/10/2017 - 10:01

Desde hoy y hasta el 30 de noviembre la ciudad condal acoge la quinta edición del DOCfield Barcelona, el festival de fotografía documental que este año reflexiona sobre la movilidad humana a través de 25 exposiciones. Tal y como os contamos, se trata de la primera vez que este evento se celebra en otoño una vez que se decidió cambiar las fechas primaverales en las que se había desarrollado hasta ahora.

De la serie 'Un bosque al otro lado' de Eyad Abou Kasem. Sección oficial del DOCfield Barcelona 2017

Y si entonces os contábamos que la Sección oficial iba a tener en principio siete exposiciones, finalmente son nueve las que se pueden disfrutar en el principal apartado del festival. Unas exposiciones que se articulan a través de la Ruta DOCfield, un eje geográfico que atraviesa la ciudad desde la Vía Diagonal hasta Colón. Además, el evento cuenta con 16 muestras más que se desarrollarán en distintas sedes invitadas y con visitas guiadas y encuentros con los autores de las exposiciones más importantes.

Como ya comentamos, la temática del DOCfield Barcelona 2017, organizado por Photographic Social Vision (entidad sin ánimo de lucro comprometida en la divulgación del valor social de la fotografía documental y del fotoperiodismo) se basa en la movilidad humana y se plantea una reflexión de cómo viajamos, por qué, y cómo los itinerarios que hacemos y los encuentros que se producen en ellos pueden transformar la identidad humana y geográfica.

De la serie 'By a girl' de Serena de Sanctis. Sección oficial del DOCfield Barcelona 2017

Este tema es el argumento principal de la Ruta DOCfield, la sección oficial del festival, que como decimos permite al público “viajar” a través de su programación siguiendo un eje geográfico central que atraviesa Barcelona. A destacar la exposición de Lorenzo Meloni, una de las últimas incorporaciones de la Agencia Magnum, que expone su trabajo sobre la caída del califato del Estado Islámico en Mosul, la obra del alemán Kai Wiedenhöfer, que documenta los muros de diferentes lugares del mundo, o la de Serena De Sanctis, que retrata el trabajo de las mujeres taxistas en India, un pais donde las violaciones de féminas están a la orden del día.

Aparte de las 25 exposiciones (9 de la sección oficial y 16 de las sedes invitadas) que se podrán visitar durante más de un mes, también habrá otras actividades destacadas como las proyecciones audiovisuales gratuitas en la Nit DOCfield, una programación callejera con la DOCfield Carrer, el premio de fotolibro DOCfield Dummy Award Fundació Banc Sabadell (cuya convocatoria aún está abierta) y, como novedad, la primera edición de DOCfield PRO, este domingo 21 de octubre, con la jornada "Prescriptores y audiencias. Casos de éxito que inspiran cambios", donde se reflexionará sobre el papel de los prescriptores contemporáneos.

De la serie 'Confrontiers' de Kai Wiedenhöfer. Sección oficial del DOCfield Barcelona 2017

‘DOCfield Barcelona 2017’

Del 19 de octubre al 30 de noviembre de 2017

Barcelona, España

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Categorías: Fotografía

Nour Eddine El Ghoumari

Fotógrafos en la red - Jue, 19/10/2017 - 08:00

Nour Eddine El Ghoumari es un fotógrafo marroquí (nacido en Taza, Marruecos, vive en Worthing, Inglaterra) considerado como uno de los mejores fotógrafos de retratos y fotografía de calle en blanco y negro.

© Nour Eddine El Ghoumari

Biografía

Nour Eddine El Ghoumari tuvo su primer contacto con la fotografía cuando tuvo en sus manos la vieja máquina de uno de sus amigos y se subió a las almenas del viejo castillo de su ciudad y fotografió su primera puesta de sol. Enseguida se pasó a la fotografía de calle, una especialidad difícil en la que capturar la esencia de la vida es tan difícil como embotellar la luz de la noche, donde no puedes controlar la luz ni la composición y donde solo tienes segundos para crear una obra de arte a partir de la rutina diaria. Estudió Arte en la Universidad de Westminster.

Los jóvenes, los pobres y los ancianos son su verdadera inspiración. Cuando hace un retrato, trata de ser lo más honesto posible a los sujetos fotografiados y transmitir todos los detalles de sus ropas y rostros, así como la dirección de la luz. Siempre trata de recordar los olores y sonidos circundantes cuando está editando en el cuarto oscuro.

Cada uno de los rostros que captura son como una guía divina a través de la historia y la cultura de su pueblo. Las arrugas en la cara de una anciana que vende perejil y cilantro cerca de su casa son un código de su pasado y una señal de su presente y futuro. Por la expresión de su rostro e incluso por la forma en que dobla los brazos podremos descubrir la ética,  cultura y devoción religiosa de la retratada.

Su trabajo ha sido publicado en algunas de las revistas y libros fotográficos más leídos del mundo, y una selección de su obra ha sido publicada en el prestigioso libro The World’s Greatest Black and White photographers. También se ha mostrado en  numerosas páginas web y en exposiciones en Londres, Japón, Rusia, Chile… que han mostrado su estilo fotográfico único y peculiar.

Ha ganado varios premios internacionales como Photographer of the Year en Gran Bretaña, 2 Medallas de Oro por los mejores retratos en el mundo árabe, alguna Medalla de Oro de la Photografic Society of America (PSA) y un 2º puesto en los World Colour Awards.

Referencias Libros
  • The World’s Greatest Black and White photographers.
Categorías: Fotografía

Zeiss Milvus 1.4/25, nueva óptica angular muy luminosa y “con buen ojo para los detalles”

Xatakafoto - Mié, 18/10/2017 - 18:01

Así al menos presenta este prestigioso fabricante de objetivos su nuevo producto que viene a sumarse a una familia de ópticas de tipo manual diseñadas para ofrecer la máxima calidad en conjunción con cámaras réflex full frame y de vídeo en alta resolución. El nuevo Zeiss Milvus 1.4/25 ha llegado para asegurar “la captura de momentos perfectos con una atención exquisita a los detalles”, según la nota de prensa.

Su cobertura gran angular le orienta a fotografía de paisajes y arquitectura, además de foto y vídeoperiodismo, donde promete “excepcional calidad que garantiza unos resultados impresionantes de esquina a esquina del fotograma […] una calidad en todo el fotograma sobresaliente permite incluso colocar al sujeto principal lejos del centro de la imagen”. Por otro lado, el fabricante también destaca que “a apertura completa se consiguen unos resultados extraordinarios con imágenes de alto contraste y nítidas, que hacen de este objetivo la elección perfecta incluso en condiciones de poca luz”.

Según Zeiss, este objetivo es la última longitud focal que se va a agregar a esta gama de lentes que fue presentada hace ya más de dos años y que con esta óptica ya ofrece once longitudes focales que van desde 15 a los 135 milímetros.

Construida con 15 elementos ópticos distribuidos en 13 grupos, el Zeiss Milvus 1.4/ 25 cuenta con unas dimensiones aproximadas de 95,2 x 82,5 x 123 mm, un diámetro de filtro de 82,5 mm y un peso de unos 1200 gramos (todo dependiendo de la versión). Su carcasa de metal asegura que la lente sea robusta y su sellado contra la suciedad y el polvo que “esté listo para la acción en condiciones climáticas adversas”.

Precio y disponibilidad

El Zeiss Milvus 1.4/ 25 se pondrá a la venta a partir del dos de noviembre de 2017 en monturas para cámaras Canon y Nikon por un precio aproximado de 2.399 euros.

Más información | Zeiss

En Xataka Foto | Zeiss Milvus 1.4/35, nuevo angular luminoso para monturas Canon y Nikon que "busca la perfección"

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Categorías: Fotografía

Lightroom CC, CC Classic y Photoshop CC: toma de contacto con el último software fotográfico de Adobe

Xatakafoto - Mié, 18/10/2017 - 13:31

Y por fin, el 18 de octubre de 2017, se han presentado las nuevas versiones de los programas fotográficos de Adobe, entre otras novedades. Las últimas versiones llevaban mucho tiempo en el mercado, demasiado para un mundo en el que todo cambia rápidamente. Por este motivo vamos a publicar las primeras impresiones después de probar durante unas cuántas horas Adobe Lightroom CC, Adobe Lightroom CC Classic y Adobe Photoshop CC.

Adobe es el rey de la fotografía digital. Todas las fotografías que hacemos pasan de alguna manera por alguno de sus programas, sobre todo en el mercado profesional. Es verdad que se le estaba escapando el nicho de la fotografía móvil, porque sus programas para dispositivos móviles (aún siendo gratuitos) no estaban enganchando al gran público. Así que han decidido hacer una reestructuración de todo su software fotográfico para que todos podamos revelar nuestras fotografías estemos donde estemos e independientemente del dispositivo que tengamos.

En principio (ya he comentado que solo he podido estar unas cuántas horas probando las nuevas versiones) han intentado superar los problemas que venían arrastrando desde hacía demasiado tiempo. Y en principio han cumplido su palabra. Su motor de revelado estaba obsoleto en comparación con Capture One, por poner un ejemplo. Y la lentitud de Lightroom empezaba a ser desesperante cuando tenías un gran volumen de trabajo. Y las aplicaciones móviles no tenían el encanto y la rapidez de otros programas... Sobre el papel lo han hecho, pero ahora vamos a ver las primeras impresiones programa por programa.

Lightroom CC

Desde Adobe aseguran que es un nuevo programa. La idea es nueva, desde luego, porque rompen con la característica principal de Lightroom: no hay Catálogo, al menos de la forma que lo entendemos hasta ahora.

Desaparecen todas las pestañas de la interfaz (que no ha cambiado apenas en los once años de historia del programa) para darle todo el protagonismo a la fotografía. Las pestañas se convierten en iconos y todas nuestras fotografías quedan almacenadas en la nube. Un espacio que varía en función de la cuota que quieras o puedas pagar. Por ahora tenemos 20 GB y 1 TB.

Primeros pasos

Para empezar a trabajar tenemos que subir fotografías a la nube. Lo mejor es que tenemos la posibilidad de subir todo nuestro catálogo original en Archivo>Migrar catálogo de Lightroom... Una idea genial siempre y cuando te ocupe el espacio indicado. Te aseguran que vamos a tener nuestras fotos originales en cualquier lugar y en cualquier momento.

Nuevo aspecto de Lightroom CC

Si nuestras fotografías ocupan más, no nos quedará más remedio que ir subiendo poco a poco desde el icono + que tenemos a la izquierda de la pantalla. Ahí ya no se habla de catálogo, sino de Añadir fotos. Una vez entendido esta nueva forma de trabajar ya no tenemos que tener miedo de encontrarnos más sorpresas. Todo es igual a Adobe Lightroom Mobile, solo que con la posibilidad de tenerlo no solo en el dispositivo móvil, sino en el ordenador y como herramienta web.

En Lightroom CC tenemos una versión comprimida del módulo Biblioteca. La clasificación por estrellas, las palabras clave, el orden de las imágenes y los metadatos están accesibles en la parte inferior de la pantalla, identificados con una serie de iconos reconocibles. Parece ser que para la inserción de palabras clave han profundizado en los algoritmos de la ya clásica función de Sugerencia de palabras clave, y él solo se puede encargar de escribir por nosotros.

Cómo revelar con Lightroom CC

El otro módulo que mantienen, evidentemente, es la segunda joya de la corona, Revelar. Ahora tenemos, a la derecha de la única pantalla que tiene el nuevo programa, una serie de iconos que representan una nueva organización de los paneles. En Editar controlamos la Luz, el Color, los Efectos, el Detalle, la Óptica y la Geometría. Exactamente igual que antes, pero con un aspecto más parecido a la antigua aplicación móvil que al antiguo programa. Igual de ágil y efectivo.

Las pestañas salen de iconos en el nuevo Lightroom CC

Y los demás iconos permiten Recortar, usar el Pincel Corrector, el Pincel, el Degradado lineal, el Radial y una serie de funciones como mostrar el Histograma o Recuperar el original (Mayús+R).

Para terminar tenemos, en la parte superior derecha, dos iconos que nos permiten Guardar copias de nuestras imágenes reveladas o enviarlas, de momento, a Facebook después de vincular la cuenta. Y ya está. Se han olvidado de los demás módulos que muchos ni siquiera utilizamos, seguramente por lo poco prácticos que son.

Lightroom CC Classic

Pero no nos preocupemos. Lightroom, tal como lo conocemos, sigue presente bajo la coletilla Classic. Y hacen bien en llamarla así porque, al menos externamente, nada ha cambiado. Siguen los mismos módulos, las mismas pestañas y paneles que conocemos desde hace más de diez años y que se resisten a morir. Y para mi es una gran decepción, aunque después de tanto tiempo no puedo negar que ya le tengo cariño a la interfaz.

¿Un viejo amigo? Sí, Lightroom CC Classic

Los módulos siguen siendo los mismos. Mapa está ahí impertérrito. Libro sigue esclavo de Blurb. Proyección deja hacer las mismas presentaciones aburridas de siempre. Imprimir es la gran desconocida y plana de toda la vida y Web existe porque tiene que haber de todo en la vida... Realmente parece que nada ha cambiado. Pero no es así queridos lectores, afortunadamente para nosotros.

Los cambios más interesantes de Lightroom CC Classic

Después de cinco años el motor de revelado, el motor gráfico, ha cambiado

Por fin, después de cinco años, el motor de revelado, el motor gráfico, ha cambiado. Si vais al módulo Revelar, a la pestaña Calibración de cámara, podréis ver en Proceso>Versión 4 (actual). Y es la mejor noticia del mundo, os lo puedo asegurar. Los parámetros siguen siendo los mismos, pero después de comparar una fotografía revelada con ambos motores, he llegado a la conclusión de que por fin han conseguido aumentar la nitidez general y una mejor gestión del ruido sin tener que hacer ajuste alguno. Ahora es el momento de hacer más y más pruebas para confirmar algunas primeras impresiones, no sé si por culpa de la novedad o de las ganas de cambio, pero parece que por fin entienden mejor los sensores de Fuji, entre otras cosas...

Más rapidez

Ahora todo va mucho más fluido y rápido

Pero hay más buenas noticias. De verdad ahora todo va mucho más fluido y rápido. He pasado mi catálogo íntegro a la nueva versión para ver si era cierto lo que cuentan. Y así es. El aumento de velocidad no es llamativo si solo revelamos unas docenas de fotografías, pero si gestionamos una sesión de 2.000 disparos observamos que todo fluye, que ya no se queda colgado un archivo cuando necesitamos verlos todos en el módulo Biblioteca. Las previsualizaciones son más inmediatas. Y eso que todavía no he hecho caso a todas las posibilidades que ofrece para tales menesteres en el menú Editar>Preferencias.

¿Máscaras de luminosidad?

Y dejo lo mejor para el final, porque es algo que comparte también con Adobe Camera RAW. Señoras y señores, desde el mismo módulo Revelar existe la posibilidad de trabajar con máscaras de luminosidad y saturación. Y es algo maravilloso. Personalmente no entendía cómo no lo habían hecho todavía, cuando siempre estaba ahí, en las tripas del programa...

Las nuevas máscaras de luminosidad...

Es algo escondido en la herramienta Pincel. Todavía tenemos que hacer muchas pruebas, pero solo hay que pintar con el Pincel por toda la fotografía con Mostrar superposición de máscara seleccionada marcada. Así activamos, al final de los parámetros de la herramienta, la función Máscara de rango. Aquí podemos seleccionar Color o Luminancia. Y con los parámetros Rango y Suavizado empezar a revelar por zonas bien delimitadas, como hace nuestro amigo Tony Kuyper, directamente en el archivo RAW.

Photoshop CC

Y dejamos para el final el programa madre, Adobe Photoshop CC. De nuevo no ha cambiado nada externamente. Esta versión no ha supuesto un cambio importante de estética. De hecho cuesta darse cuenta de la versión que tenemos abierta, salvo que veamos la nueva ilustración de entrada de Janusz Jurek y Elizaveta Porodina.

Lo nuevo en Photoshop CC

Todo está dentro, en el nuevo motor de revelado que hemos señalado más arriba. Y que aquí podemos disfrutar en el nuevo Adobe Camera RAW, con la misma herramienta hasta que os descubramos otras formas de aprovechar las nuevas máscaras de luminosidad.

Ya en Adobe Photoshop CC lo que más sorprende es una nueva forma interactiva de explicar para qué sirve cada herramienta o función. Algo muy espectacular, pero con infinitas posibilidades de eliminarlo en cuanto dominemos un poco el programa.

Información para los que empiezan

Las herramientas y funciones de Selección han mejorado

En lo que se ha avanzado mucho, pero que hace falta dominar y conocer bien, es en la selección, la gran pesadilla de los fotógrafos. Si no lo hacemos bien, nuestros revelados no van a ser buenos... Así que en Photoshop todas las herramientas, como Selección rápida, y funciones de selección han mejorado. La ventana Seleccionar y aplicar máscara... tiene el mismo aspecto pero confirmo que puedo hacer una selección más precisa de forma más rápida.

Las nuevas selecciones prometen

Ahí está también la nueva herramienta Pluma de curvatura, que con un poco de suerte me acercará a una forma de trabajar a la que cogí mucha manía por culpa de mi primer profesor de Photoshop, que no era otra cosa más que diseñador. Puede parecer un sacrilegio, pero nunca he utilizado bien Pluma, hasta ahora que por fin parece que se ha simplificado.

Hay muchas más cosas, como poder hacer panorámicas de 360º, el nuevo soporte para el formato HEIF, la integración con Lightroom CC (con la versión Classic sigue igual) y algo que tranquilizará a muchos, entre los que me encuentro... A pesar del cambio de motor, los filtros de la Nik Collection siguen siendo compatibles al 100% con nuestro querido Photoshop.

Para ser sincero esperaba más cosas, pero no puedo negar que estoy satisfecho con los cambios y las novedades, sobre todo con el nuevo motor de revelado. Pero ya veremos cómo evoluciona todo a partir de ahora. Espero haberos satisfecho y resuelto algunas de las muchas dudas que os han podido surgir al ver que salían nuevas versiones de vuestros programas favoritos. En próximos artículos analizaremos con más dedicación algunas de las nuevas funciones de los programas de Adobe. Y si tenéis alguna duda ya sabéis que podéis escribirlas en los comentarios.

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La noticia Lightroom CC, CC Classic y Photoshop CC: toma de contacto con el último software fotográfico de Adobe fue publicada originalmente en Xataka Foto por Fernando Sánchez .

Categorías: Fotografía

Lightroom CC y Lightroom CC Classic, entre las novedades de Adobe en el Max 2017

Xatakafoto - Mié, 18/10/2017 - 13:01

La conocida empresa de desarrollo de software especializado en diseño ha abierto las puertas de su evento denominado Adobe MAX que este año se celebra en Las Vegas. En él, como ya es habitual, además de reunir a la comunidad creativa entorno a diversas actividades (entre las que destacan las conferencias creativas impartidas por expertos en distintas disciplinas), ha aprovechado para anunciar novedades respecto a sus conocidas aplicaciones de diseño y fotografía, en este caso referidas sobre todo a Lightroom y, en menor medida a Photoshop.

La más novedosa sin duda es la referida a Lightroom, la herramienta especializada para fotógrafos de la cual desde hace tiempo se venía rumoreando posibles cambios, una vez que la propia Adobe había reconocido que tenía problemas de agilidad. Sin embargo, es posible que nadie se esperara que en vez de una nueva versión lo que se lanzaran fueran dos, ya que Lightroom se convierte ahora en dos aplicaciones diferentes para usuarios diferenciados.

Esta vuelta de tuerca de Adobe trata de responder a un panorama actual en el que, según la firma, las fotografías se han convertido en la forma moderna de comunicación y los fotógrafos, ya sean profesionales o entusiastas, demandan una evolución que les permita tener disponibles sus fotos en cualquier lugar y poder trabajar con ellas de forma intuitiva pero con herramientas potentes.

Lightroom CC

Con este fin Adobe presenta un software totalmente nuevo, según remarcan, que se denomina Lightroom CC y que más que una aplicación es un servicio de fotografía en la nube, siguiendo la tendencia que ya lleva algunos años de que las herramientas de edición digital se desvinculen del escritorio y se conviertan en utilidades vinculadas al almacenamiento remoto y accesibles desde cualquier dispositivo.

De hecho, Adobe Lightroom CC es un sistema que se materializa de varias formas: como un programa para ordenadores de escritorio Windows o Mac, como una app para dispositivos móviles iOs y Android y como una herramienta web, todo ello vinculado a una cuenta de Adobe Creative Cloud de un Terabyte de capacidad. La idea es poder almacenar las fotos (en su máxima resolución) y tenerlas disponibles en todos estos dispositivos de forma sincronizada, pudiendo organizarlas, almacenarlas y compartirlas de forma sencilla y desde cualquier lugar.

Ante tal cantidad de escenarios, como os podéis imaginar, Adobe ha realizado un profundo trabajo para realizar una interfaz optimizada para que pueda ser compartida en todos los dispositivos de manera que se ofrezcan las mismas posibilidades en todos ellos. En ella destaca el uso de controles deslizantes (que muestran al usuario qué es lo que está realizando con la edición), la inclusión de multitud de presets (para lograr resultados rápidos de gran calidad) y las herramientas de retoque sencillo pero potente para las fotografías.

Así es la interfaz de Lightroom CC

Por otro lado, Lightroom CC incorpora la tecnología Adobe Sensei de aprendizaje que aplica automáticamente palabras clave a las imágenes para facilitar las búsquedas posteriores. Esta característica evita, en muchos casos, que sea necesario aplicar etiquetas y, por tanto, ayuda a que la organización de fotos en Lightroom CC sea más sencilla. Por último, entre otras novedades la firma también destaca las facilidades para compartir fotos directamente, en las redes sociales o a través de galerías web personalizadas, y la integración con Adobe Portfolio.

Lightroom CC Classic

La aparición de Lightroom CC no significa que vaya a desaparecer la aplicación de escritorio que muchos han venido utilizando los últimos diez años, sino que ésta cambia de nombre y ahora se denomina Lightroom CC Classic. En contraposición con la herramienta pensada para ser usada con cualquier tipo de dispositivo y en cualquier lugar, la versión Classic continúa centrada en un flujo de trabajo más tradicional, con una utilización a través de ordenadores de escritorio con almacenamiento local de las fotos y un control “clásico” de archivos y carpetas.

Por supuesto, como decíamos al principio, la nueva versión de la herramienta viene con cambios que se centran, fundamentalmente, en mejorar la fluidez del flujo de trabajo. En este sentido desde Adobe mencionan (entre otros) una mayor rapidez al iniciarse el programa, en la generación de vistas previas, en el cambio desde el módulo Biblioteca al de Revelar y en el trabajo con grandes cantidades de archivos. De cualquier manera, de la mejora en este apartado será algo de lo que podremos hablar mejor gracias a la toma de contacto que hemos tenido la oportunidad de tener con el programa.

Por lo demás, Lightroom CC Classic trae otros cambios centrados sobre todo en ofrecer nuevas posibilidades de edición con funciones relacionadas con el color, Color Range, y las máscaras, Luminance Masking, nuevas herramientas que permiten hacer selecciones más definidas y realizar ediciones más profundas.

Photoshop CC

Aunque Lightroom se lleva la palma en cuanto a novedades, la más clásica de las herramientas de Adobe, Photoshop, también ha anunciado novedades para su versión Photoshop CC. Entre ellas, un acceso más sencillo a las fotos (incluyendo las de Lightroom), una mejora de la herramienta Pluma, un nuevo Panel de aprendizaje y soporte del nuevo formato HEIF.

La idea es que Photoshop “sea mucho más fácil de aprender para los millones de principiantes que la prueban por primera vez cada año”. Para ellos se han incluido diversas mejoras orientadas a la facilidad de uso, entre las que destaca el ya mencionado panel de aprendizaje.

Por otro lado se han integrado las fotos de Lightroom en la pantalla de inicio de Photoshop para evitar pérdidas de tiempo al trabajar con dispositivos móviles y con las imágenes sincronizadas a través de Lightroom CC. La idea es que Lightroom y Photoshop se integren aún más para ofrecer una experiencia unificada con las fotografías almacenadas en los servicios de Creative Cloud. Del resto de novedades os emplazamos de nuevo a la prueba inicial que ya hemos mencionado.

Nuevos planes y precios de Creative Cloud

Todas estas novedades que os hemos comentado vienen acompañadas, como era de esperar, por una actualización de los planes de suscripción de Adobe Creative Cloud entre los que se ha integrado el nuevo software Lightroom CC.

Éste se ofrecerá en tres modalidades. Para los fotógrafos que quieran un plan todo en uno con todos los servicios que ofrece Lightroom CC más el apoyo de Photoshop, estará el plan Creative Cloud Photography (Plan fotográfico con 1 TB) que incluye 1 TB de almacenamiento en la nube, Lightroom CC, Lightroom para dispositivos móviles y web, Photoshop CC, Adobe Spark con funciones premium y Adobe Portfolio por 24,19 euros al mes.

Este mismo plan fotográfico también se puede adquirir con el nuevo Lightroom CC más Lightroom Classic, Photoshop CC, Adobe Spark con funciones premium y Adobe Portfolio pero sólo con 20 GB de almacenamiento por 12,09 euros al mes.

Por último, se ha creado el nuevo Plan Lightroom CC para usuarios que desean un servicio de fotografía basado en la nube con Lightroom CC, Lightroom para dispositivos móviles y web, Adobe Spark con funciones Premium, Adobe Portfolio y 1 TB de almacenamiento en la nube por 12,09 euros al mes.

Más información | Adobe Max

En Xataka Foto | Lightroom CC, CC Classic y Photoshop CC: toma de contacto con el último software fotográfico de Adobe

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Categorías: Fotografía

Estas son algunas de las increíbles fotos ganadoras del Wildlife Photographer of the Year 2017

Xatakafoto - Mié, 18/10/2017 - 11:49

Esta impactante imagen de un rinoceronte recién cazado y sin cuernos, denominada ‘Memorial to a species' es la ganadora absoluta de la edición de este año del concurso de fotografía ‘Wildlife Photographer of the Year’, organizado por el Museo de Historia Natural de Londres y uno de los concursos de fotografía de naturaleza con más prestigio.

La imagen fue tomada por el fotoperiodista Brent Stirton en una reserva de caza de Sudáfrica y denuncia el acoso a una especie, el rinoceronte negro, que se encuentra en peligro de extinción debido a la caza furtiva y al comercio internacional ilegal de sus cuernos. De hecho, según el fotógrafo esta “escena del crimen” se repitió más de treinta veces en el transcurso de la cobertura que realizó para denunciar este problema.

'The good life' de Daniel Nelson. Premio al "Joven Fotógrafo del Año" en la Wildlife Photographer of the Year 2017

Las razones para elegir esta imagen como ganadora las resume el jurado de la competición: “Retratar una escena tan trágica, casi majestuosa en su poder escultórico, merecía el premio más alto. Hay crudeza, pero también hay un gran interés y, por lo tanto, dignidad en el gigante caído. También es un símbolo de uno de los crímenes ambientales más despilfarradores, crueles e innecesarios […] la imagen de Brent destaca la necesidad urgente de que la humanidad proteja nuestro planeta y las especies con las que lo compartimos”.

Por su parte, el premio al Joven Fotógrafo del Año del Año 2017 fue a parar a Daniël Nelson por su retrato de un joven gorila descansando en el suelo y comiendo un fruto del bosque en la República del Congo. Una imagen que, según la organización, habla de la gran similitud “entre los simios salvajes y los humanos, y la importancia del bosque del que dependen […] Esta escena íntima de un gorila descansando en el suelo del bosque es pacífica, un estado que desearíamos para todas estas magníficas criaturas”.

'The ancient ritual' de Brian Skerry - Vencedor en la categoría "Animals in their Environment" del Wildlife Photographer of the Year 2017

Estas dos fotos elegidas fueron seleccionadas entre las 16 vencedoras de cada categoría a concurso y que representan la increíble diversidad de la vida en nuestro planeta. A su vez, estas imágenes escogidas salieron de las casi 50 mil presentadas a concurso por parte de fotógrafos profesionales y aficionados de 92 paises y que, como es habitual, fueron seleccionadas por un jurado de profesionales.

'The ancient ritual' de Brian Skerry. Vencedor en la categoría "Behaviour: Amphibians and Reptiles" del Wildlife Photographer of the Year 2017

Las imágenes ganadoras, así como otras seleccionadas por el jurado, formarán parte de una exposición que se inaugura este fin de semana en el Museo de Historia Natural de Londres y que permanecerá abierta hasta el 28 de mayo de 2018, antes de viajar por otros lugares del Reino Unido y dar el salto internacional a otros países entre los que estará España. Mientras tanto, os recomendamos que os paséis por su web donde se pueden ver todas las imágenes vencedoras.

'Giant gathering' de Tony Wu. Vencedor en categoría "Behaviour: Mammals" del Wildlife Photographer of the Year 2017 'Tapestry of life' de Dorin Bofan. Vencedor en categoría "Plants and Fungi" del Wildlife Photographer of the Year 2017 'Stuck in' de Ashleigh Scully. Vencedor en categoría de 11 a 14 años del Wildlife Photographer of the Year 2017 'Palm-oil survivors' de Aaron Gekoski. Vencedor del premio a la mejor imagen de fotoperiodismo del Wildlife Photographer of the Year 2017 'Polar pas de deux' de Eilo Elvinger. Vencedor de la categoría "Black and White" del Wildlife Photographer of the Year 2017 'Crab surprise' de Justin-Gilligan. Vencedor de la categoría "Behaviour: Invertebrates" del Wildlife-Photographer-of-the-Year 2017 'In the grip of the gulls' de Ekaterina Bee. Vencedor del premio al fotógrafo menor de 10 años del Wildlife Photographer of the Year 2017 'Contemplation' de Peter Delaney. Vencedor en categoría "Animal Portraits" del Wildlife Photographer of the Year 2017 'The jellyfish jockey' de Anthony Berberian. Vencedor en categoría "Under Water" del Wildlife Photographer of the Year 2017 'The incubator bird' de Gerry Pearce. Vencedor en la categoría "Behaviour: Birds" del Wildlife Photographer of the Year 2017 'The ice monster' de Laurent Ballesta. Vencedor en la categoría "Earth's Environments" del Wildlife Photographer of the Year 2017

Más información y galería de fotos | Wildlife Photographer of the Year 2017

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Categorías: Fotografía

‘Susan Meiselas. Mediaciones’, retrospectiva de una fotoperiodista legendaria en la Fundación Tàpies

Xatakafoto - Mié, 18/10/2017 - 10:16

Barcelona acoge una muestra retrospectiva sobre esta fotógrafa norteamericana, perteneciente a la Agencia Magnum desde 1976, que ha tenido un papel importante en la historia reciente del fotoperiodismo y la foto documental desde que se hiciera famosa por la cobertura de las crisis de Centroamérica en la década de los 70 y 80 del siglo pasado. Claro que su trayectoria es bastante más compleja y rica como demuestra la exposición ‘Susan Meiselas. Mediaciones’.

Susan Meiselas. Photographs of 20-year-old Kamaran Abdullah Saber are held by his family at Saiwan Hill cemetery. He was killed in July 1991 during a student demonstration against Saddam. Kurdistan, Irak north, 1991 © Susan Meiselas / Magnum Photos, 2017

Organizada por la Fundación Antoni Tàpies y la galería parisina Jeu de Paume, la muestra dedicada a Susan Meiselas (Baltimore, 1948) reúne una amplia selección de fotos que van desde aquellos años hasta la actualidad y tocan temas como la guerra, los derechos humanos, la identidad cultural y la industria del sexo.

A través de todas estas fotos podemos ver cómo durante su trayectoria la fotógrafa ha ido planteándose preguntas sobre la práctica documental y reconsiderando su estilo fotográfico, pero siempre involucrándose con sus proyectos de una manera muy profunda y trabajando durante largos períodos de tiempo con la gente que fotografía.

Susan Meiselas. Lena on the Bally Box.USA. Essex Junction, Vermont, 1973, de la sèrie Carnival Strippers © Susan Meiselas / Magnum Photos, 2017

Antes de hacerse conocida gracias a su obra en zonas de conflicto, esta fotógrafa ya había despuntado por su serie ‘Carnival Strippers’ (1972-1975) llamando la atención de Magnum. En aquellas fotos Susan retrató a strippers que trabajaban en ferias ambulantes de Nueva Inglaterra y completó su reportaje incluyendo no sólo imágenes sino también grabaciones de audio de las mujeres, sus clientes y mánagers, con la idea de crear un testimonio de perspectivas múltiples.

Este trabajo puede verse en la exposición junto con otros de sus proyectos más conocidos, como su cobertura de los conflictos de Nicaragua, El Salvador y Kurdistán. El primero fue el que le hizo conocida mundialmente gracias a sus fotos en color de la Revolución de Nicaragua. Concretamente una foto de unos indios de la ciudad de Monimbo arrojando bombas que apareció en la portada en The New York Time Magazine y “fue la primera fotografía de la entonces incipiente revolución de Nicaragua que aparecía en una publicación norteamericana”, según cuenta la propia Susan.

Susan Meiselas. Muchachos esperando el contraataque de la Guardia Nacional. Matagalpa, Nicaragua (1978) de la serie Nicaragua (c) Susan Meiselas / Magnum Photos, 2017

‘Susan Meiselas. Mediaciones’

Del 11 de octubre al 14 de enero de 2018

Precios: General, 7 euros/ niños hasta 16 años gratis

Fundación Tàpies

C/ Aragó 255

08007, Barcelona, España

www.fundaciotapies.org

En Xataka Foto | Cristina de Middel entre los nominados para formar parte de la Agencia Magnum

Foto de portada | Susan Meiselas. Sandinistas at the walls of the Esteli National Guard headquarters : 'Molotov Man', Esteli, Nicaragua, 1979 © Susan Meiselas/ Magnum, 2017.

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Categorías: Fotografía

Gabi Ben Avraham

Fotógrafos en la red - Mié, 18/10/2017 - 08:00

Gabi Ben Avraham es un fotógrafo israelí (nacido en Tel Aviv, donde vive) que realiza fotografía de calle principalmente en Tel Aviv.

© Gabi Ben Avraham

Como un pescador que va a su trabajo diario sin saber lo que va a atrapar, cojo mi cámara y buceo en las calles sin saber qué va a pasar. Es una aventura y siempre estoy deseando que llegue ...
Cuando hago clic, trato de ver lo surrealista y de captar las cosas fuera de su significado cotidiano y su contexto habitual. Las calles son siempre diferentes: la gente, la luz y las sombras, la atmósfera. Tengo mis lugares favoritos para disparar: son aquellos en los que las fotos nunca se repiten.

Biografía

Gabi Ben Avraham coqueteó con la fotografía y las cámaras de cine en la década de los 80, pero lo dejó por su carrera como gerente de Tecnologías de Información. Su mujer le regaló hace unos años una cámara digital, y su pasión renació a pesar de haber estado inactiva durante décadas. Hoy en día, la fotografía de calle representa la forma preferida de Avraham de mirar el mundo: su cámara se ha convertido en una parte integral de él mismo y la lleva dondequiera que vaya, pensando “tal vez hoy será mi día de suerte y voy a tomar la foto de mi vida”. A través de la lente de la cámara está constantemente mirando a su alrededor, buscando ese momento "decisivo" que nunca volverá, a menos que lo capture.

Su obra está formada por múltiples capas, escenas complejas, momentos interesantes y un gran uso de la luz y la sombra naturales para realmente llevar su fotografía a la vida. Utiliza el color cuando es necesario, pero la mayor parte de su trabajo es en blanco y negro. La calle no es un estudio, pero a veces se para y espera que las cosas converjan: un ciclista, un bailarín, un niño, …

Es miembro de los colectivos de fotografía callejera Thestreetcollective y APF Collective. Algunas de sus imágenes han sido expuestas en varias exposiciones colectivas en Israel, así como en revistas y sitios web fotográficos en línea. Además de su fotografía de calle en Tel Aviv, ha realizado algunos proyectos más sociales, así como una serie sobre Cuba.

Referencias Libros
Categorías: Fotografía

Descubre las Claves de Una Iluminación Rembrandt

DZoom - Mié, 18/10/2017 - 07:30

¿Cuántas veces nos han recomendado esquemas de luz para iluminar nuestros retratos? ¿Y cuántas veces hemos oído hablar de la iluminación Rembrandt? En este artículo vamos a profundizar en este famoso esquema de iluminación, explicando cómo debemos situar las fuentes de luz respecto al sujeto y para qué tipo de situaciones nos puede venir bien. ¡Quédate con nosotros!


La Importancia de la Iluminación en Fotografía

Si hay una variable que puede mejorar mucho nuestras fotografías de retrato es la iluminación. Ya sea en interior o en exterior, es aconsejable que estudiemos muy bien la posición de las fuentes de luz que van a iluminar al sujeto antes de disparar la foto, ya que un simple y ligero cambio de dirección podría mejorar mucho nuestra toma.

Hay varios esquemas de iluminación que te servirán de guía y de los que ya te hablamos en este artículo. Ahora nos centraremos en uno de los más populares de ellos, el esquema de iluminación Rembrandt.


La Iluminación Rembrandt

Seguro que el nombre de Rembrandt te suena de algo, y es que Rembrandt era un famoso pintor neerlandés, y un referente en la pintura barroca, que utilizaba a menudo un mismo patrón de luz en sus pinturas de retratos. Este patrón se caracterizaba por el dibujo de un triángulo invertido de luz en la mejilla del modelo, a la altura de la nariz, y en el lado menos iluminado del rostro.

En las obras de Rembrandt las luces y las sombras están perfectamente definidas. Una parte del rostro aparece totalmente iluminada, mientras que la otra parte está algo más oscura y en ella se proyecta un triángulo invertido de luz a la altura de la nariz, debajo de la mirada. Técnicamente, la sombra de dicho triángulo no debe ser más ancha que el ojo y no más larga que la nariz, ya que sino hablaríamos de otros tipos de esquemas de luz.

Como ya sabrás, la pintura es un referente para la fotografía, y son muchas las técnicas que se han trasladado desde las obras pictóricas a la fotografía. Precisamente, la iluminación de Rembrandt es una de las que más destaca entre ellas.


Equipo Necesario Básico

El esquema de iluminación Rembrandt parte de los siguientes materiales básicos necesarios:

  • 1 cámara
  • 1 modelo
  • 1 fuente de luz (que puede ser el sol, una ventana, un flash, o una luz continua)

foto por George Dutch (licencia CC)

Pero como cualquier otro esquema de iluminación, siempre se puede enriquecer más, así que si cuentas con un reflector o una segunda, e incluso tercera, fuente de luz, podrás enriquecer aún más este tipo de esquema.


¿Cómo Colocamos las Fuentes de Luz?

Como decíamos, para crear una iluminación Rembrandt necesitaremos al menos una fuente de luz, aunque si disponemos de varios puntos de luz podremos ir enriqueciendo el esquema. A continuación vamos a ver cómo debemos situar los puntos de luz en función de la cantidad que tengamos.

Iluminación Rembrandt con 1 Fuente de Luz

foto por peter hessels (licencia CC)

Si solo disponemos de un punto de luz, entonces deberás situar a tu modelo frente a la cámara, y utilizar la fuente de luz para que ilumine la escena. Ésta puede ser tanto natural (sol) como artificial (flash, foco de luz continua).

La posición exacta a la que debemos situar esa fuente de luz respecto al modelo, es a 45 grados, y siempre intentando que ese foco de luz esté situado ligeramente por encima de los ojos. Asegúrate de que la luz ilumina ambos ojos, y no solo uno de ellos.

Otro punto es la intensidad de la luz con la que haremos la foto, y eso es algo que deberemos elegir a nuestro gusto. Si la fuente de luz es muy potente la sombra será mucho más dura, y los contrastes en el rostro serán más evidentes, haciendo que el retrato sea algo más dramático. En cambio, si la fuente de luz es más suave, el cambio entre luces y sombras será gradual, y el contraste mucho más suave, contribuyendo a que el retrato sea más amable.

Si elegimos que la intensidad sea fuerte, entonces o bien deberemos situar la fuente de luz muy próxima al sujeto sin llegar a sobreexponer las zonas claras, o alejarla un poco y hacer que el haz del luz sea más potente. Aunque por norma general este tipo de iluminación se aconseja que sea más suave, y para ello lo que haremos será alejar el foco de luz, o bajar su intensidad por ejemplo con un difusor.

Iluminación Rembrandt con 2 Fuentes de Luz

Si cuando hacemos el retrato comprobamos que la parte en sombra está demasiado oscura,  y disponemos de una segunda fuente de luz, siempre podemos situar un segundo foco o un reflector en la parte contraria a la que hemos colocado el foco de luz principal (también a 45 grados del sujeto), y así rellenar algunas de las sombras del rostro.

Eso sí, siempre teniendo en cuenta que el triángulo de luz en la mejilla deberá estar presente si pretendemos seguir el esquema de iluminación Rembrandt.

Iluminación Rembrandt con 3 Fuentes de Luz

Si contamos con más equipo de iluminación, podemos complementar este esquema con un tercer foco de luz. Con él podemos:

  • Iluminar el fondo para recortar la silueta de nuestro modelo.
  • Iluminar a nuestro modelo desde atrás. Para ello, levantaremos el foco situándolo por encima de nuestro modelo, y lo colocaremos en uno de los laterales. La intensidad de la luz será suave, y con ello marcaremos un contraluz que iluminará el cabello de nuestro modelo.


¿Con Quién Utilizamos Este Técnica de Iluminación?

foto por Stefan Schmitz (licencia CC)

Este tipo de iluminación funciona especialmente bien con personas que tienen pómulos marcados. En aquellos sujetos con caras redondeadas esta técnica de iluminación nos ayudará a agregar definición y adelgazar el rostro, y por esta misma razón, en personas con caras más alargadas no suele ser el esquema de luz más idóneo.

Muchos fotógrafos de la vieja escuela coinciden en que es un esquema pensado para retratos masculinos, aunque el propio Rembrandt pintó a mujeres siguiendo esta técnica, por lo que debemos tomar estos consejos como una guía y no una regla estricta.


¡Anímate y Practica!

Como has visto el esquema de iluminación Rembrandt es uno de los más utilizados y que mejores resultados nos proporciona en nuestras sesiones de retrato. Para ponerlo en práctica no necesitarás un gran equipo, ya que este esquema se puede conseguir incluso con una única fuente de luz, siendo ésta el propio sol, o un flash externo, por ejemplo.

foto por dawolf- (licencia CC)

Este tipo de iluminación no es difícil, pero como ocurre con todo, para perfeccionar este esquema la clave residirá en tener paciencia, y practicar y practicar. Así que no te lo pienses más, y prepara una sesión de retrato en la que iluminación Rembrandt sea una de tus metas.

¿Tienes algún retrato con este tipo de iluminación que quieras enseñarnos? ¡Compártelo con nosotros en los comentarios!

*Foto de portada por Alan (licencia CC)

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